01. Mozart Rondo for piano No.1 K485

这张专辑是大提琴家罗斯特洛波维奇与钢琴家布里顿合作，演奏舒伯特、舒曼、德彪西的作品。专辑中的舒伯特《阿佩乔尼奏鸣曲》被誉为此曲的最佳版本。舒伯特这部独特作品原是为六根弦的阿佩乔尼琴所作，罗斯特洛波维奇改以四根弦的大提琴演奏，技巧却丝毫不见滞涩，功力深厚。布里顿虽以作曲家闻名于世，但其钢琴演奏同样出色，体现了互为衬托的效果。两位大师的配合天衣无缝、相得益彰。

这套11CD合辑收录了德国作曲家勃拉姆斯创作的全部室内乐作品，包括钢琴三重奏、圆号三重奏、钢琴大提琴单簧管三重奏、小提琴奏鸣曲、钢琴五重奏、弦乐五重奏、单簧管五重奏、钢琴四重奏、大提琴奏鸣曲、单簧管奏鸣曲、弦乐四重奏、弦乐六重奏等。这套合辑的珍贵之处，在于集中了最优秀的演奏家阵容，可以说每部勃拉姆斯室内乐作品的版本，都是最优秀的。包括了一些最经典的名版。 勃拉姆斯的室内乐作品, 不论在数量上还是在质量上,在浪漫主义时期的作曲家中都是执牛耳的。勃拉姆斯既然有幸与巴赫、贝多芬那样一致被公认的大师并列“3B”，应该是毫无异议的大师吧? 事实却并非如此。不喜欢勃拉姆斯音乐的人绝非少数，“旋律艰涩、过于严峻、晦涩、格调阴郁”是人们批评他时最常用的词汇。同行中，把他捧上天去的固然也有，毫不留情讥讽嘲笑他的也向来不少。他的宿敌瓦格纳且不去说他，柴科夫斯基就认为勃拉姆新“没有半点才气”，英国作曲家布里顿竟然说：每次演奏完勃拉姆斯的曲子，他都觉得这音乐比他原来想象的还糟糕。对喜欢勃拉姆斯的乐迷来说，这种想法真是奇怪。

这套合辑是1961-1973年间杜普蕾录制的全部作品。其中CD1是著名的与巴比罗利及伦敦交响乐团合作的埃尔加《大提琴协奏曲》；CD2中1970年录制的德沃夏克《大提琴协奏曲》也是名版。CD4是杜普蕾留下的最后录音，1971年12月10-11日杜普蕾在没有事先安排的情况下突然来到录音棚，录制了弗兰克和肖邦的《大提琴奏鸣曲》。合辑中有些重复的曲目是不同时期的各个录音。 这套合辑是欣赏、了解杜普蕾的较全面参考资料。得益于杜普蕾不管是在音乐会上还是在录音室麦克风前均全力投入的秉性，其琴声的魅力仍然扑面而来。每次听到杜普蕾拉琴，再焦虑烦躁的心，都可以瞬间平静。像她那般用生命和身体去表达音乐灵魂的人，实在是太少了。 杜普蕾是非常特别的一位音乐家，她的琴声中，发抒出她整个人独特的气质，充满感染力和热情。杜普蕾是天才洋溢、不受到人间规则限制的音乐家，她的演奏使人无法不驻足倾听，那是一种自信、也是一种音乐最美的极致表现，也正是因为这点，让她在离世多年后，依然为世人歌颂和聆听。

理查·盖利安诺（Richard Galliano）出生于1950年12月12日，是皮亚佐拉最后一个关门弟子。这位有着意大利血统的法国人，被誉为20世纪最杰出的手风琴家，其手风琴技巧令人炫目，尤其是演奏皮亚佐拉的名曲《自由探戈》，在后世的无数版本中，这是最耀眼令人赞叹的。除了《自由探戈》，如果从未听过理查·盖利安诺演奏的音乐，推荐两首《Vuelvo al sur》和《New York Tango》，前者也是皮亚佐拉的名曲，连电子组合Gotan Project的演绎都令人印象深刻，自是不用说。后者则是盖利安诺的作品，他融入了即兴爵士的手法，豪华的乐队伴奏，是在此之前从未有过的新探戈的尝试。 理查·盖利安诺四岁起就跟随其父练习手风琴，少年时代迷恋上了爵士，尤其从小号手Clifford Brown的音乐中得到启示，并很快驱使他投入到爵士音乐这片新天地中，1970年代他移居法国后，就开始为一些著名的爵士乐手伴奏，诸如Chet Baker、Ron Carter、Michel Petrucciani、Jan Garbarek等。直到他遇见给他带来巨大影响的人：阿斯托尔·皮亚佐拉。 理查·盖利安诺曾经说过，皮亚佐拉就是他的导师，引导他掌握自己的风格，并一直鼓励他，让他充满信心，直到皮亚佐拉逝世，他们一直是伙伴关系。在与皮亚佐拉合作这段时期内，盖利安诺重拾欧洲民谣的传统，以一种全新的方式来表达他内心的探戈。虽然手风琴bandoneon琴作为一样非常本土化特殊的民间乐器，在爵士乐中绝少有成功者，且难登高雅之堂，但是盖利安诺却成功地将探戈这种小酒馆式的小调舞曲以手风琴与管弦乐队合作的手法来演绎，有时候甚至气势恢弘，带有强烈的英雄诗歌体般的气韵。

这套9CD合辑是美艺三重奏演奏的海顿全部《钢琴三重奏》作品。当这套专辑最终完成时，获得了几乎全世界的赞誉，包括留声机1979年的“年度最佳唱片奖”。美艺三重奏的演奏自始至终都是出类拔萃的、充满活力的、精致的，对丰富多样的音乐有着敏锐的反应。九张唱片中的六张超过一个小时，包含了丰富而辉煌的音乐，大部分的演奏都是非常恰当的，录音也温暖和精致，这是一套可以一辈子聆听的曲目。 这是第一个和唯一的海顿钢琴三重奏全集，被《留声机》编辑认为是有史以来100个最伟大的录音之一。获得“企鹅三星带花”、“留声机唱片大奖”等殊荣。 《企鹅激光唱片指南》：我们通常不可能称赞一套唱片是“经典”的，但这套唱片可以用这些词语来描述，因为美艺三重奏的演奏，当之无愧享有音乐界最高的荣誉……这是一套海顿爱好者都不能错过的音乐，如果你一人流落荒岛，有这套音乐陪伴足矣。 海顿的钢琴三重奏值得更多的关注。正如音乐爱好者所知，这些作品与他的交响乐和弦乐四重奏一样令人满意，而且数量众多。然而，它们并不是我们现在所理解的真正的三位一体。从本质上讲，海顿将小提琴奏鸣曲的小提琴和钢琴部分加入了大提琴部分，增强了当代钢琴的低音。这并没有以任何方式抑制音乐的质量，但它阻止了现代钢琴三重奏的发展，因为大提琴家通常想做一些更令人兴奋的事情。所有人都称赞美艺三重奏，因为他们理解，音乐品质比器乐演奏更重要。

这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏肖斯塔科维奇的三部室内乐作品。

这张专辑是霍洛维兹演奏舒曼的钢琴作品。上世纪60年代录制这张专辑的时候，正值霍洛维兹演奏的巅峰时期。他那无与伦比的高贵琴音充满着清澈和灵性，使我们欣赏到了舒曼清丽、脱俗的一面。霍洛维兹曾说舒曼是他最钟情的作曲家：“我觉得他十分的浪漫，舒曼对音乐的感受十分直接，而且他对钢琴也有十分独到的见解，他每个时期都很有创造力，永远有新的东西，永远使我心动。” 舒曼那种带点神经质与文学化的音乐气氛，已经深深根植于霍洛维兹的内心深处。他处理舒曼音乐中阴郁的一面几乎所向无敌。他指下的舒曼仿佛能让人看到来自地狱发出的幽光。 听一下大师在1962年录制的《童年情景》就足以说明一切了，他弹奏的《梦幻曲》有着深入肺腑的吟咏式的诗句，仿佛把我们带到了童年的百草园，令人流连忘返。他演奏的《克莱斯勒偶记》注定是“一览众山小”，把所有的枝蔓都剥离了，剩下的只是一颗颗孤独的音符在闪动，全曲布满了他的人生感悟，尽管孤独始终如影随形。

作为古典乐界最具天份、声望最高的年轻小提琴家之一，张莎拉演奏的小品专辑，无疑是她大部分唱片中是最有吸引力的，而且其中的曲目包罗万象，音乐内容丰富多彩，张莎拉演奏中的很多优点在这其中更加显而易见。 很多老一代小提琴演奏大师所热爱的小品，如今已渐渐被年轻一代遗忘，很多演奏家总认为这些作品分量太轻，不能显示自己的实力。殊不知，演奏这些小品无论是对自己乐感的培养还是音乐素养的提升都有着很大的帮助，有时一首小品要演绎得生动也并不比演奏一首协奏曲或奏鸣曲容易。相比之下，张莎拉对这类可口的“甜点”倒是情有独衷。 这张专辑的演奏一如既往地可爱，音乐的流露就好比专辑的标题纯朴、真诚。开场的《精灵之舞》精神抖擞，光彩绚耀，让人眼花缭乱。帕格尼尼的《如歌》、门德尔松的《乘着歌声的翅膀》、格鲁克的《旋律》等作品由她奏来音色迷人、格调高雅，音乐处理细腻，很经得起推敲。而诸如《霍拉舞曲》、《木屐舞》、《引子与塔兰泰拉》等一些“琴王”海菲兹的拿手好戏，在这位年轻的后生手中同样举重若轻，游刃有余，精彩、紧凑，天份尽显，让人不禁佩服。

这张专辑是小提琴家希拉里·哈恩演奏伊萨伊的六首无伴奏小提琴奏鸣曲。从《第一号奏鸣曲》终曲的清新乐段，以及《第五号奏鸣曲》“Danse rustique”活泼的拨奏中，我们能清晰地窥见哈恩对于伊萨伊风格镌刻在音乐基因里的认同。哈恩将《第二号奏鸣曲》里的“Malinconia”视为对她而言格外重要的乐章。“这是一个很短的乐章，但我喜欢它表达的方式，听起来很轻快，但仿佛也让时间停止了。”哈恩表示，“小提琴的声音起初很弱，你可以在这时走进自己的内心，逐渐深入。我可以在那个世界生活几周时间—— 它能抚慰和洗涤人心，让我的灵魂深处也感到舒畅。” 哈恩保证，初次聆听伊萨伊小提琴奏鸣曲的乐迷会大饱耳福，享受到绝妙的聆听体验。“这些奏鸣曲充满活力、变化无常、冲劲十足，你很难只把它们当成背景音乐。”她表示，“乐章的结构设计很有意思，瞬间就能吸引你的注意。”哈恩表示，这些音乐有“催眠的魔力——它们并非是用冥想的方式来让你平静，而是使你沉浸其中，迷失方向，让你的感觉和感官交织在一起。这些音乐情感丰沛，在空间音频的加持下，你会真切感觉到音乐就环绕在你的身边。这种感觉非常神奇，让我再次爱上了这些作品。”

新年的第一天，金色大厅洋溢着欢乐的气氛，园艺师们将这里布置成鲜花的海洋。阿根廷指挥大师丹尼尔·巴伦博依姆，继2009年、2014年后，第三次指挥维也纳新年音乐会，今年他将迎来自己的80岁生日。大家共同期待这位杰出的指挥家，与维也纳爱乐乐团一起，为全球乐迷送上无与伦比的音乐盛筵。