01. Bach Partita No.2 BWV826 - 1. Sinfonia

这张专辑是竖琴演奏家玛丽莎·罗伯莱斯的演奏录音，收录了15首竖琴音乐小品。 在西洋乐器中最引人浪漫联想的，当属竖琴。竖琴造型典雅，音色优美。擅于演奏琶音、滑音，营造涟漪扩散、流水潺潺或微风轻拂的特殊效果，与管弦乐器配合能产生奇妙的华丽音效，独奏时也能表现丰富的音色变化，给人以纯净、脱俗的印象。 玛丽莎·罗伯莱斯（Marisa Rolbles）的演奏以技巧见长，而其女性特有的细腻，更为她的诠释增添了魅力。玛丽莎·罗伯莱斯是非常有名的竖琴演奏家，她在Decca录制了很多的竖琴音乐。 竖琴的动态范围很大，从最轻微的触碰发出的蛛丝马迹般轻微的声响到最猛烈的弹拨发出的冲击。指法不同而在同一根弦上发出不同的声音，时而轻盈通透，时而猛烈丰满，时而悠扬余韵缭绕，时而急如珠落玉盘。自然松弛之余，清晰可辨长短弦之间前后的距离。 专辑入选《刘汉盛榜单》音响二十要之“解析力”。

这张专辑是法国钢琴奇才亚当·拉罗姆与日本青年指挥家山田和树率领的东德柏林广播交响乐团合作，演奏勃拉姆斯的两部《钢琴协奏曲》。亚当·拉罗姆曾在著名的Clara Haskil国际钢琴大赛一举夺魁。 《d小调第一钢琴协奏曲》作品15，完成于1858年。起初是一首双钢琴变奏曲，之后有意改写成交响曲，最后却成为一首钢琴协奏曲。由于勃拉姆斯本人是一位优秀的钢琴家，同时又和天才女钢琴家克拉拉·舒曼相互商讨才写出这首协奏曲，所以此曲要求有相当高深的钢琴弹奏技巧。它以宏伟的构思和史诗般的概括性，反映着波涛澎湃的、憧憬式的遐想。 《降B大调第二钢琴协奏曲》作品83，作于1881年。此曲具有勃拉姆斯所独有的沉着与厚重，同时又有他明朗、温柔的另一面。1878年春，勃拉姆斯到意大利旅行，这一南欧古国的风土人情给作者留下了极为深刻的印象，由此勃拉姆斯开始构思这首乐曲。1881年三月，作者再度访问意大利，这一次彻底唤起了他的灵感，于是回国后立刻伏案疾书，当年夏天便完成了此曲。实际上，此曲中的意大利风格并不明显，但无疑是作者真实情感的流露，堪称勃拉姆斯的代表作品之一。

为了庆贺皮蕾丝70岁生日，发行了这套合辑，收录了皮蕾丝的全部独奏录音，包括巴赫、贝多芬、舒伯特的作品，以及她最擅长的莫扎特钢琴奏鸣曲、肖邦的夜曲。湖水般的清澈、诗人般的敏感，从皮蕾丝演奏的音乐里就能听出她的性格，不为名利所动，也并不积极扩充曲目。作为一个不常录音，现场演出也越来越少的艺术家，这套合辑对乐迷们而言非常珍贵。 皮蕾丝（Maria Joao Pires，1944-）葡萄牙女钢琴家。她的演奏，音色极美，又善于在节奏与分句处理上表现出细微的变化，其演奏的莫扎特、肖邦，都极具魅力。她和杜梅、王建一起，已形成室内乐的最佳搭档，其演绎的室内乐作品有一种清新的美感。 皮蕾丝在乐坛一开始就是凭着她音色优美、乐思纯净无瑕的莫扎特演奏受到瞩目。她和莫扎特的关连，或许只能以天赋来解释。因为她7岁的音乐会上就是弹奏莫扎特的钢琴协奏曲。不过这还不是她最早举行的独奏会，因为身为神童的她，5岁就开了第一场独奏会。因为她有着这样惊人的禀赋，葡萄牙政府在她9岁时就颁发青年音乐家奖章给她。而因为她杰出的天份，家人也非常注意她的音乐修养，让她在里斯本音乐院毕业后，立刻前往德国慕尼黑音乐院，投入钢琴家恩格尔的门下。恩格尔的影响对皮蕾丝肯定是很大的，因为恩格尔本人就是专精维也纳古典乐派演奏风格的莫扎特名家，他也为华纳灌录了莫扎特钢琴协奏曲和奏鸣曲全集的录音，是禀承维也纳钢琴学派的名家(恩格尔本人则是法国钢琴家科托的学生)。 皮蕾丝后来在1970年赢得布鲁赛尔为贝多芬诞生200周年纪念举行的贝多芬大赛首奖，也因此早期是以弹奏贝多芬闻名，同时在肖邦、巴赫和舒伯特（她为华纳录了许多舒伯特奏鸣曲）演奏上也相当受到好评，但后来她却因为灌录了一套莫扎特钢琴奏鸣曲全集(在欧洲也由法国华纳发行)，成绩斐然而忽然被公认为莫扎特专家，这其实是她始料所未及的。但究其原因则不难了解，身为神童的皮蕾丝，早年在作曲上的训练给了她对音乐深入的认识，使她在演奏时不追求单纯的技巧为满足，而以探索音乐性灵层面为目标。她往往能从乐曲的结构去寻找乐曲的真义与美感方向，这也是为什么她会成为伟大莫扎特诠释者的原因，因为她所演奏的莫扎特，不仅仅有官能的美，还有一种结构上的平衡美。

这张专辑是西班牙国宝级的女钢琴家拉罗查，演奏莫扎特清新自然、鬼斧神工的三部《钢琴奏鸣曲》K.330、331、545和《幻想曲》K.475、《回旋曲》K.511。从录音能感受到乐曲那如日光之七彩融于一体的，出奇的妩媚、温存和飘逸。 《日本唱片艺术》评价拉罗查“除了擅长西班牙作品外，弹奏莫扎特的钢琴曲也是她的看家本领，她弹奏的莫扎特《钢琴奏鸣曲》不愠不火，简朴中蕴含着浓厚的诗意”，因此，她被尊称为“莫扎特夫人”。 她在这张专辑中的演奏，含蓄内敛、充满诗情画意，给人以自信、简朴的感觉。其中，脍炙人口的《A大调钢琴奏鸣曲》K.331第三乐章《土耳其进行曲》演奏得更是饶富趣味。专辑的演奏、录音都是一流，获得《日本唱片艺术》的推荐。这张24位版本比老版音质更加细腻，音色更加圆润动听，动态也更加庞大。

1986年，82岁高龄的霍洛维兹在戈尔巴乔夫的邀请下，返回生养他的俄罗斯，举行了一场音乐会。不过，他只演奏了一场。不知这是他个人的决定，还是当局的决定。 这是一场游子还乡的悲情演出，不论演奏者或听众，感受的不仅是钢琴演奏艺术，还共同演出了那场戏剧人生的最后一幕。多少场景、细节、伏笔、人物、矛盾、冲突……人生所有的不得已，都在那唯一一场演出中，在每一个音符的跳跃中一一交割。霍洛维兹的音乐，不可颠覆地从渺远的高处，悲悯地俯视着将他长久拒绝于国门之外的、生养他的俄罗斯，俯视着泪流满面、百感交集的听众。 霍洛维兹，他那特有的“左手低音”，总会不由分说地从听众的心坎上卷起热望和哀思。这场音乐会，他依然弹奏他最擅长的曲目。弹起斯卡拉第，一路掉落精致的珍珠；他手下的李斯特有种神秘的味道，前所未有地燃烧着天才的热情；他的拉赫玛尼诺夫和斯克里亚宾又华丽又悲凉，雄浑的意境里暗藏侠骨柔情。他有这么多让人疯魔的特质：大刀阔斧的阳刚气、浓厚而层次分明的色彩、卷舒自如的呼吸、几乎与生俱来的浪漫情怀、意兴所至的神来之笔…… 尽管，同一级别的大师里，数霍洛维兹招致的非议最多：他技巧很好，但喜欢炫技，个人色彩太重，太随意——无论弹谁的作品，听上去都象他自己。这些评论有道理，可是，对霍洛维兹来说没什么意义——他知道自己的天赋和使命，知道该怎么去表达自己的激情——他是为这个才弹琴的。霍洛维兹的琴声里不乏直接来自人性的朴素、犷野的冲动，闻者胸中自有热血，哪经得起这般呼唤！其他演奏大师常在让我惊佩的同时，隐约听到他们倾诉成功背后的艰辛，而霍洛维兹早已用更大的劳苦抹去了劳苦的痕迹，以更辛勤的雕饰超越了表面的繁华，打磨出了一个赤子充满情爱的世界。他在恣肆的琴声里朗声宣告弹琴是最大的快乐，音乐是人生的终极目标。 这场历史性的演出被记录了下来，直到今天一直都被认为是20世纪最杰出的现场音乐录音。霍洛维兹的唱片可以有选择地慢慢听，但这张不容错过。

出生于1969年的法国女钢琴家海伦·葛莉茉，是目前乐坛上炙手可热的新生代艺人。1985年以第一名的成绩毕业于巴黎音乐院，随即进入匈牙利钢琴大师桑德与佛莱雪的大师班继续钻研。1987年首度在法国唱片大展的音乐会上亮相，1988年在巴伦波因的安排下与巴黎管弦乐团合作演出，之后便展开一连串的世界巡迴，逐渐崭露头角。葛莉茉在十五岁时录下生平第一张专辑，到1992年共录制了五张专辑，之后即被华纳集团网罗，目前则是环球力捧的钢琴家。葛莉茉的触键果断有力，纤细的音乐感受性和独特的气质与魅力，一直受到亚洲乐迷，尤其是日本乐迷的特别喜爱。这些她年少时期的录音，技巧有着超乎年龄的成熟，音乐却质朴纯真、不假雕琢，值得爱乐者细细品尝，和现在的葛莉茉作一比较。

这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》，附带李斯特的音乐会练习曲《叹息》、音乐会改编曲《弄臣》。演奏《图画展览会》这部作品不但要有磅礴的气势，而且要表现略带忧郁、充满神秘主义、错杂其间的诡橘色彩。完整地演奏这部套曲需要耗费钢琴家相当大的体力和考验演奏者的能力。辻井伸行非常成功地把许多独立的、个性的、鲜明短小的段落有机地融合在一起，同时也演奏出具有强烈感染力和鲜明色彩的旋律。 穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》在绘画和音乐相结合的作品中是一个非常典型的例子。它首先是由15段音乐组成：1段漫步，2段侏儒，3段漫步，4段古堡，5段漫步，6段杜伊勒里宫的花园，7段牛车，8段漫步，9段雏鸟的舞蹈，10段两个犹太人，11段漫步，12段里莫埃的集市，13段墓穴，14段鸡脚上的小屋，15段基辅的城门。其中有10段个性鲜明的标题音乐来描写画，有5段“漫步”主题穿插其间。在风格上这10幅画虽各有不同，但是却联结成一个有机的统一体，由一个承上启下的贯穿主题的“漫步”来贯穿其间。“漫步”主题夹杂着作曲家冥想的形象，踱步在10幅画中，同时冥想的形象情绪的不同变化，随着画面的不同而产生变化。通过变奏这个基本主题，逐渐走到《基辅的城门》中，以宏大的气势，表现出了穆索尔斯基对画家的沉痛、深切的 哀念。“漫步”是以一个套曲的引子开始，而且本身也是一个完整的乐曲，经常重复，同时在各小曲之间都以新的方式加以变奏。 李斯特《叹息》是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三。有些人根据标题译为叹息，有些人则因那似海水的波浪一般的旋律而更称为大海。这首需要两手交替演奏主旋律，并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现，华丽的奏法也是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境，不过结尾处不可思议的下行全音阶的大三度和弦，正如黑暗中发出的一声叹息。 李斯特的钢琴改编曲《弄臣》是1859年李斯特以威尔第歌剧《弄臣》中一段著名的四重唱《赞美你，爱情的女神》为材料，重新组织改编而成的一首钢琴曲。

这张专辑是美籍匈牙利指挥家弗里茨·莱纳的录音精选辑。参与演奏的乐团：芝加哥交响乐团、RCA胜利交响乐团、罗宾汉DELL管弦乐团（费城管弦乐团）、NBC交响乐团、匹兹堡交响乐团。 弗里茨·莱纳（Fritz Reiner，1888年12月19日-1963年11月15日）著名的美籍匈牙利指挥家。在莱纳一生指挥生涯中最辉煌的时期是他任职芝加哥交响乐团的10年，他培养出了宏大辉煌（尤以铜管的灿烂闻名）的“莱纳之声”。他指挥的唱片常以“爆棚”而著称；他竟然在短短的几年里就把处于低落的芝加哥交响乐团恢复了元气，莱纳与海菲兹、鲁宾斯坦、克莱本、吉列尔斯等演奏大师合作的“现场立体声”（Living Stereo）系列唱片经典之极，同时他也与托斯卡尼尼、比彻姆、斯托科夫斯基、富特文格勒以及门盖尔伯格并称为20世纪指挥大师级人物。 莱纳的指挥风格豪放雄浑，丝丝入扣，他的指挥忠于原作，结构清晰，速度精确，色彩华丽，音响光洁，音乐热情——以最小的动作来获得最大的效果，这是他的指挥理念，也是他的指挥特色；他善于演绎各种类型的作品，尤其擅长贝多芬、柴科夫斯基、巴托克、拉威尔、勃拉姆斯、瓦格纳、莫扎特和理查·施特劳斯等音乐大师的作品，更是20世纪音乐的最佳代言人；此外，他对约翰·施特劳斯的作品也有极深的认识。 对于听众来说，莱纳的指挥缺乏热情，表情漠然；但对于乐手来讲，却是令人振奋，充满了内在的活力；控制得恰到好处而且丰富的体态语言非常准确地表达了他的所有意图。试图描述这些意图和莱纳的总的演绎风格不太容易，因为总有例外。但是莱纳的演绎却展现了古典主义者的品味(他曾说过：“最好的是莫扎特，第二好的是莫扎特，第三好的还是莫扎特”)：清澈、精炼、典雅和均衡感；展现了他接受并战胜各种挑战的渴望；那如画家般格外认真敏锐地选择和混合色彩的技法；如魔术大师般善于营造气氛的手；当然，不可忽略的是一个音乐家的机敏和节奏感。

这张专辑是管风琴家奥斯登演奏亚历山大·吉尔芒的八部管风琴奏鸣曲。奥斯登采用鲁昂圣文教堂的卡瓦耶-科尔管风琴演奏。 亚历山大·吉尔芒（Alexandre Guilmant，1837年3月12日-1911年3月29日）法国作曲家、管风琴家。生于滨海布洛涅，师从其父，后又师从比利时管风琴大师勒门，成为家乡的管风琴师和教师。1871年被任命为巴黎三位一体教堂管风琴师，并任职长达30年之久，从此作为一位技巧高超的管风琴师开始其演奏生涯，曾到美国，加拿大和欧洲各地巡回演出，其中包括于1904年在美国举办了不少于40场演奏会。 1898至1914年间，吉尔芒与同事一起出版了多位法国作曲家管风琴作品集《管风琴大师曲谱》10卷，随后又出版了收录国外管风琴大师作品的《管风琴古典乐派》。尽管其中的音乐理论在当时业已被取代，这些文献依然因作品的稀有而显得珍贵。1894年和丹第等人一起创办了圣乐学校，并一直在那里任教，直至1911年在巴黎附近的家中去世。此外，他还于1896年接替维多尔担任巴黎音乐学院的管风琴教师。他的学生众多，其中最著名的是迪普雷。 吉尔芒是个多产的作曲家，几乎所有作品都是为他所钟爱的管风琴而作，他的音乐风格和弗兰克与维多尔有些接近，以气魄宏伟壮观而著称。 《8部管风琴奏鸣曲》是在三位一体教堂的卡瓦耶-科尔管风琴上构思创作的，有着交响曲式的风格和形式，与弗朗克的交响曲式管风琴作品、维多尔的管风琴交响曲齐名。 鲁昂圣文教堂，卡瓦耶-科尔管风琴（Cavaille-Coll Organ，Church of St.Ouen，Rouen）这台拥有四层手键盘的大管风琴由法国管风琴建造大师阿里斯蒂德·卡瓦耶-科尔建于1890年，被认为是法国最重要的管风琴之一，因上面装有不常见的32寸低音管而著名，曾被维多尔誉为“管风琴中的米开朗杰罗”。这件乐器从未被改动过，也是这位大师为数不多的依然保持原样的作品之一。 本·范·奥斯登（Ben van Oosten）荷兰管风琴家。奥斯登曾在阿姆斯特丹和巴黎学习管风琴和钢琴。他的管风琴录音收录了圣-桑、福兰克、维多等人的作品，收获了很多国际奖项。因为奥斯登对法国管风琴文化的贡献，法国政府授予他艺术与文学军官勋位。奥斯登在鹿特丹音乐学院担任教授，也在全世界开大师班。

这张专辑收录了埃米尔·吉列尔斯的演奏录音，包括莫扎特、贝多芬、巴赫、韦伯、德彪西、拉威尔等的钢琴作品。 这一套选辑是吉列尔斯兼具力度与内涵诠释方法的最佳见证。由布索尼改编的巴赫《D大调前奏曲与赋格》是吉列尔斯在1960年代晚期独奏会中经常选用的开场曲，本辑是1968年1月18日在列宁格勒的音乐会实况录音。从这儿可以听到吉列尔斯非常强调音色与力度，而乐曲一开始的八度音，几乎可说是再也听不到比它更宏伟、更具气魄的演奏了。不过，吉列尔斯在诠释韦伯《大奏鸣曲》(同一场独奏会的曲目)的方法就和前一首不同。他在这首乐曲展现的是细腻与内省，以浪漫的最弱音展开整首乐曲。顺带一提，从这套录音也可以听到吉列尔斯如何掌握复杂的乐曲结构，以及如何清楚的表达乐曲每一个细节与内涵。 吉列尔斯(特别是晚年)的音乐包容性很高，《法兰克福公共报》在1985年10月的讣告就以“强且雅致”的标题来形容吉列尔斯。吉列尔斯惊人的技巧就像一头弹奏钢琴的猛狮，例如：1979年在纽约演奏的柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》实况录音、1980年在柏林录下的贝多芬《英雄》主题变奏，或者是1984年在日本灌录的舒曼《交响练习曲》。不过，吉列尔斯晚年愈来愈少以这种方法来诠释作品，而是偏重在音色的平稳度与抒情的灵性，1968年与塞尔、克里夫兰管弦乐团合作的贝多芬五首钢琴协奏曲就是很好的例子；1970年代录制的格里格《抒情小品》、普罗科菲耶夫《第八钢琴奏鸣曲》、莫扎特《第二十七钢琴协奏曲》（伯姆指挥维也纳爱乐乐团）……都是这种诠释方法的代表录音。 吉列尔斯经常强调的“自然”并不是光指音乐的自发性而已。在固定的节奏之外，谨慎的思考可以为乐曲增添不同的效果，就像本套专辑的贝多芬《第四钢琴协奏曲》。他把崇高威严的气势带进这首协奏曲。吉列尔斯录过三次贝多芬钢琴协奏曲，而在1969与1979年，吉列尔斯分别以两个晚上弹奏这五首协奏曲，指挥都是沙瓦利许。尽管如此，吉利尔斯在当时流行录制“全集”的风气下却表示不同的意见，“品质”他说：“比数量更重要。”因此吉列尔斯1970年代才录完贝多芬五首钢琴协奏曲，而他并没有录完奏鸣曲全集。