05. The Silent Nutcracker

这张专辑是捷克大指挥家库贝里克与维也纳爱乐乐团合作的顶尖之作，也是高保真全音域录音技术初期，勃拉姆斯交响曲的先锋录音。

这张专辑收录了阿图尔·施纳贝尔的演奏录音，包括贝多芬的钢琴作品。 阿图尔·施纳贝尔（Artur Schnabel, 1882.4.17-1951.8.15）美籍奥地利钢琴家、作曲家兼音乐教育家。他擅长演奏贝多芬的作品，在对贝多芬音乐的贡献主要在于对演奏者的彻底解放。他懂得诠释艺术中最为珍贵的东西，那就是个性。 提到施纳贝尔，不能不想到贝多芬。这张专辑收录的是他三次录制贝多芬《第四钢琴协奏曲》的第一次(另两次分别在1942和1946年)。当时他五十岁，诠释理念已基本笃定，后两次录音并没有特别差异，乐曲长度差距也都在一分钟内。这个1933年的版本是最“轻”的一个，冥想而不让人感到沉重。第二乐章装饰奏创造出令人毛发倒竖的张力，第三乐章则有令人愉悦的幽默感。也许偶而有人指称施纳贝尔并不是一位真正好的演奏家，这是对莱彻蒂茨基“求广”一说的误解；无可否认，施纳贝尔确实可能在音乐会上紧张怯场，在录音室和大众面前地无法怡然自在，他平常的练习也多倾向处理乐句轻重、质感和音色，而非锻练无懈可击的超技。不过如同他挪揄纸卷钢琴业务代表所说的一般，他也确实拥有超过三十三种以上的钢琴音色。施纳贝尔有种过人的天分，就是能惊人地演奏轻音和高雅音色，也能演奏出富有表情的颤音，尤有甚者，他也是少数能把钢琴当成打击乐器处理的钢琴家之一。我们在此听到的贝多芬《第四钢琴协奏曲》便是这样既诗意又光采丰富的一首乐曲。 他的《华德斯坦》奏鸣曲从一开头就展现惊人的狂野能量，但是进入第二主题时，施纳贝尔却让我们知道不必改变速度和弹奏法，也可以让表情转变成高雅宜人。慢板乐章所浮现的神秘感是令人不可思议的。它非常慢，但施纳贝尔完全知道为什么要这么做，他就是有办法让音符的空隙也使人觉得充实。 施纳贝尔在1942年录下贝多芬两首晚期奏鸣曲，但因为大战爆发，因此贝多芬奏鸣曲协会并没有出版。施纳贝尔的演奏概念和1932年版是一样的，只是气氛变得比较阴沉。1937年施纳贝尔录制《狄亚贝里》变奏曲真是个神圣的时刻，施纳贝尔和贝多芬一样，既是个哲学家、又有直率的幽默感。他向听众传递着作品里的趣味，以及作曲者最顶峰的音乐成就，并为大众开启了通往至极乐园的大门。

这张专辑是钢琴家拉罗查与布果斯指挥的伦敦爱乐乐团合作，演奏法雅、阿尔贝尼兹、图里纳的钢琴作品。法雅的《西班牙花园之夜》可说是其创作中最富印象派色彩的作品，在每个乐章的背后，几乎都可以看到安达露西亚夜晚的微光闪烁。另外两首狂想曲作品不仅重现西班牙南方的风味，洋溢着安达露西亚的芬芳，由同为西班牙籍，有“西班牙钢琴女王”称喻的拉罗查诠释，更是原汁原味。拉罗查和布果斯被誉为演绎这些作品的最佳配合，两位都是西班牙音乐的专家、大师，演奏中处理西班牙音乐的弹性、柔韧十分得当。《企鹅唱片指南》三星带花。

这套合辑收录了钢琴家李赫特的多张钢琴独奏唱片。虽然李赫特通常避免成为一个“完美主义者”，但这个系列的作品和作曲家的范围广泛而丰富。李赫特不喜欢在录音棚演奏，但合辑中大部分的录音资料，包括穆索尔斯基《图画展览会》、李斯特《b小调奏鸣曲》、韦伯《d小调奏鸣曲》、德彪西《Estampes》、斯克里亚宾《第五奏鸣曲》和舒曼《C大调幻想曲》，拉赫玛尼诺夫《前奏曲》、普罗科菲耶夫《第八奏鸣曲》以及肖斯塔科维奇的六首《前奏曲和赋格曲》仍然是经典的录音室录音。 从1956年到1992年，这套合辑还展示了李赫特从难以捉摸的激情青年到朴素的键盘老手的演变过程。如果李赫特对晚期巴赫和莫扎特作品的“素简”式诠释是一种后天的品味，那么我们就无法否认这位钢琴家的专注和迷人的演奏是多么引人入胜。以前错过这些唱片的李赫特粉丝会发现这套合辑是真正的性价比逆天。

这张专辑是钢琴家巴伦博伊姆演奏门德尔松《无词歌》，他的演奏纯朴自然、轻松而富有诗意，具有抒情的歌唱性。钢琴音色并不太亮、带有几分朦胧，与《无词歌》中的那种浪漫情调十分吻合。 《无词歌》，又称无言歌。是一种抒情性、歌唱性的小型器乐体裁。它象浪漫歌曲一样，配有简单的伴奏，常以钢琴独奏形式演奏，在一定的节奏音型陪衬下奏出歌唱一般的旋律线条。它既是器乐小品，其音域自然较之声乐曲更觉广一些。无言歌的结构形式除少见的奏鸣曲式外，由于音乐形象比较单一，通常采用二段体、三段体的歌曲形式。德国作曲家门德尔松是《无词歌》的首创者，自1830年至1845年间，共创作四十八首《无词歌》，均系钢琴小品。 贝多芬之后浪漫主义时期的钢琴音乐颇为兴盛，舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特等名家都写过不少钢琴小曲。门德尔松的《无词歌》也正是这一时代的产物。他的《无词歌》曾编为八集出版每集均有六首曲子。 第一集（作品19）1832年在英国出版。第一集中的第三首A大调，副题为《猎歌》，旋律幽然可爱；第二集（作品30）中的第六首题为升f小调《威尼斯船歌》，旋律优美如歌；第三集（作品38）中的第六首注为“二重唱”，宽紧两种音符的旋律重唱，强调音乐的抒情性和描写性；第四集（作品53）中的第二首《浮云》、第五首《民谣》较有影响；第五集（作品62）中的第五首a小调《威尼斯船歌》和第六首《春之歌》，具有浪漫主义的抒情风格；第六集（作品67）中的第四首C大调《纺歌》，用了回旋性结构，形象生动，感情真挚，均为名曲。第七集（作品85）、第八集（作品 102），不常在音乐会演奏。 《无词歌》大部分由歌曲似的旋律及简单的伴奏所组成。这种方法为的是使旋律能在一定音型的伴奏下表露无遗。而且，《无词歌》的旋律不一定非得象歌曲一般，被限制在一定的音域之内，而可以稍稍宽广一些。有人给这些无词歌一一加上了标题，如《猎歌》、《春风》、《纺车》、《丧葬进行曲》、《春之歌》等等。采用这些标题虽然大多不是门德尔松本人的意思，但对演奏者和听众理解音乐形象是有帮助的。

这张专辑收录了阿尔弗雷德·布伦德尔的演奏录音，包括海顿、莫扎特、舒伯特、舒曼的作品。

这张专辑是查理·帕克与几位爵士乐手1949年3月5日在纽约的Royal Roost酒吧演出的现场录音。 查理·帕克（Charlie Parker，1920-1955）绰号“Bird（大鸟）”，爵士史上最伟大的中音萨克斯手，更是爵士史上最才气纵横的萨克斯手。查理·帕克是对整个爵士乐发展造成决定性影响的乐手，在他担任领班期间，旗下更包括了年轻的Miles Davis等众多后来的大师乐手，在波普爵士乐史上他与钢琴手Bud Powell、小号手Dizzy Gillespie三人被公认为波普爵士的领导先驱。查理·帕克的吹奏技巧无与伦比，无论在小编制当中的引领乐句转折，或是在堪萨斯市Big Band俱乐部里光芒四射的独奏桥段，不管他再怎么吸毒、饮酒狂欢、放纵声色，只要他含起萨克斯风吹口，吹奏出的每一段旋律都是空前绝后般地惊才绝艳。

这张专辑是希拉里·哈恩与埃萨-佩卡·萨洛宁指挥的瑞典广播交响乐团合作，演奏二十世纪美籍奥地利作曲家勋伯格和同时代的芬兰作曲家西贝柳斯的《小提琴协奏曲》。希拉里·哈恩选择录制这两部作品，是为了凸显她驾驭现代大型作品的能力，以及过人的技术能力。 在专辑录音中，希拉里·哈恩给人以强烈的震撼力，实话说勋伯格的《小提琴协奏曲》即便有上佳的技术能力，也并不是很好把握的作品，希拉里·哈恩的诠释表现出成熟的知性美，她把作品中融合现代意识与复古韵味的特色很好地表达出来，灵动而不失优雅，又以无懈可击的全局观念征服了乐迷。在她演绎的西贝柳斯《小提琴协奏曲》中，可以听到不亚于当代任何一位同辈小提琴家的出色演奏技巧，希拉里·哈恩祛除了早期演奏趋向于过分热情、急躁的状况，同时也把作品中那种北欧民族风味恰如其分地烘托出来。 埃萨-佩卡·萨洛宁指挥的瑞典广播交响乐团在录音中也有高分表现，乐团对两部作品特别是西贝柳斯《小提琴协奏曲》的气氛营造相当到位，令人留下深刻的印象。音乐制作和音响制作阵容都是一流的，使专辑的完成度很高，音质也达到发烧级别。 勋伯格《小提琴协奏曲》作品36，作于1935年至1936年，呈献给韦伯恩，采用十二音技法创作，小提琴大师海菲兹曾经拒绝首演这首作品。几乎没有人会认为演奏此曲会简单轻松，它棱角分明、怪异的装饰，多处长独奏段落可以说是专为摧残小提琴手创作。 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》作品47，完成于1903年，是他唯一的小提琴协奏曲。此曲有着交响曲的规模，一把独奏小提琴和管弦乐队的其它乐器有着同等的地位。一个为独奏演员而作的华彩乐段在第一乐章的发展部大放异彩。

这张专辑收录了玛塔·阿格丽奇演奏的代表曲目，包括肖邦、舒曼、李斯特的钢琴独奏作品。 第一首乐曲是肖邦的作品，从中可以感受到阿格丽奇如何让大部份认定这是古典作品的浪漫派人士，听到如此煽动人心、心境变化分明的诠释。飞利浦相当大胆地选出肖邦前奏曲作品45。这是一首阴郁且诗意的佳作，阿格丽奇的诠释相当性格，苦甜交杂的气氛像是预示勃拉姆斯最后一首间奏曲也会交杂着悲伤或曲折的变化，千变万化的装饰奏与结尾部份有类似歌剧的戏倒性及夸张。早些年录制的前奏曲作品28最大的魅力，在于阿格丽奇的演奏掌握到罕有的优美即兴演出及火花。欢欣与颓丧、光彩与阴暗、痛苦与宁静不断交替出现，阿格丽奇捕捉到音乐最原始的本色并创造出炽热的气氛。作品28-1的速度为急板，速度虽快，阿格丽奇的节奏性仍然新鲜而且有条理。如果作品28-2的速度比较偏向小行板而非缓板，阿格丽奇在结尾的几小节中，把它凄凉的风格充份而且清晰地表露无疑。接下来的作品28-4犹如突如其来奔流的血液。作品28-5的开始乐段再一次提醒我们，即使是最平淡的速度，阿格丽奇依旧能清晰地弹出抑扬变化；至于作品28-8的早期拉赫玛尼诺夫式华丽风格、作品28-13中段带有内省风格的“更慢”乐段，很难会有比这更具说服力的诠释。正确来说，作品28-14的速度应该是快板而非急板，只是乐曲中多出一小段如风暴般的乐句(近年有人认为这段乐句并不适合以行板演奏，效果也不具说服力)。在阿格丽奇手中，作品28-16具有相当凶猛的爆发力，手指在第五小节的速度迅如点水，音乐有如所谓“燃烧的太阳”。作品28-23比谱上速度标记“中板”更为狂热，因此速度记号对阿格丽奇来说或许只供参者而已（受到前一首前奏曲影几而产生的夸张？），强烈影响到拉赫玛尼诺夫降E小调《图画练习曲》作品39的前奏曲作品28-24真正展现出令人惊愕的磅礡气势，砰然作响的最后三个音符有如晴天霹雳。

这张专辑是孔泽尔指挥辛辛那提通俗管弦乐团，演奏美国西部音乐。是最受全球音响迷爱戴的发烧天碟之一，那一下“鞭声”相信很多发烧友都应该留下不少回味和记忆吧。录音艺术史和唱片工业史上最重要的一张唱片！专辑里的音乐首首甚称经典，孔泽尔和辛辛那提通俗管弦乐团借这张唱片的热销而闻名于世。