HELLO CHENGDU X 你好音乐

小心你的听觉神经及音响了，当子夜来临，急促的紧张喘息尾随而至，厚重的古屋大门慢慢推开，黑猫一跃而起，在满月西沉的时刻弓起背竖直毛……这张歌颂怪诞与战慄的专辑就要征服那些不信邪的听众。大众王子孔泽尔彷彿披上了吸血伯爵的黑披风，引领人们进入这个潜意识中既恐惧又无法抗拒著好奇与快感的幽暝领域；曲目从柏辽兹等浪漫乐派巨匠的代表名作到当代科幻恐怖电影、舞台剧脍炙人口的主题音乐共同交织出这个混杂著阴沉与忧郁浪漫的奇幻空间。如临现场的戏剧特效加上透明立体的管弦乐演出，绝对让人瞠目结舌、大呼过瘾。 这张专辑是曾经风靡一时的惊悚电影《鬼屋》的原声大碟，除了收录下电影中夸张而逼真的各类声音特效外，还有非常多与电影“魔鬼”主题有关的古典名曲、音乐剧序曲等。其中包括音乐剧大师安德鲁·劳伊德·韦伯的传世之作《歌剧媚影》的序曲、著名俄罗斯作曲家穆索尔斯基的交响诗《荒山之夜》，法国作曲家圣-桑所作的《骷髅之舞》以及柏辽兹、格里格等名家的作品片断。可以看到，无论作品的风格是古典还是现代，都围绕着唱片“魔鬼”的主题，所以营造出一种诡异、神秘的色彩。 孔泽尔与辛辛那提通俗管弦乐团在演艺古典作品的时候显然与其他国际级指挥家演绎的版本有一些差距，但是凭借着优秀的录音品质以及整张作品统一的风格，还是获得了很高的评价。

这张专辑是俄国大提琴家罗斯特洛波维奇与罗日杰斯特文斯基指挥的莫斯科爱乐乐团合作，演奏肖斯塔科维奇《第一大提琴协奏曲》；与斯威特兰诺夫指挥的苏联国家交响乐团合作，演奏肖斯塔科维奇《第二大提琴协奏曲》。 这两部大提琴协奏曲都是肖斯塔科维奇题献给罗斯特洛波维奇的，而他们俩的关系非常密切、亦师亦友。罗斯特洛波维奇对肖斯塔科维奇作品的理解也是最深刻、最权威的。他演奏的肖斯塔科维奇《大提琴协奏曲》是最能表达出作曲家的心声。 《降E大调第一大提琴协奏曲》作品107，作于1959年，灵感是来自同为俄国著名音乐家普罗科菲夫的《交响协奏曲》的作品。这首大提琴协奏曲为二十世纪重要的大提琴协奏曲作品之一，在大提琴曲目上占有很重要的地位。作品题献给著名的俄国大提琴家罗斯特洛波维奇。 《第二大提琴协奏曲》属于肖斯塔科维奇的晚期作品，具悲剧色彩。“回顾人生，依恋尘世而又不得不面对彼岸的复杂心境，正是这部作品的主题。”

这张专辑是鲍罗丁四重奏团与钢琴家伊丽莎白·蕾昂斯卡娅合作，演奏肖斯塔科维奇的两部室内乐作品。 肖斯塔科维奇《g小调钢琴五重奏》作品57，作于1940年。此曲主题清晰、旋律分明，首演时得到了不少的好评，可是在官方层面，却出现了两种不同的见解。其中有个别保守而作风强硬的苏共领导，认为肖氏的音乐虽然特别强调简单直接的风格，却同时仍然出现一些矫揉造作的和声及声音效果，不免觉得仍然隐藏着抽象的形式主义。作品在1941年获得了斯大林奖。 肖斯塔科维奇《e小调第二钢琴三重奏》作品67，作于1944年。此曲虽然没有涉及战争，但从作品中所使用的特殊的音乐表现手段以及它所造成的特殊音响，并把这些特殊的音响同他本人特殊的追求——描写与揭露邪恶的形象联系起来看，这部作品也的确与战争相关。所以说：“那里有战争的幽灵，它使人想起死神的眼睛。”

1986年2月，钢琴家霍洛维兹将在柏林举行音乐会的消息就不胫而走。门票销售时间刚刚公布，柏林爱乐大厅的外面就排起了400米长的购票队伍。音乐会演出前夕，门票的黑市价格已经炒到了天文数字，唱片店霍洛维兹专集，也像热烧饼一样被抢购一空。当霍洛维兹最终在这一年的5月18日走上柏林的舞台，他获得了长时间的观众起立欢呼。经过半个多世纪，柏林的观众再次听到了霍洛维兹琴声。这次演奏会也成了大师欧洲之旅的最高潮。乐迷对这套唱片的评价是：从精致、透明和微妙角度而言，这个录音是无与伦比的。它当然优于霍洛维兹的其他所有录音。从开始的第一个小节，它就清晰地展示着什么叫伟大的钢琴演奏。

这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏施尼特凯的三部室内乐作品。 施尼特凯《第三弦乐四重奏》作于1983年。此曲将来自拉索、贝多芬和肖斯塔科维奇的三个迥异的材料融汇成象征自己的核心主题，这三个材料尽管风格相异，却在音乐要素上有着很多相通之处，在施尼特凯的“有机拼贴”下已然融为一体，如果是“不顾原来的风格所蕴含的文化”，是不会有这种统一效果的。另外，这三个材料派生出了代表施尼特凯自身的主题，并作为全曲中心贯穿始终。此曲反映了施尼特凯对待音乐历史遗产的一种观念，即过去的音乐已然逝去，我们只能通过融合过去的音乐来发展新的风格。所以他没有像新古典主义者那样大量地以古老的风格语汇写作，而是以过去的风格为材料衍生出自己的东西。 马勒《a小调钢琴四重奏》（由施尼特凯整理改编），这原本是马勒少年时的习作，据说1876年他只完成了一个乐章，便把后面未完成的部分撂一边了。直到他去世后半个世纪，才被重新发现，施尼特凯整理改编了这部作品。这部作品虽然是马勒早期的未完成习作，聆听可以感觉得出马勒的“生命和死亡”主线条。阴晦、忧郁、沉重的旋律和音乐色彩营造了阴森压抑的气氛。偶尔闪烁出生命的希望，如同闪电一般。 施尼特凯《钢琴五重奏》作于1972-1976年。此曲是为纪念他的母亲而作，也是他唯一的钢琴五重奏。这部作品可以看成是施尼特凯创作风格突变的作品，这种从来都不做表面文章而影射的阴霾营造出了历史重现的压抑感，然而这种压抑的气氛几乎将他所有音乐作品风格模式统治了整整十五年之久。

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“⼀切⾛开了，⼀切⼜回来，存在之轮永远转动； ⼀切死去了，⼀切⼜花开，存在之年岁永远向前。” - 尼采《查拉图斯特拉如是说》 也许⽣命就是注定着要⾯对⼀场⼜⼀场的博弈游戏，你我存于起点与终点的浑浊之中，⿊⽩之间，体验着⼀次⼜⼀次的迎接与告别，所带来的喜怒哀乐，得到或者失去，我们被迫身处博弈之轮中，在选择的路⼝上挣扎、徘徊、取舍。 The Will On Kill 发⾏的第三张实体唱⽚。 在这⼀张EP专辑⾥⾯，我们改变了许多以往惯常的创作⽅式，同时加⼊了许多突破性的⾳乐元素和演奏⽅法，但是仍然希望⼤家感受到属于The Will On Kill的⼒量，尽管字⾥⾏间弥漫着灰暗的情绪，但是⼿上的拳头从来都是紧握着，坦然地⾯对这个世界与⾃⼰，⾯对时间与变化。 歌曲的意义从来不是为了愤怒或者发泄，⽽是在创作与聆听的过程中彼此理解，也许你会觉得，我们所诉说的，好像只是我们⽣命中所经历的⼀些事，但其实，因为这都是我们⽣命中不得不⾯对的⼀切。

这套双CD精选辑是希拉里·哈恩发行的五张专辑的精华，CD1以巴赫《无伴奏小提琴组曲》开头、巴伯《小提琴协奏曲》缠绵悱恻的行板接续、再绕到巴赫的《恰空舞曲》，最后以勃拉姆斯与肖斯塔科维奇的《小提琴协奏曲》结束；CD2则以贝多芬与门德尔松的《小提琴协奏曲》第一乐章起首，以斯特拉文斯基的《小提琴协奏曲》的随想曲乐章作结，充分展现了哈恩的音乐技巧与内涵。 从这套专辑中可以感受到“天之骄女”无与伦比的知性小提琴演奏。成熟与内涵，从来都被视为岁月的沉淀、阅历的彰显，这是放之四海皆准的真理，尤其在艺术造诣方面，它更是得到无数伟大音乐家的印证，然而今天，这一准则被希拉里·哈恩推翻——1980年出生的她，18岁首次提名格莱美奖、24岁摘得格莱美桂冠、29岁获得《留声机》杂志年度艺术家头衔、2009年再次摘取格莱美最佳器乐演奏奖……她是现今小提琴界罕见的收获了世界上所有顶级音乐奖项的“大满贯”音乐家。 　　 希拉里·哈恩被慕尼黑《南德意志日报》赞为“仅一世纪才见到一次”的小提琴奇才，《时代周刊》杂志的知名乐评人特里·泰奇奥特听过希拉里·哈恩的演奏后赞扬道：“她的曲调轻盈甜美，她的演奏稳健扎实。即使是烂醉如泥，或者是愤世嫉俗的乐评家们，都要融化在她动人的音乐中。” 　　 专注，是哈恩最大的演奏特点，她的每一个音符都有一个明确的目标，音调精准、毫无瑕疵。她的演奏深刻人心，并不仅仅是因为她精湛的技艺，也因为她表演时所投入的智慧，她夺目的表演才能背后是一种深深的确信，这确信使她游弋于古典大师们浩瀚的作品海洋时向世人展示了她一种骨子里的从容，她向世人证明，艺术的成熟稳重与年龄无关。

这张专辑是著名吉他演奏家大卫·罗素演奏巴赫的作品。对于专辑的选曲，大卫·罗素说：“巴赫作品中，有一些我非常喜欢的。我想根据我的爱好录制前奏曲、赋格以及快板、《恰空》、《第四鲁特组曲》。总是有我一直喜欢的作品，如果你喜欢的话，我想以我的方式和个人观点去演绎他们。” 大卫·罗素的音色可以说非常非常的干净，在这里使用再多几个“非常”可以说都不过份。在国内大卫·罗素的口碑相当好，不少吉他爱好者都很喜欢他的演奏，声音干净、技巧出众，在加上Telarc公司的发烧级录音，使得无论是在学习方面还是在资料收藏方面都很有价值。 但是不可否认，大卫·罗素的演奏在音乐性和乐曲的感觉上显得有些平淡，让人听起来没有什么激情，象喝白开水。在这张专辑中，大卫·罗素演奏的巴赫音色非常美妙，但似乎有点偏离了巴赫那种超脱凡尘的优雅。 从整体上来讲，大卫·罗素确实是一位非常优秀的吉他演奏家。

这张专辑是唐·多西将巴赫的古典作品改编成以电子合成器演奏，让人惊叹之余，感觉非常有新意和现代感。专辑是纯数码录音，音效非常出色，声音的延展、音场的宽阔，特别是亮丽的高频和滚滚的低频，给人深刻的印象。唐·多西有意将合成器当成一件乐器来表达他对巴赫音乐的诠释。由于计算机科技的进步，他能自己演奏、选样、编排，并且不经麦克风，直接将演奏信号输入数字录音机，而获致空前的音效，但更重要的是他为巴赫音乐作现代观的呈示，不要噱头也不做作，却能令人兴奋不已。总之，以数码录音，诠释巴赫的作品，是现代音乐改编的一大创意。