01. Cello Sonata No.1 Op.38 - 1. Allegro non troppo

这张专辑是小提琴大师海菲兹在上世纪二三十年代从未被发表过的“新”录音。其中包括有一些大师未同意出版的音乐会实况的几个曲目，例如他在青春期拉奏的五首短曲、20年代和钢琴家Isidor Achron联合演奏的西班牙乐曲《Valencia》、格里格的《c小调第三奏鸣曲》和勃拉姆斯的《G大调第一奏鸣曲》等都是市面中非常少见的海菲兹演奏录音。这张专辑的母带虽然是留声机时期的单声道录音，但经过录音师精心制作，小提琴中蕴含的深刻感情也尽释眼前，令人更加怀念这位一代小提琴宗师。专辑的录音质量一流，是小提琴爱好者的必备参考。 亚莎·海菲兹（Jascha Heifetz，1901年2月2日－1987年12月10日），犹太血统的美籍俄国（立陶宛）小提琴家，二十世纪最伟大的小提琴演奏家之一。海菲兹的演奏技巧准确而辉煌，音色纯净而优美、圆润而饱满，富有激情 ，具有动人心弦的特殊魅力。他的力度和色彩变化非常丰富，那绝妙的韵味常常使人陶醉其中。 海菲茨的运弓，充满弹性和力度，他对弓子的压力很大，发出极宏亮的声音；与此对应的是左手有力揉弦带来的辉煌音色。他的演奏表情深刻，强弱对比出神入化，速度相应都比较快。海菲茨的演奏曲目极广，1925-1948年，在他的艺术巅峰期，对各种类型的作曲家他几乎都留有录音，其中最为出色者还是民族乐派的作品，这类作品最能适合于他表现其激情的需要。

这套专辑是杨颂格·卡奇泽指挥苏联广播电视交响乐团，演奏哈恰图良的芭蕾舞剧全本《加雅涅》（1957年版）。 阿拉姆·伊利奇·哈恰图良 (Aram Ilyich Khachaturian，1903-1978），出生于格鲁吉亚第比利斯，前苏联作曲家、指挥家。他的创作汲取了故乡亚美尼亚的民间营养以及高加索地区的多民族传统音乐精华，音乐语言具有鲜明的民族色彩，富有浓郁的亚美尼亚情调，因而在二十世纪苏联乐坛独树一帜。另外，哈恰图良还受法国印象主义的影响，他的作品以热情、乐观、富于色彩、旋律丰富和高度的技巧性见长。 人们非常熟悉的那首热烈、狂放的《马刀舞曲》，便选自《加雅涅》。由于在很多年里欧洲音乐爱好者对哈恰图良的了解几乎仅限于此曲，很多人称他为“马刀舞曲先生”。 芭蕾舞剧《加雅涅》是1939年哈恰图良根据米高扬的建议，为亚美尼亚艺术节而创作的，原名为《幸福》。1942年，哈恰图良把剧情改写成描写在亚美尼亚边境集体农庄工作的年轻姑娘加雅涅的故事发表。同年12月9日此剧由苏联著名的舞蹈家阿妮西莫娃（Nina Anisimova）主演、由列宁格勒基洛夫模范歌舞剧院于彼尔姆首演。作曲家哈恰图良也因该剧的公演而获得当年的斯大林奖。 《加雅涅》这部舞剧的灵魂与活力集中体现在哈恰图良的音乐中。音乐最突出的一点是鲜明的民族特征，贯穿在全部作品中的民族民间音乐的音调、旋律、节奏，比哈恰图良以往的音乐作品更直接、更丰富、更生动。《加雅涅》舞剧音乐是民族音乐大聚会，令人耳目一新。其中库尔德人、格鲁吉亚人、乌克兰人、俄罗斯人等不同民族的民间歌舞，获得了广泛的展现，丰富的民族民间音乐的源流荟萃，使舞剧的音乐色彩绚丽浓烈，充满了活力。哈恰图良运用了七首亚美尼亚的民歌、两首俄罗斯舞曲、一首乌克兰的戈帕克以及一首格鲁吉亚舞曲作为素材进行创作。

这张专辑收录了毛里奇奥·波利尼的演奏录音，包括舒曼、李斯特、肖邦、舒伯特、韦伯恩、德彪西、斯特拉文斯基的钢琴独奏作品。 毛里奇奥·波利尼（Maurizio Pollini，1942年1月5日-）意大利著名钢琴家。波利尼演奏曲目广泛而多样，演奏风格清晰明快，具有丰富的色彩变化和深厚的音乐涵养。从巴洛克、古典乐派、浪漫乐派，直到近现代作品均有涉猎，演奏的贝多芬、肖邦、李斯特、普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基、巴托克、贝尔格、曼佐尼等作曲家的作品都深受好评。 波利尼1942年出生于米兰，早期在卡罗·隆那提门下习琴，在九岁就举行独奏会。后来他在米兰音乐学院向卡罗．维杜索学习，在1959年即在赛雷诺获得艾托瑞．波卓里钢琴大赛的首奖，次年在华沙的肖邦大赛里也是第一名，得到当时评审阿图．鲁宾斯坦的青睐，但后来他并没立刻发展出事业之高峰，他一度中断似锦的职业演奏生涯，追随阿图罗·班乃迪提·米凯兰杰利，以使自己的演奏完美无暇，自从这个时候开始，他在一些音乐大城举行独奏会，与最顶尖的指挥与乐团合作，一直受到听众和评论家狂热地肯定，而且录制了一些叫好又叫座的唱片。 波利尼被视为一位具有高度智慧的钢琴家，往现代乐派的曲目(例如布列兹、史托克豪森、贝里诺)所做的努力与从事社会政治运动一样多。作为一位钢琴家，在他的钢琴生涯里曾做出几次大胆的改变，在录音室里有着技巧完美至上的录音，现场演出则弥漫着音乐的冲劲，和高风险性的表演。他的演奏曲目，从葛苏阿到诺诺，都是无可取代的，如百科全书般的广度所向匹靡。

这张专辑是罗马尼亚指挥家谢尔盖·切利比达奇的录音精选辑。参与演奏的乐团：丹麦国家交响乐团、柏林爱乐乐团、瑞典广播交响乐团、伦敦爱乐乐团、柏林广播交响乐团。 谢尔盖·切利比达奇（Sergiu Celibidache，1912年6月28日-1996年8月14日）罗马尼亚指挥家，二十世纪世界著名指挥大师之一。切利比达奇的指挥特色是演奏速度较慢，有人认为，这是他受“玄”学的影响之故，他的最擅长的曲目是布鲁克纳、勃拉姆斯、贝多芬等音乐家的作品，但他拒绝指挥马勒的作品。

这张专辑是古典吉他演奏家村治佳织与佩雷斯指挥的加利西亚管弦乐团合作，演奏罗德里戈的吉他协奏曲作品。这是村治佳织向作曲家罗德里戈的致意。《阿兰胡埃斯协奏曲》和《节日协奏曲》分别是罗德里戈创作的第一部和最后一部吉他协奏曲，如此选曲无疑体现了村治佳织挑战巅峰的决心。村治佳织满怀着对西班牙音乐的热爱，14岁便登台演奏过《阿兰胡埃斯协奏曲》，并于1998年拜访了罗德里戈，作曲家将她称为“21世纪的诠释者”。曾有弹古典吉他的朋友很自豪地对我说：“吉他是最深情的乐器。”原因很简单，演奏者手指直接接触琴弦，没有间隔。其他乐器如钢琴是通过敲击键盘带动小槌捶击琴弦发音，小提琴是通过琴弓摩擦琴弦发音，多少都隔了一层媒介；而吉他，可以通过指尖直接传递种种微妙的变化。成也萧何，败也萧何。这种拨奏方式注定吉他的音量无法超过钢琴和小提琴，所以它只能流连于咖啡馆客栈，适合恋人之间倾诉绵绵絮语，少有机会登上大雅之堂。如果没有一代传奇大师塞戈维亚的努力，没有作曲家罗德里戈创作的协奏曲，没有演奏家叶佩斯、罗梅罗的精湛技艺，吉他绝不会有今日的风光。

这张专辑是德国钢琴家马丁·史岱费尔德演奏巴赫《英国组曲》第一至三首。 “80后”钢琴家马丁·史岱费尔德是目前欧洲最炙手可热的钢琴新星，以演绎巴赫的作品见长。“弹巴赫的音乐，就像跟他在对话，很生动，很即兴”——音乐里的这种生命和精神，马丁早在6岁就已感受到了。巴赫——“那不是严谨、古老的音乐，相反，它开放极了，每个人的每个阶段都能够沟通。”马丁觉得，如果把心打开，印象里刻板的巴赫一点都不难理解：他既浪漫又现代：“浪漫的意思打动人心，现代则意味着清晰透明”，马丁一发不可收：“巴赫的艺术不光是横向和纵向，而且是时间和空间的艺术，平衡处理得好，就能成就很大的共鸣。” 《英国组曲》共6首，作于1720年左右。《英国组曲》这个名称并非是巴赫亲笔提名，而是后人所加。有传说一位英国贵族委约巴赫写了这套组曲，便因此得名。而这个传说至今也未得到证实，组曲的名称却保留了下来。实际上，这套组曲中的舞曲名称都是法国的，音乐也展现出路易十四时期法国宫廷舞的高贵气质，丰富的装饰音也彰显了“法式”的华丽风格。

这张专辑收录了两部莫扎特的作品：1、由小提琴家美岛莉、中提琴家今井信子与艾森巴赫指挥的北德广播交响乐团合作，演奏莫扎特《交响协奏曲》；2、由小提琴家美岛莉、钢琴家艾森巴赫与其指挥的北德广播交响乐团合作，演奏莫扎特《钢琴、小提琴与管弦乐团协奏曲》。 《降E大调交响协奏曲》K364，大约在1779年秋天完成于萨尔茨堡。这部作品全面地反映出他过去的成就与未来的风格特点。天才的莫扎特大大地扩充了独奏乐器与乐队形式之间的协调关系。独奏乐器小提琴与中提琴在交响乐中似乎高耸于乐队其他乐器之上，然而它们与整个乐队却是血肉相连。乐队和独奏乐器彼此并不是对立的，而是平等的伙伴。最有说服力的例子是第一呈示部的结尾，其中独奏小提琴和中提琴极为自然而和谐地从众多乐器中脱颖而出，或者不如说，独奏正是从众多乐器中“诞生”出来。就乐队本身而言，全奏插部乃是交响发展的重要组成部分。甚至在独奏演奏经过句时，全乐队的进入在这里也是极为重要的。 在这首交响协奏曲中，中提琴作为独奏声部的应用，在那个时代的音乐会中，是非同寻常和令人惊叹的。在18世纪，中提琴还不是广泛应用的独奏乐器。莫扎特打破了传统，跳出了世俗对待中提琴的偏见，以当时独一无二的高水平作曲手法和对乐器本质的了解，绝妙地发挥了中提琴的表现性能。中提琴的独奏声部流畅自如，可以说极为精美。从运用多种多样的技术手段和手法这一点来看，在这首乐曲中，中提琴与小提琴声部达到了完全平衡。想必作曲家已预先构想中提琴独奏声部由他本人亲自演奏了。

这张专辑是指挥家米特罗普洛斯与维也纳爱乐乐团合作，1954年8月在萨尔茨堡音乐节演出的现场录音。曲目包括舒曼《第二交响曲》、普罗科菲耶夫《第五交响曲》。 舒曼《C大调第二交响曲》作品61，从1845年岁末开始起稿，但由于他的忧郁症和欠佳的身体状况，使得这部作品于1846年10月方完成。此曲表现了苦恼与斗争的人生及命运。舒曼提笔写作此曲时，正被深重的神经系统疾病缠身而极度痛苦，他的这种悲痛情绪，在这部规模最庞大的作品中充分显露出来。虽然有些评论家赞誉此曲是舒曼的最高杰作，而且器乐法也强有力地表现出浪漫主义的特征，但从音乐内容与主题的运用上看，则有“优劣参半”之嫌，因此在音乐会上较少听到此曲的演奏。 普罗科菲耶夫《降B大调第五交响曲》作品100，作于1944年。1945年列宁格勒庆祝摆脱德军重围，3月在莫斯科举行的庆典音乐会上，由普罗科菲耶夫指挥首演。 此曲是普罗科菲耶夫在苏联时期所创作的第一部交响曲，公认是他最杰出的音乐作品。正如他自己所说的那样：“我怀着一种信念，认为作曲家和诗人、雕塑家、画家一样，应该为人类服务，为人民服务。他应该美化和保障人类的生活，他在艺术中首先应该表现出是一位公民，歌唱人类的生活，引导人们走向光辉的未来。在我看来，这就是艺术的不容改变的规范”。博里斯·施瓦茨认为:第五未必是一部写战争的作品，其理由是：“第五交响曲有着这么崇高、自信和明朗的诙谐的情绪。战争的思想好像很遥远。”然而,作为一个关心着自己祖国的前途与命运的作曲家，普罗科菲耶夫在构思自己的作品时，他不可能不去关注在那个特定的时空中所发生的与祖国的命运休戚相关的重大事件。这首乐曲表现其当时的心情，由内心的激动和喜悦开始，逐渐爆发，最后是忘乎所以的欢腾。

阿南刻乐队 ANANKE是一支电子/流行音乐风格的独立乐队。由王若卉（主唱/作曲/作词/编曲/键盘）和Eric Lattanzio（制作人/作曲/编曲/贝斯/键盘）共同建立。2015年，在东京御茶水的一间乐器店里买下了一台Fender Rhodes，出于对音色的着迷成立乐队创作音乐的想法逐渐形成。"阿南刻"是古希腊神话中掌握时间和定数的神，是命运、时间和必然性的代表。 我们相信音乐的所有灵感都是自然而然的，不需要强迫，也不受限制。 这并不意味着被动地等待，但灵感永远会自然地在正确的（或意想不到的）时刻出现，是命中注定必会到来的。 Protogenoi是ANANKE阿南刻乐队的首张LP，主要使用模拟合成器及各类电子乐器，形成流行、迷幻电子为主的音乐风格，混合空灵的人声和独特的曲风，令他们的音乐充满感性且深度自我探索的气质，邀请听者加入一场心灵深处的旅行。

这张专辑是钢琴家米凯兰杰利演奏肖邦的12首钢琴独奏作品。绝少有演奏家能像米凯兰杰利这样，以如此有限的曲目获得如此崇高的声誉。而另一方面，他的演奏之完美是显而易见的，他从未弹过一个错音。米凯兰杰利诠释的肖邦一直被列入最优秀的钢琴演奏之列，是完美无隙的技巧、优雅的精确度、理性的思考、和纯净透明的音色的完美结合典范。例如其中的《a小调圆舞曲》Op.34 No.2的演奏，大师弹得相当“冷面”，妙不可言的透明触键，伴随着仿佛刻意忽略圆舞曲韵律的呼吸。