03. Violin Concerto Op.35 - 3. Finale

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傅聪《莫扎特·第9和12钢琴协奏曲》
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这张专辑是钢琴大师傅聪演绎莫扎特钢琴协奏曲的经典录音,收录了莫扎特两部里程碑式的作品。这张专辑中傅聪同时担任钢琴独奏与指挥,实现了钢琴与乐队的无缝对话,乐队的线条与钢琴的呼吸完全同步,这种一体感是许多常规协奏曲录音难以企及的。傅聪的演奏没有西方常见的炫技倾向,反而带有中国传统艺术中的“含蓄”与“留白”,触键细腻克制,音色通透温润,精准捕捉了莫扎特音乐中“哀而不伤、乐而不淫”的古典精神。 莫扎特《降E大调第9钢琴协奏曲“朱农”》K271 ,这是莫扎特钢琴协奏曲创作的第一个里程碑式作品,1777年创作于萨尔茨堡,是他从“神童”走向成熟作曲家的标志,也被称为“Jeunehomme(朱农)协奏曲”,以献给他的法国女钢琴家命名。傅聪以东方审美中的“留白感”,弱化了部分段落的炫技倾向,突出了作品的古典平衡与情感层次,尤其在装饰音的处理上,既保留莫扎特的优雅,又注入了细腻的个人色彩。 莫扎特《A大调第12钢琴协奏曲》K414,1782 年创作于维也纳,是莫扎特移居维也纳后创作的早期协奏曲之一,也是他献给父亲的作品,整体风格典雅抒情,被称为“莫扎特最温柔的协奏曲”。傅聪以极致克制的触键,营造出如珍珠般温润的音色,将作品的优雅与克制诠释得淋漓尽致,同时指挥波兰室内乐团呈现出通透、轻盈的织体,完美匹配莫扎特的古典美学。
凡格洛夫《柴科夫斯基、格拉祖诺夫作品》
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这张专辑是小提琴家凡格洛夫与阿巴多指挥的柏林爱乐乐团合作,演奏柴科夫斯基、格拉祖诺夫的《小提琴协奏曲》。当时年仅21岁的凡格洛夫正处于职业生涯的上升期,他的演奏既有年轻人的锐气与激情,又有着超越年龄的成熟控制,对俄罗斯音乐的理解深刻又富有个性。阿巴多的指挥克制而富有诗意,既没有过度煽情,也没有过于冷静,精准地把握了俄罗斯浪漫主义音乐的情感张力,与独奏家形成了完美的对话。柏林爱乐乐团的弦乐声部音色温暖、层次丰富,为两部协奏曲提供了坚实而细腻的交响支撑,尤其在柴科夫斯基作品的厚重织体与格拉祖诺夫作品的轻盈色彩之间切换自如。1995年的录音以动态范围大、细节丰富著称,捕捉到了柏林爱乐音乐厅的自然混响与文格洛夫小提琴的细微音色变化。 柴科夫斯基《D大调小提琴协奏曲》作品35,作于1878年。此曲是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品,它歌唱生命,表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。这部乐曲当初相当不受世人欢迎,然而历史最终证明这是一部绝无仅有的音乐杰作,在音乐舞台上久演不衰,成为许多著名小提琴家的保留曲目。这部乐曲的特色不但充分发挥了主奏小提琴绚烂的近代演奏技巧,展开了色彩丰富的管弦乐,造出了比以往的小提琴协奏曲更新鲜的韵味,而且用他含有俄国民谣的地方色彩,独特的充满哀愁的优美旋律,作成了格调新颖、独特的作品。 格拉祖诺夫《a小调小提琴协奏曲》作品82,作于1904年。此曲是他辉煌技巧性的代表作,从中可看到柴科夫斯基的影响。格拉祖诺夫以高超的专业作曲手法加以处理,全曲结构严谨、形式洗练,旋律音调接近俄罗斯民歌。
李赫特《叛逆者》
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这张专辑是苏联传奇钢琴家斯维亚托斯拉夫·李赫特的电影原声精选集,也是纪录片《李赫特:叛逆者》的配套音乐专辑,完整呈现了这位“20世纪钢琴界的谜”的艺术全貌。专辑收录了李赫特演奏的巴赫、贝多芬、舒伯特、肖邦、德彪西、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫等多位作曲家的作品,完整展现了他惊人的曲目广度与多变的诠释风格。 斯维亚托斯拉夫·特奥菲洛维奇·李赫特,1915年3月20日出生于日托米尔,钢琴演奏家。他被公认为是20世纪最伟大的钢琴大师之一,以极广的演奏范围,举重若轻的技术以及富有诗意的分句闻名,他的演奏曲目如同百科百书一样广,不管是视谱或背谱演出,都能弹出杰出且深刻的音符,令人赞赏的演奏技巧,与对各个作品深邃且独特的了解,使得他在录音或是现场音乐会上的每次演出都称得上是传奇。 李赫特喜于现场演奏,因此有着大量数不清的现场演奏记录,不论是正式或非正式,每年仍有大量的录音出土,可说是生前死后都引领风骚的一代大家。他的演奏特别之处在于,能够赋予作品全新的风貌,虽然他的演奏非常具有个人风格,但是他却也是一位很好的室内乐演出者,能够和谐地与他人甚至后辈演奏家合作演出,例如与英国作曲家布列顿合作的莫札特钢琴协奏曲以及舒伯特与莫札特双钢琴演出,与同袍小提琴家欧伊斯特拉赫、大提琴家罗斯托波维奇、小提琴家柯刚(Kogan)、后辈的小提琴家卡冈(Kagan)、中提琴家巴胥梅特、大提琴家顾德曼等,都有相当动人以及珍贵的演奏记录。 舒伯特《G大调第18号钢琴奏鸣曲》李赫特以极慢的速度和通透的音色,赋予这首作品前所未有的静谧与哲思,是他晚年代表性的舒伯特演绎。肖邦练习曲(Op.10 No.4、Op.25 No.11)李赫特的肖邦兼具技巧的凌厉与情感的克制,《冬风》(Op.25 No.11)的疾风骤雨般的演奏,尽显他的钢琴控制力。普罗科菲耶夫、拉赫玛尼诺夫作品作为苏联本土作曲家的演绎权威,李赫特的普罗科菲耶夫奏鸣曲充满冷峻的戏剧性,拉赫玛尼诺夫的作品则兼具宏大与细腻。巴赫、贝多芬晚期作品巴赫前奏曲的庄严与贝多芬晚期奏鸣曲的深邃,展现了李赫特对古典与浪漫边界的精准把握。
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辻井伸行《穆索尔斯基·图画展览会》
辻井伸行《穆索尔斯基·图画展览会》
这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》,附带李斯特的音乐会练习曲《叹息》、音乐会改编曲《弄臣》。演奏《图画展览会》这部作品不但要有磅礴的气势,而且要表现略带忧郁、充满神秘主义、错杂其间的诡橘色彩。完整地演奏这部套曲需要耗费钢琴家相当大的体力和考验演奏者的能力。辻井伸行非常成功地把许多独立的、个性的、鲜明短小的段落有机地融合在一起,同时也演奏出具有强烈感染力和鲜明色彩的旋律。 穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》在绘画和音乐相结合的作品中是一个非常典型的例子。它首先是由15段音乐组成:1段漫步,2段侏儒,3段漫步,4段古堡,5段漫步,6段杜伊勒里宫的花园,7段牛车,8段漫步,9段雏鸟的舞蹈,10段两个犹太人,11段漫步,12段里莫埃的集市,13段墓穴,14段鸡脚上的小屋,15段基辅的城门。其中有10段个性鲜明的标题音乐来描写画,有5段“漫步”主题穿插其间。在风格上这10幅画虽各有不同,但是却联结成一个有机的统一体,由一个承上启下的贯穿主题的“漫步”来贯穿其间。“漫步”主题夹杂着作曲家冥想的形象,踱步在10幅画中,同时冥想的形象情绪的不同变化,随着画面的不同而产生变化。通过变奏这个基本主题,逐渐走到《基辅的城门》中,以宏大的气势,表现出了穆索尔斯基对画家的沉痛、深切的 哀念。“漫步”是以一个套曲的引子开始,而且本身也是一个完整的乐曲,经常重复,同时在各小曲之间都以新的方式加以变奏。 李斯特《叹息》是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三。有些人根据标题译为叹息,有些人则因那似海水的波浪一般的旋律而更称为大海。这首需要两手交替演奏主旋律,并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现,华丽的奏法也是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境,不过结尾处不可思议的下行全音阶的大三度和弦,正如黑暗中发出的一声叹息。 李斯特的钢琴改编曲《弄臣》是1859年李斯特以威尔第歌剧《弄臣》中一段著名的四重唱《赞美你,爱情的女神》为材料,重新组织改编而成的一首钢琴曲。
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巴什梅特《格林卡、肖斯塔科维奇·奏鸣曲》
巴什梅特《格林卡、肖斯塔科维奇·奏鸣曲》
这张专辑是中提琴家巴什梅特与钢琴家米哈伊尔·蒙坦合作,演奏格林卡、罗斯拉维兹、肖斯塔科维奇的《中提琴奏鸣曲》。巴什梅特的演奏风格完全是以曲目为依归,将任何自我的意兴都收敛到纤微细节的末端,因而能演绎出气宇恢宏、格局端正的音乐。从这些录音中,听者能完全了解中提琴和钢琴的搭配之美,而蒙坦的伴奏也达到了尽在不言中的境界。在聆听这张专辑时,被三位作曲大师的不朽作品所感染的同时,也一定会对巴什梅特那无与伦比的演奏所惊叹、激动和折服。 巴什梅特的演奏具有出神入化般的境界,关于这一点,前苏联音乐学派波利亚托夫斯基评论道:“他把中提琴所固有的美妙音响、自如的技巧及令人信服的音乐诠释绝妙地结合在一起,真正体现出了一种完美和谐的音乐素质。”他是一位能够使听众的内心为之激动而不能自拔的演奏家。他的演奏技巧极为精湛,浑厚宏亮的发音尤为动人心魄。在一般人的眼光中,总认为中提琴的演奏较为笨拙呆板,然而巴什梅特的演奏却给人们带来了全新的印象,他的演奏既具有小提琴般的灵巧,又具有大提琴般的宽厚;而其中最重要的,则是尽现了中提琴所特有的温柔、内在的特性。 巴什梅特的这种超群的演奏特征,在专辑所收录的三首奏鸣曲中得到了充分的体现。如果人们稍加留意便会感觉到,在演奏格林卡的奏鸣曲时,巴什梅特以春风般温暖的音色和甜美的歌唱性,将作品中的青春气质和浪漫风格表现得淋漓尽致;在演奏罗斯拉维兹的奏鸣曲时,他又以大刀阔斧的姿态和艰深辉煌的技巧,赋予作品以新鲜的现代意识和丰富的抽象感;而在演奏肖斯塔科维奇的奏鸣曲时,他则以超群的功力赋予作品以丰富的音色变化和细微的情感体现,从而充分揭示了这首作品中的深刻内涵。巴什梅特是现代中提琴演奏艺术中的丰碑式人物,他所具有的天才技艺和艺术震撼力,足以使现代中提琴演奏艺术上升到与小提琴和大提琴同等的高度。
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布里姆《道兰德·鲁特琴音乐与舞曲》
布里姆《道兰德·鲁特琴音乐与舞曲》
这张专辑是古典吉他、鲁特琴演奏家朱利安·布里姆,演奏约翰·道兰德的鲁特琴音乐与舞曲。布里姆是把16世纪伊丽莎白一世时代的妙音佳作搬上现代舞台的第一功臣,英国文艺复兴时期的王牌作曲家约翰·道兰德的多情经典经由他的婆娑指尖闪耀今宵。 在布里姆时代,大部分世界顶级吉他演奏家们的右手都是塔雷加式的姿势,即,大拇指大幅度外放,其他手指相对并拢且与琴弦呈近90度角。布里姆、威廉姆斯、耶佩斯皆是如此,何况彼时的吉他皇帝安德烈·塞戈维亚有着甚于90度角的右手拨弦姿势。这种手势配合相应的指甲形状,让音色规整有力,坚而不炸、软而不塌、迅而不虚、缓而不粘,是以风靡那个时代。布里姆如法炮制,用同样的手法演奏鲁特琴。然而,他的鲁特琴是特制的,抑或说,那个时代的鲁特琴制作工艺都是以吉他的声学构思来仿制,介于文艺复兴鲁特琴与巴洛克鲁特琴之间,这样做出来的鲁特琴,有着跟吉他相似的琴弦张力和色彩变换,加上当时尼龙琴弦的普及,手指触感无二。以布里姆的手劲能让鲁特琴音色不破,足以证明那个时代的鲁特琴制作工艺是直接以吉他做参考,鲁特琴的制作更像是依葫芦画瓢。 从最广义的当代吉他发展史来说,布里姆功在千秋,“鲁特琴大家”当之无愧。沉睡几百年的鲁特琴能够在二战后的混凝土中再生萌芽,在新思潮的烟云间浊浪清霞,很大程度上拜他所赐。
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20世纪伟大钢琴家《安德烈·普列文》
20世纪伟大钢琴家《安德烈·普列文》
这张专辑收录了安德烈·普列文的演奏录音,包括莫扎特、普朗克、肖斯塔科维奇、格什温的钢琴作品。其中普列文与维也纳爱乐乐团合作的莫扎特《第十七钢琴协奏曲》。这部协奏曲是莫扎特1784年作品,和《第十四钢琴协奏曲》都是为维也维钢琴家芭芭拉·普洛伊尔而写。本套专辑收录的另一部协奏曲风格与莫扎特完全不同。这是俄国作曲家肖斯塔科维奇在1933年完成的《第一钢琴协奏曲》。在肖斯塔科维奇这部协奏曲的终乐章里,小号与钢琴几乎扮演同等重要的地位,就像肖斯塔科维奇向俄罗斯传统协奏曲创作模式的挑战。在伯恩斯坦与纽约爱乐乐团的协奏下,普列文把这部协奏曲弹得极其光彩耀眼。另外两部协奏曲分别是格什温《F大调协奏曲》以及《蓝色狂想曲》,由普列文独奏并指挥匹兹堡交响乐团。《F大调协奏曲》是在《蓝色狂想曲》大获成功后,由指挥家达姆罗希指挥首演。多年来,以演奏传统严肃乐曲为主的钢琴家虽然个个技巧高超,但是都无法掌握到这两部协奏曲的精髓,因为他们不了解爵士乐。这对普列文来说当然不是问题,因为他能够完全的掌握《F大调协奏曲》与《蓝色狂想曲》里的爵士成分。 普列文也经常演奏普朗克的作品。普朗克和格什温都是非常优秀的钢琴家,但是普朗克不只写作器乐曲,他也创作管弦乐曲。虽然钢琴老师维纳一直鼓励他朝作曲发展,普朗克的作曲技巧几乎可以说是无师自通。《田园曲》、《触技曲》与《赞美诗》这三首小品看来简单,事实上却非常不容易演奏。其中如烈火般《触技曲》是最常演出的一首。即使音符如同地震般的涌出,音乐中仍不乏诗意的《急板》是霍洛维兹最喜欢的安可曲,也是普朗克在1934年题献给霍洛维兹的作品。
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