李帕蒂《钢琴大师》

李帕蒂《钢琴大师》

迪努·李帕蒂是最神秘的钢琴家之一,尽管自他英年早逝已经超过半个世纪,但大部分的钢琴文献不比印在他那些经常再版、值得称颂的唱片上能知道得更多。在经典的大部头《伟大的钢琴家》中他只是被附带一提。哈罗德.G.勋伯格仅仅评论道:“1950年33岁的他的离去,世人失去了一个将会成为世纪主要人物之一的钢琴家。”这样的评论忽略了一个事实,那就是在他去世前,李帕蒂已经被高度评价为最伟大的钢琴家和音乐家之一而令音乐会舞台增辉。 他的独奏曲目编排也同样的大胆且丰富多彩。他在一场独奏会中演奏了巴赫的四首前奏曲和赋格,贝多芬的华尔斯坦奏鸣曲,舒曼的交响练习曲以及拉威尔的Tombeau de Couperin。1947年的一场肖邦独奏会更是一次对作曲家作品的大概括:6首前奏曲、3首练习曲、奏鸣曲op.58、叙事曲op.52、马祖卡op.50 No.3、谐谑曲op.20、夜曲op.27第二、圆舞曲op.34第一和波罗乃兹op.22。在其他时候,他的独奏会集中在一个大规模作品里,譬如华尔斯坦、肖邦B小调奏鸣曲或者交响练习曲,剩下的曲目则是由一些小型作品组成的历史系列,从巴赫经由肖邦、勃拉姆斯、李斯特,直到现代作曲家像德彪西、拉威尔、德·法雅以及埃奈斯库。 他演奏中惊人的清澈和对音乐性探索的诠释,使李帕蒂赢得了那个时代的音乐名人的认可与赞美。钢琴家中诸如巴克豪斯、科尔托,菲舍尔,哈丝姬尔,肯普夫和施纳贝尔都是他的朋友和支持者,同样还有乐坛其它领域的音乐家——安塞美、布朗热、贵诺(Cuenod)、杜卡斯、埃奈斯库、霍格、马克维奇(Markevich)、梅纽因、普朗克、托斯卡尼尼等等……注意到李帕蒂“杰出天赋”的科尔托,称呼他为“钢琴家领域中真正的新发现。”在他去世时写道“没有什么能教给你,事实上只有一样,那就是向你学习。”当弗朗克·马丁第一次听到李帕蒂演奏,他“感到有什么不平常的事情正在发生,我从来没有听到钢琴像这样被弹奏。”普朗克把他描述为一个“神圣之灵的艺术家”霍格则说他“首先是一个音乐家,其次,才是一个钢琴家。”卡拉杨描述他的演奏如同“不再是钢琴的声音,而是最纯粹的音乐。”
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德卢西亚、梅奥拉、麦克劳克林《吉他三重奏
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这张专辑是世界三大吉他天皇(帕科·德卢西亚、阿尔·迪·梅奥拉、约翰·麦克劳克林)合作的演奏录音,是他们的第三次合作,无论是合奏或独奏,无论从音乐内容还是音响效果来说,都是无与伦比的天籁之音。专辑录音中巨星相撞、火花四溅、激情丛生,浓浓的音乐味和发烧的音效令人经历了难得的心灵震荡。聆听音乐时不禁想起白居易《琵琶行》中的诗句:嘈嘈切切错杂弹,大珠小珠落玉盘。Real World工作室的录音,尼龙吉他的琴体共鸣、手指触弦细节、泛音都捕捉非常清晰,被很多音响发烧友作为原声吉他试音碟。 与1980年代两张相比,1996年的这张专辑褪去年轻时狂飙炫技,演奏更内敛成熟,音色温暖通透,录音品质极高,是HiFi 发烧友知名试音碟。整张专辑没有任何外部伴奏,全部依靠三把尼龙弦吉他的交织对话,有三重奏,也有两两二重奏曲目。三位大师各自特质,帕科·德卢西亚的弗拉门戈律动、轮指、西班牙乡土色彩;阿尔·迪·梅奥拉有华丽旋律、精致和声、拉丁、地中海色彩;约翰·麦克劳克林那印度音乐、爵士和声、深邃的即兴思维。 佛拉门戈吉他大师帕科·德卢西亚用一把Hermanos Conde吉他,弹奏出来的音色丰满,低音非常有力;阿尔·迪·梅奥拉用一把Ovantion吉他奏出清脆响亮的高音,在合奏中往往使用电子合成器和手拍打吉他来掌控节奏,约翰·麦克劳克林参与了包括《Bitches Brew》在内共五张迈尔斯·戴维斯唱片的演出,为乐队加入了英国摇滚乐的风格。三星相聚交织出的音乐火花我们乐迷又岂容错过? 这张专辑的录音效果令人雀跃。在充分感受出色音效的同时,敞开心扉,能更多的感受音乐的韵味和乐手合作的默契与激情。这确实是一张音乐爱好者不容错过的经典唱片。
泰玛·休斯顿《我心中的音乐》
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这张专辑是黑人蓝调歌后泰玛·休斯顿与十八人大阵容的“压力锅乐团”演出的录音,是喇叭花最成功的唱片之一。专辑发行后立即销售一空,长期供不应求。专辑融合灵魂乐Soul、Funk爵士放克、雷鬼Reggae、R&B,人声曲目与器乐曲目交替编排,既有充满力量的主唱,也有铜管大乐队精彩的器乐段落,热烈奔放、现场感极强。 这是非常具有个性的一张女声流行录音,女声强而有力、音域宽广,对系统都是严酷考验。 专辑中的演唱充满人性光辉,人声空间感辽阔、热情奔放。而精准的钢琴触键,以及冲击力强烈的低音旋律线,都形成绝佳的对比。泰玛·休斯顿充满真情的歌声,在乐团与合唱的陪衬下,散发出纤细感性的动态,真是令人难以忘怀。 整张专辑采用喇叭花标志性的Direct-to-Disc直接刻片技术,乐队与人声全部现场同期录音,录音信号直接刻到母盘,没有多轨录音、没有后期剪辑、没有叠加重录,一次完整录完一面,一旦出错整面作废,对乐手、歌手要求极高,是1970年代发烧录音的巅峰代表。录音在两天内完成,压力锅乐团并不是固定乐团,是临时集结的18位好莱坞顶级录音室乐手,包括Michael Omartian、Mike Melvoin等顶尖编曲键盘手,阵容豪华。歌手泰玛·休斯顿当时隶属于摩城唱片,借调过来完成这张录音,她浑厚爆发力十足的灵魂女声是专辑灵魂。 直刻录音带来极强现场感、宽阔声场,乐器定位清晰,动态范围巨大。泰玛·休斯顿的人声从低声区到高亢呐喊跨度极大,非常考验音响系统的解析力与承受功率,是很多发烧友用来测试音箱的标杆唱片。原版黑胶当年发行就迅速售罄,后来多次复刻;Sheffield的录音捕捉现场合奏的协同感,定制电子线路,获奖级工程录制。
塞尔维亚·卓斯蒂《发烧演唱辑》
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这张专辑是爵士歌手塞尔维亚·卓斯蒂的演唱录音,是欧洲爵士发烧名盘,直刻录音版本在黑胶收藏圈很受追捧。模拟信号直接刻录母盘,减少转录损耗,动态大、透明度高,人声质感、乐器空间感非常出色,这也是此专辑作为发烧碟的主要原因。录音细节非常丰富,假如你用德国器材播放,同时还会纠正“德国器材偏冷偏硬”的另一个偏见。 塞尔维亚·卓斯蒂(Silvia Droste)1960年生于德国黑尔讷,被称为德国爵士歌唱第一夫人,同时也是萨克斯演奏者。早期接触传统爵士,之后转向现代爵士,嗓音温暖饱满,咬字松弛自然,擅长演绎经典爵士标准曲,对老歌的改编富有个人色彩,在欧洲爵士乐坛拥有很高声望。 专辑中塞尔维亚·卓斯蒂以她的感性歌声唱出多首名曲。从第一首《My One and Only Love》中,乐迷已深深体会到那种发自内心的感性演绎,在昔士风完美地配合人声的质感下,营造出丰富的结像力;加上Jeton的精彩混音技术,录音的空气感强烈,制造出一张极品女声爵士天碟,多本发烧杂志及乐评人高度评价,不可错过。 女歌手塞尔维亚·卓斯蒂在LP唱片时代可谓风光八面,那时候现在当道的发烧女声们还不知在哪晃悠,塞尔维亚·卓斯蒂的《发烧演唱》LP已经是最受推崇的试音大碟,她的声线中气十足,腔调自然流畅,演唱起带复杂念歌(Scat)技巧的爵士标准曲简直迷死人。 整张专辑以人声爵士为主,编曲偏现代冷爵士,乐队编制精致,没有过度炫技,重点突出人声表现力。塞尔维亚·卓斯蒂的嗓音厚实通透,中频饱满,气息控制优秀,录音完整捕捉人声细节,气声、转音都清晰可辨。乐器与人声分离度极佳,空间感开阔,动态范围大,既能用来测试音响人声表现,也适合安静聆听爵士老歌。选曲横跨经典大乐队时代标准曲、现代爵士、电影配乐改编,兼顾抒情慢歌与轻快摇摆曲目,风格丰富。整张专辑快慢搭配均衡:慢抒情曲目占大部分,中间穿插摇摆、致敬曲目,结尾用现代作品收束。直刻录音优势在慢歌中尤其突出,人声中频饱满,气口、唇齿细节真实,乐器与人声分离度优秀,没有过度修饰美化,是非常“真实”的爵士人声录音。
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布雷哈驰《德彪西、齐玛诺夫斯基钢琴作品》
布雷哈驰《德彪西、齐玛诺夫斯基钢琴作品》
这张专辑是波兰钢琴家拉法尔·布雷哈驰演奏德彪西、齐玛诺夫斯基的钢琴作品。这一次,布雷哈驰演奏了20世纪早期的法国和波兰音乐,将德彪西的印象派作品与布雷哈驰的同胞齐玛诺夫斯基的表现主义作品相结合。布雷哈驰对正在进行的关于德彪西作品是否印象派的音乐学讨论并不真正感兴趣。他更倾向于寻找德彪西这样的印象派作曲家,鉴于莫扎特、贝多芬和肖邦所取得的成就,他从古典主义中借鉴了结构上的优点,并将其发扬光大,他能够把所有这些转化成一种音乐现代主义的语言。这就是为什么布雷哈驰把德彪西称为“颜色之王”。布雷哈驰非常喜爱齐玛诺夫斯基的作品,在这张专辑中他演奏了1905年的《c小调前奏曲和赋格曲》以及1904年的《奏鸣曲》,这是为了纪念齐玛诺夫斯基,同时也向肖邦、德国浪漫主义传统以及斯克里亚宾的遗产致敬。 除了肖邦,齐玛诺夫斯基是波兰最具代表性的作曲家,甚至被誉为“现代波兰音乐之父”。十九世纪末开始,波兰文艺界出现了以浪漫主义和民族解放为理念,力求创新的“青年波兰派”,其中,齐玛诺夫斯基就是作曲界的代表人物。一般音乐学者把齐玛诺夫斯基的创作分成三个时期,第一时期的作品受到肖邦、斯克里亚宾的影响;第二时期则因为常在国外旅行,大量接触德彪西与拉威尔,也成为齐玛诺夫斯基这段时期的主要风格。第三时期则是表现波兰的民族性,齐玛诺夫斯基直接从波兰民间音乐汲取精华,创作出新的生命力,形成自己的音乐风格。 波兰钢琴家布雷哈驰录制过两张肖邦作品专辑后,很自然把目标转向齐玛诺夫斯基,以及影响齐马诺夫斯基甚多的德彪西。这是布雷哈驰第一次录制齐玛诺夫斯基的作品,《第一钢琴奏鸣曲》是齐玛诺夫斯基早期的创作,乐曲风格结合了从贝多芬古典乐派到斯克里亚宾的表现手法。 在布雷哈驰心目中,德彪西可说是钢琴音乐的“色彩之王”。谱写于1903年的《版画》共有三首小曲,但是创作构思分别表现中国、西班牙以及法国三个完全不同国家的特色;组曲《为钢琴而做》则是以二十世纪的手法,表现巴洛克时期器乐曲里,最常出现的前奏曲萨拉邦德舞曲与托卡塔。《快乐岛》的灵感来自罗浮宫的名画《航向希提拉岛》,传说中爱神维纳斯居住的地方。 布雷哈驰的演奏具有现代年轻一代音乐家中少见的个性,而且带有优雅、细腻与诗意,并且兼具有庄严气质以及适度的华美,传达出音乐中纯粹的魔力。
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柴科夫斯基《第六交响曲、1812序曲》
柴科夫斯基《第六交响曲、1812序曲》
收藏这张专辑首先是被封面深深吸引了,整个色调是纯净的蓝色,映衬着远处层叠的壮美雪山和如镜面般温柔的湖水、中间是剪影般的树林,似乎空中还飘散着淡淡的雾气,好一幅充满意境的画面,清净、梦幻、还有冷冽的感觉,让人心中不禁涌现一种说不清道不明的愁绪,这不正是柴科夫斯基的《第六交响曲"悲怆"》所要表达的思绪吗?搭配的柴科夫斯基《1812序曲》和斯美塔纳的《沃尔塔瓦河》被绝妙地编排在一起,感觉非常和谐。 重头戏柴6是吉布森指挥伦敦节日乐团,《1812序曲》《沃尔塔瓦河》是他指挥伦敦新交响乐团,虽然没有俄罗斯老牌乐团演奏的那么地道,但吉布森对于柴可夫斯基音乐的理解也非常深刻,把作曲家内心的情绪和痛苦表现得淋漓尽致。 亚历山大·吉布森爵士(Sir Alexander Gibson 1926.2.11-1995.1.14)苏格兰指挥家,1926年生于苏格兰的Motherwell,早年就读于位于格拉斯哥的苏格兰皇家音乐学院,后到英国伦敦、意大利的西耶纳等地进一步深造。1957年成为英格兰Saldlers Wells歌剧院的音乐总监。1959年他回到格拉斯哥,成为苏格兰皇家管弦乐团的第一位苏格兰出生的首席指挥和艺术总监,并一直工作到1984年。1981-1983年他还是休斯顿交响乐和管弦乐团的客座指挥。1962年,他发起成立了苏格兰歌剧院,并担任其音乐总监直到1986年。1987年,为了表彰他功绩,苏格兰歌剧院决定用其音乐总监的头衔用他的姓氏吉布森(Gibson)命名。1977年,他被英国皇家封为爵士。 最值得一提的是专辑的录音,这是确实奇公司将韦金森的传奇模拟录音用20位采样、128倍超取样的方式制成CD,在DSD还未普及前,可以说这是最牛的数模转换了,当然成就了这张超级天碟。听感基本保留了韦金森录音的优点,强横的动态、宽阔的音场、绝妙的乐器平衡、甜美的音色。听过的人绝对会被深深打动、甚至迷恋。
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(第72期) 钢琴协奏曲《我的祖国》
(第72期) 钢琴协奏曲《我的祖国》
这张唱片,是钢琴家孙颖迪,与张艺指挥的上海爱乐乐团合作,演奏钢琴协奏曲《我的祖国》,也是这部作品的首演现场录音。小喵祝朋友们国庆节快乐!也祝福伟大的祖国繁荣富强。 “一条大河波浪宽,风吹稻花香两岸……”电影《上甘岭》主题曲《我的祖国》,是一首家喻户晓的歌曲,它的旋律优美抒情、激情豪迈,无论何时唱起,总能唤起炎黄子孙的赤子情怀。如今,这部作品由作曲家储望华,改编成钢琴协奏曲。要将如此脍炙人口的作品改编成一部单乐章的钢琴协奏曲,并不容易。 储望华对《我的祖国》的改编有着独到见解。这部向祖国献礼的作品,延续了他的“储式”风格,以钢琴独奏和乐队协奏的形式,通过钢琴各个音区的不同音色,将曲中饱含的情感交融交织,深情地描绘出波澜壮阔的时代画卷,表现了对祖国大好河山的赞美、和对华夏人文情怀的讴歌。 这部协奏曲基本保持着原来歌曲的旋律和基本风格,具有鲜明的民族风格和浓郁的中国特色。原歌曲的主题在新作中共出现五次,每次都有所不同,有速度舒缓、抒情的,也有慷慨激昂、奔放豪迈的,力求多侧面、全方位地去表现宏伟的主题。 相较于郭兰英演唱的版本,储望华按照原作曲家刘炽的意愿,将歌唱家加入的一些装饰音去除,并在乐曲中加入符合时代的音乐元素。除了钢琴和乐队的对话,还有钢琴与其他乐器,如大提琴的对话。作曲家谭盾感慨说,这真是储望华老师呕心沥血之作。
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