遗忘也许是最好的命运，但机巧与天真永远没有止境

这张专辑是旺德指挥北德广播交响乐团，演奏莫扎特最后三部登峰造极的交响杰作《第39、40、41交响曲》。 莫扎特最后三部交响曲作品，堪称音乐史上古典时期最受人推崇、广受热爱的音乐巨作。而在当代的唱片版本当中，优秀的演奏往往出自德奥乐队之手，旺德与北德广播交响乐团的RCA版就是其中的佼佼者。旺德的指挥尽量保持乐曲原本的韵味，不添加太多渲染，在稳健中处处散发着莫扎特式的精妙，使得《降E大调第39交响曲》的音乐活泼、明快；《g小调第40交响曲》有种令人哀伤的抒情美；《C大调第41“朱庇特”交响曲》则更为庄严肃穆。 专辑演奏、录音水平一流，获得《日本唱片艺术》推荐。这个录音中弦乐的音响清晰融合、呈现出德国乐团特有的丰厚音色，木管的声音圆润甜美，音场形态自然、空间感生动，是进入莫扎特交响乐世界的最佳选择。

这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团，演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中，音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的，而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面，莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的，即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰，换句话说，他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线，特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a)，从不主张独断的摇摆，而是在琴弦的纹理中占据首位，从而确保半透明的声音画面，反过来允许听众获得启发的见解，进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时，莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b)，正如第一个主题是清晰而明确的，第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略，也许反映了当时的惯例，或许也因为LP唱片的时间限制，莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长，从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130，在早期的作品中，长笛具有色彩的功能，用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美，在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时，当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时，他也毫不犹豫，就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300)，演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓，莫扎特自豪地指出，这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中，作曲家的自豪感几乎是显而易见的，这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。

这张专辑收录了久石让根据经典动画片《千与千寻》、《幽灵公主》、《龙猫》原声谱写的令人兴奋的交响作品。专辑名称恰如其分地定为《宫崎骏动画音乐交响盛典》，由作曲家久石让指挥皇家爱乐乐团在伦敦制作，展示了这位备受喜爱的动画电影艺术家的最新成就。 如果说宫崎骏是银幕上唯美的造梦大师，那么久石让就是给梦想镀金的仙人。我们常常在他们两人一起打造的动画电影《千与千寻》、《龙猫》、《天空之城》、《红猪》、《哈尔的移动城堡》、《幽灵公主》、《魔女宅急便》中梦见人生中那些永不回来的夏天。年幼的夏天，我们盘坐在梧桐树下，一页一页翻着小人书，伴听着知了叫，傻傻地笑。再后来的我们，有了电视机、有了电子设备，和父母藏着猫猫似地看着动画片。长大后的我们依然爱着动画片，就像爱着这世间的真善美，有时候傻傻地掉眼泪。童年离开了我们，而我们只能缅怀。人生中，总有那一个夏天，它已经离开，而我们不会忘记。

林声说音乐--卡门第一、二组曲

这张专辑收录了克劳迪奥·阿劳演奏的录音，包括贝多芬、肖邦、李斯特、舒曼等的作品。人们可能说专辑收录的这四位作曲家作品，正是阿劳音乐里的四大基石。可是立即又马上会有许多其它作曲家的名字浮上来，例如舒伯特和莫扎特等。总之，阿劳确实是个兴趣广博和感悟力强的钢琴家。这样广的音乐涉猎，多少让乐评家分析起来觉得头痛，可是一个客观判断的耳朵还是可以区分出不同作曲家在阿劳艺术中的不同份量。

这张专辑收录了罗莎琳·杜蕾克的演奏录音，包括巴赫的键盘独奏作品。可以为如何欣赏杜蕾克的音乐，以及她的天赋、思考音乐的方式提供最好、最详尽的解答。在杜蕾克有力而且可以完全分离独立的十指带领下，音乐就像在她所创造的环境下十分自然的深呼吸。在错综复杂的旋律线中，你会对她奇妙触键下所流泄的清澈琴音感到讶异，这种声音有如天鹅绒般的轻巧舒适。对乐曲结构的敏锐感受再加上清晰的音色、独一无二的转换乐句以及表达概念的方法，这就是杜蕾克的音乐。本世纪有三位音乐家让我们更明了巴赫键盘音乐的艺术以及各种不同诠释方法的可能性，那就是兰德芙丝卡、杜蕾克与古尔德。这三位音乐家的音乐风格都很鲜明，他们的巴赫都具有迷人的吸引力与个性，但是诠释方法却全然不一样：兰德芙丝卡极度浪漫，古尔德的音乐线条古典且简洁，杜蕾克则特别注意乐曲的结构。她用音符与乐句来“构筑”音乐，因此我们彷佛可以从她的音乐里“看”到乐曲的形貌样式，就像一个个单独的细胞成长并结合成一个活生生的有机体。再加上杜蕾克的十指触键能够完全独立不受影响，因此她能任意把单纯的乐句弹得丰富多彩，这里所选录的六首组曲最能呈现杜蕾克的乐思与音乐概念。灿烂的乐音伴随着无穷的节奏，音乐如同在她的指尖下跳跃。不过在第二号组曲一开始，音乐又洋溢着高贵典雅与庄重的风味。在一成不变的乐谱束缚下，杜蕾克能够跟随音乐的脚步，她知道音乐的魅力在于强烈的对比与情感。这是杜蕾克的使命，也是让她得到肯定最主要的原因。

霍洛维兹在晚年达到了一种超脱凡俗的境界，他开始潜心研究莫扎特的音乐，并录制了少量的莫扎特作品。 这张专辑收录的莫扎特《降B大调奏鸣曲》K281展现了霍洛维兹童真的一面。霍洛维兹的演奏整体来讲十分轻盈活泼，点缀着他特有的霍氏幽默，这种幽默在最后一个乐章尤其明显。 李斯特改编的《舒伯特小夜曲》本身并非十分重要的作品，但是在霍洛维兹手下，却成为了钢琴录音史上最为奇妙的录音之一。在这里，霍洛维兹对音色的控制达到了顶峰，在高音的卡农似的回声让听者毫不怀疑这是第三只手的杰作。无论将这个录音听上多少遍，我也更宁愿相信这是两架钢琴美妙的和声，而不是霍洛维兹一人之为。 最后的《维也纳夜会》是霍洛维兹晚年才开始演奏的作品，集超凡的技巧和美妙的音色为一身，表现了大师极高的艺术境界。

这张专辑收录了安德烈·瓦兹的演奏录音，包括李斯特、舒伯特、格什温、贝多芬、肖邦、德彪西、拉赫玛尼诺夫的钢琴作品。安德烈·瓦兹（Andre Watts，1946-）美国钢琴家。他的演奏辉煌壮丽、富有气势，演奏李斯特、拉赫玛尼诺夫的作品时更为突出。瓦兹1946年出生于德国纽伦堡，父亲是美国士兵。瓦兹六岁开始学习小提琴，后来跟随母亲学习钢琴。八岁移居费城后并在费城音乐院师从罗宾诺，九岁与费城管弦乐团合作演出海顿《D大调钢琴协奏曲》，1963年1月与伯恩斯坦在青少年音乐会中合作后，演奏事业也立刻随之起步。几个月后，由于原订独奏家古尔德因病临时取消演出，伯恩斯坦再度邀请瓦兹与纽约爱乐乐团合作。虽然瓦兹这时候就经常以独奏身份登台演出，但是他还是继续未完成的钢琴学业，19岁赴琵琶第音乐院师从费雷雪，1972年得到耶鲁大学荣誉博士学位，1973年开始教授大师班。有人批评瓦兹的演出曲目有限，事实上他的焦点是放在他真心喜欢的音乐上，他最常演奏贝多芬、肖邦、李斯特与拉赫玛尼诺夫的作品。瓦兹的技巧辉煌而且才华洋溢，所到之处都受到听众的喜爱。

这张专辑是青年钢琴家左章的演奏录音，收录了拉威尔《G大调钢琴协奏曲》、独奏曲《夜之幽灵》和李斯特《第二钢琴协奏曲》，展现了她的演奏技巧与音乐诠释上的才华。左章对拉威尔两部作品的演奏具有女性敏锐的直觉与活力：《G大调钢琴协奏曲》、《夜之幽灵》，充满了浪漫主义的想象；在李斯特《第二钢琴协奏曲》中，左章的演奏行云流水，与指挥帕沃·贾维大师以及爱乐管弦乐团的合作融洽无间。 拉威尔《G大调钢琴协奏曲》作于1929-1931年间，为配合作曲家第二次出行美国而作，它是拉威尔在他的出生地，即法国与西班牙接壤处的巴斯克地区经过多次徒步旅行而获得灵感，又经过了长时间的酝酿写成的。第二乐章中长达36小节的独奏主题是作曲家在森林漫步中的内心独白。此曲含有爵士风格，在技巧上则受李斯特的影响。 拉威尔《夜之幽灵》作于1908年，它是拉威尔根据贝朗特的诗歌而写的三首钢琴音诗：《水妖》、《绞刑架》、《幻影》，全曲结构像奏鸣曲的三个乐章。每首乐曲具有不同的音乐特色，《水妖》以旋律见长，《绞刑架》以和声取胜，《幻影》有极其复杂的节奏。它们构成一个整体，带有浪漫主义的神秘色彩。 李斯特《A大调第二钢琴协奏曲》作于1839年。此曲是抒情而充满诗意的，狂想曲型的。

“协奏曲”是由一件（或几件）乐器与乐队共同演奏的音乐体裁，具有炫技风格，独奏家们能够尽情展示高超的演奏技艺，配以乐队浑厚的音响，丰富了乐曲的色彩，给人听觉的震撼，是非常受听众欢迎的一种大型管弦乐体裁。历经几个世纪的变迁，协奏曲的组合方式和音乐风格也呈现出“万花筒”般的效果。