罗比·拉卡托斯《时光流逝》

罗比·拉卡托斯《时光流逝》

这是罗比·拉卡托斯与他的合奏组发行的第三张专辑。名为《As Time Goes By》,实际上是专辑中第三曲的曲名,来自电影《卡萨布兰卡》,他下垂的啤酒肚与肥胖的脸并不是那么吸引人。如非识宝,一般人绝对不会从CD货架上将它抽出。听其它乐曲,也是出自著名影片或音乐剧等。如《教父》、《屋顶上的小提琴手》、《美国往事》、《第三个男人》、《两人同路》等。演绎手法自然是潇洒自如,甚至放诞不羁。 他们演奏人们最熟悉的《教父》中的“爱情主题”,完全不按牌理出牌,可仍有无法抗拒的魅力。最有意思的是,初听我还以为,碟中最不“出格”的乐曲可能是那首出自《库班的哥萨克人》中的《红莓花儿开》。开始的钢琴、小提琴那样柔情密意,旋律与和声搓揉出的俄罗斯味十分浓烈。但后来,小号和弹拨乐立即将乐曲爵士化,可见积习难改。值得一提的是,专辑的最后一首《Spirited Away - The Name of Life》,取材自宫崎骏的动画作品《千与千寻》。这支乐队表演时的“神态”也是别具一格,异常投入。 灵活与即兴性是拉卡托斯演奏最大的特点。比如他在此碟中演奏的根据电影《卡萨布兰卡》和《教父》等电影主题曲的改编曲,听起来就和以前听到的许多常规版本完全不同,轻盈时带着质朴和自由的乡土气息,忧伤时则将吉普赛人颠沛流离的感伤表现无疑,一派小酒馆中的苦艾味道。在技巧方面,拉卡托斯的演奏更是令人瞠目,在俄罗斯民谣改编曲《黑眼睛》中,他使出了浑身的解数,以独奏小提琴来摹拟吉他的弹奏与乐队中的吉他相呼应。为了制造出吉他拨、轮、弹、挑的发声效果,拉卡托斯左右开弓。更有甚者,当他左手在进行着快速的、难度极高的拨弦时,右手又在用食指和中指摹拟吉他做出轻巧的轮指弹奏。很难令人相信这奇妙的声响竟然是从小提琴这一件乐器上奏出的。
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德卢西亚、梅奥拉、麦克劳克林《吉他三重奏
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这张专辑是世界三大吉他天皇(帕科·德卢西亚、阿尔·迪·梅奥拉、约翰·麦克劳克林)合作的演奏录音,是他们的第三次合作,无论是合奏或独奏,无论从音乐内容还是音响效果来说,都是无与伦比的天籁之音。专辑录音中巨星相撞、火花四溅、激情丛生,浓浓的音乐味和发烧的音效令人经历了难得的心灵震荡。聆听音乐时不禁想起白居易《琵琶行》中的诗句:嘈嘈切切错杂弹,大珠小珠落玉盘。Real World工作室的录音,尼龙吉他的琴体共鸣、手指触弦细节、泛音都捕捉非常清晰,被很多音响发烧友作为原声吉他试音碟。 与1980年代两张相比,1996年的这张专辑褪去年轻时狂飙炫技,演奏更内敛成熟,音色温暖通透,录音品质极高,是HiFi 发烧友知名试音碟。整张专辑没有任何外部伴奏,全部依靠三把尼龙弦吉他的交织对话,有三重奏,也有两两二重奏曲目。三位大师各自特质,帕科·德卢西亚的弗拉门戈律动、轮指、西班牙乡土色彩;阿尔·迪·梅奥拉有华丽旋律、精致和声、拉丁、地中海色彩;约翰·麦克劳克林那印度音乐、爵士和声、深邃的即兴思维。 佛拉门戈吉他大师帕科·德卢西亚用一把Hermanos Conde吉他,弹奏出来的音色丰满,低音非常有力;阿尔·迪·梅奥拉用一把Ovantion吉他奏出清脆响亮的高音,在合奏中往往使用电子合成器和手拍打吉他来掌控节奏,约翰·麦克劳克林参与了包括《Bitches Brew》在内共五张迈尔斯·戴维斯唱片的演出,为乐队加入了英国摇滚乐的风格。三星相聚交织出的音乐火花我们乐迷又岂容错过? 这张专辑的录音效果令人雀跃。在充分感受出色音效的同时,敞开心扉,能更多的感受音乐的韵味和乐手合作的默契与激情。这确实是一张音乐爱好者不容错过的经典唱片。
泰玛·休斯顿《我心中的音乐》
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这张专辑是黑人蓝调歌后泰玛·休斯顿与十八人大阵容的“压力锅乐团”演出的录音,是喇叭花最成功的唱片之一。专辑发行后立即销售一空,长期供不应求。专辑融合灵魂乐Soul、Funk爵士放克、雷鬼Reggae、R&B,人声曲目与器乐曲目交替编排,既有充满力量的主唱,也有铜管大乐队精彩的器乐段落,热烈奔放、现场感极强。 这是非常具有个性的一张女声流行录音,女声强而有力、音域宽广,对系统都是严酷考验。 专辑中的演唱充满人性光辉,人声空间感辽阔、热情奔放。而精准的钢琴触键,以及冲击力强烈的低音旋律线,都形成绝佳的对比。泰玛·休斯顿充满真情的歌声,在乐团与合唱的陪衬下,散发出纤细感性的动态,真是令人难以忘怀。 整张专辑采用喇叭花标志性的Direct-to-Disc直接刻片技术,乐队与人声全部现场同期录音,录音信号直接刻到母盘,没有多轨录音、没有后期剪辑、没有叠加重录,一次完整录完一面,一旦出错整面作废,对乐手、歌手要求极高,是1970年代发烧录音的巅峰代表。录音在两天内完成,压力锅乐团并不是固定乐团,是临时集结的18位好莱坞顶级录音室乐手,包括Michael Omartian、Mike Melvoin等顶尖编曲键盘手,阵容豪华。歌手泰玛·休斯顿当时隶属于摩城唱片,借调过来完成这张录音,她浑厚爆发力十足的灵魂女声是专辑灵魂。 直刻录音带来极强现场感、宽阔声场,乐器定位清晰,动态范围巨大。泰玛·休斯顿的人声从低声区到高亢呐喊跨度极大,非常考验音响系统的解析力与承受功率,是很多发烧友用来测试音箱的标杆唱片。原版黑胶当年发行就迅速售罄,后来多次复刻;Sheffield的录音捕捉现场合奏的协同感,定制电子线路,获奖级工程录制。
塞尔维亚·卓斯蒂《发烧演唱辑》
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这张专辑是爵士歌手塞尔维亚·卓斯蒂的演唱录音,是欧洲爵士发烧名盘,直刻录音版本在黑胶收藏圈很受追捧。模拟信号直接刻录母盘,减少转录损耗,动态大、透明度高,人声质感、乐器空间感非常出色,这也是此专辑作为发烧碟的主要原因。录音细节非常丰富,假如你用德国器材播放,同时还会纠正“德国器材偏冷偏硬”的另一个偏见。 塞尔维亚·卓斯蒂(Silvia Droste)1960年生于德国黑尔讷,被称为德国爵士歌唱第一夫人,同时也是萨克斯演奏者。早期接触传统爵士,之后转向现代爵士,嗓音温暖饱满,咬字松弛自然,擅长演绎经典爵士标准曲,对老歌的改编富有个人色彩,在欧洲爵士乐坛拥有很高声望。 专辑中塞尔维亚·卓斯蒂以她的感性歌声唱出多首名曲。从第一首《My One and Only Love》中,乐迷已深深体会到那种发自内心的感性演绎,在昔士风完美地配合人声的质感下,营造出丰富的结像力;加上Jeton的精彩混音技术,录音的空气感强烈,制造出一张极品女声爵士天碟,多本发烧杂志及乐评人高度评价,不可错过。 女歌手塞尔维亚·卓斯蒂在LP唱片时代可谓风光八面,那时候现在当道的发烧女声们还不知在哪晃悠,塞尔维亚·卓斯蒂的《发烧演唱》LP已经是最受推崇的试音大碟,她的声线中气十足,腔调自然流畅,演唱起带复杂念歌(Scat)技巧的爵士标准曲简直迷死人。 整张专辑以人声爵士为主,编曲偏现代冷爵士,乐队编制精致,没有过度炫技,重点突出人声表现力。塞尔维亚·卓斯蒂的嗓音厚实通透,中频饱满,气息控制优秀,录音完整捕捉人声细节,气声、转音都清晰可辨。乐器与人声分离度极佳,空间感开阔,动态范围大,既能用来测试音响人声表现,也适合安静聆听爵士老歌。选曲横跨经典大乐队时代标准曲、现代爵士、电影配乐改编,兼顾抒情慢歌与轻快摇摆曲目,风格丰富。整张专辑快慢搭配均衡:慢抒情曲目占大部分,中间穿插摇摆、致敬曲目,结尾用现代作品收束。直刻录音优势在慢歌中尤其突出,人声中频饱满,气口、唇齿细节真实,乐器与人声分离度优秀,没有过度修饰美化,是非常“真实”的爵士人声录音。
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20世纪伟大钢琴家《霍洛维兹(2)》
20世纪伟大钢琴家《霍洛维兹(2)》
这张专辑收录了弗拉基米尔·霍洛维兹的演奏录音,包括李斯特、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫、斯克里亚宾、肖邦的钢琴独奏作品。 李斯特的作品从1930年到1989年一直在霍洛维兹的曲目中占有重要地位,《维也纳之夜-舒伯特的维也纳随想曲》(1989年录音版本)狡黠的表现就像位音乐魔术师。霍洛维兹在李斯特十九首《匈牙利狂想曲》中录制了第二、六、十五(拉科西进行曲)与十九号,其中二、六号收录在本套专辑里;1950年代录了三册《巡礼之年》中的与。这两首《匈牙利狂想曲》是霍洛维兹诠释李斯特的另一种面貌。在著名的《第二号匈牙利狂想曲》中,霍洛维兹表现的是乐曲的和声与华丽的气氛。《在泉水边》是一首戏剧性强烈的作品,霍洛维兹以高雅的琴音及几乎所有钢琴唱片中都听不到的能量动态让听众为之心醉。 这张专辑,重点放在与他年青时期最贴近,同时也是最靠近他灵魂深处的斯拉夫音乐。接下来的普罗科菲耶夫《第七钢琴奏鸣曲》与斯克里亚宾《第五钢琴奏鸣曲》是乐谱才刚出版的时候,霍洛维兹就非常喜欢弹奏作品。霍洛维兹时常一次又一次的演奏肖邦《波兰舞曲-幻想曲》,这是一首既柔软又高雅细致的作品,霍洛维兹在处理舞蹈节奏的时候也能顾及乐曲的力度与无畏的精神。《波兰舞曲》是1982年5月的录音,生命力旺盛的《f小调幻想曲》录音时间则比《波兰舞曲》早了三十四年(1948年)。普罗科菲耶夫《第七钢琴奏鸣曲》(1945年录音版本)中精巧的诠释以及令人震慑的狂热尾声几乎可以用“伟大”两个字来形容;斯克里亚宾极度火爆但是又过于零碎的《第五钢琴奏鸣曲》则是霍洛维兹在1976年2月音乐会的现场实况录音。
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杜卡斯《仙女、C大调交响曲、魔法师的弟子
杜卡斯《仙女、C大调交响曲、魔法师的弟子
这张专辑是法国指挥巨匠让·富尔奈与荷兰广播爱乐乐团合作,演奏保罗·杜卡斯芭蕾舞剧(管弦乐组曲)《仙女》、《C大调交响曲》、交响诗《魔法师的弟子》。 保罗·杜卡斯(Paul Dukas,1865年10月1日-1935年5月17日)法国作曲家、教育家和音乐评论家,以大胆的革新精神和对新的音乐美学原则、技法的不倦的探索著称。冼星海、梅西安与罗德里戈都曾经师从于杜卡斯。 交响谐谑曲《魔法师的弟子》作于1897年。这是一部以歌德的叙事诗为题材的管弦乐曲,音乐的描绘与标题很贴切,结构严整、配器复杂,在结构清晰、逻辑严密的古典传统规范中,完美地结合进幽默奇特的节奏、光彩夺目的配器和狂热紧张的动力,成为配器法的楷模之一,至今仍是各国管弦乐团喜爱演奏的节目,对后来的斯特拉文斯基和德彪西产生了影响。 《C大调交响曲》作于1896年,是杜卡斯离开音乐院后之作,三乐章虽是遵循古典形式,但其管弦乐法却让这位作曲家展现出耀眼光芒,首演时即受到巴黎人至高的评价。 《仙女》作于1911年,是根据波斯神话而来。年轻的伊斯肯德在偷得不朽的莲花时,却爱上了看管莲花的仙女,最后仙女幻化成夕阳的金色光芒消失;青年不仅失去心爱的女孩、莲花,也认识到自己的末日不远。
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20世纪伟大钢琴家《乔治·博列特》
20世纪伟大钢琴家《乔治·博列特》
这张专辑收录了乔治·博列特的演奏录音,包括肖邦、约翰·施特劳斯、李斯特、拉赫玛尼诺夫等的作品。 乔治·博列特(Jorge Bolet,1914-1990)美藉古巴钢琴家,生于哈瓦那。7岁开始向他的姐姐学习钢琴,12岁与哈瓦那交响乐团首度公开演奏莫扎特《d小调钢琴协奏曲》,1927到1934年在美国寇帝斯音乐院向戴维·沙伯顿学琴。后来到欧洲旅行,在维也纳、伦敦、马德里、柏林与巴黎等地举行独奏会,1936年回到柯蒂斯音乐学院担任塞尔金的助教。后来辞掉教职转往外交事业发展(1942到1945年曾担任古巴驻华盛顿文化大使,1946年也曾在东京指挥吉尔伯特与苏利文的《如此天皇》日本首演),后来重新踏上音乐会与录音的活动,尤其致力于浪漫乐派的作品,他演奏李斯特时“拥有霍洛维兹般的触键与列文涅的音色”,最著名的就是他华丽的唱片录音。博列特的艺术唤醒了今日的伟大艺术美学,一种就像他说的,不是拘泥于乐谱的音符,而是借着心灵感受的艺术。 怀着一股毫不妥协的浪漫性,博列特花了很多心力在改编作品身上,施特劳斯/陶西格、施特劳斯/舒尔兹-艾弗勒、瓦格纳/李斯特等改编作品,是他的节目单里的常客“演奏巴赫/布梭尼的《夏康舞曲》时,他以远远超过人性的劲道开头,没有渗入自私的花俏与短视的自我风格,即使在其间出现类似伸缩喇叭声响的新颖效果,为了表达多样化的情绪与架构,基本上他的变化还是在整体的秩序中游走,最后则是将第一主题弹奏出宽大广阔的美感,建立压倒以往的宽度与征服感。按着是肖邦的《24首前奏曲》,每首之间有着狂想式的情绪变化,与随之释放浪漫精神所再创造的速度步调,听听这些博列特同步演奏的双手如何诉说出最充满活力的雄辩性格,而不是伪造出来的效果(尤其是第二、四、六与十三首)。有多少钢琴家真正能将《降D大调雨滴前奏曲》轻松惬意而充满音色细微差别之美地“唱”出来?在第八首(拉赫玛尼诺夫式旋绕与灿烂的乐曲)、第十、十四、十六号,这二十四首当中的大部分,博列特都能如此细腻地注意架构、平衡与和谐。在这里博列特以报复狂怒般的气势挥洒出大师的骚动,而且增加低音的份量与肖邦“激烈的快板”里无拘束的快意,让听众提早忘情地鼓掌。
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勃拉姆斯·双重协奏曲、舒曼·大提琴协奏曲
勃拉姆斯·双重协奏曲、舒曼·大提琴协奏曲
这张专辑收录了两部作品:1、大提琴家玛丽亚·柯丽洁与康斯坦丁指挥的爱尔兰国家交响乐团合作,演奏舒曼《大提琴协奏曲》;2、大提琴家玛丽亚·柯丽洁、小提琴家伊利亚·卡勒与康斯坦丁指挥的爱尔兰国家交响乐团合作,演奏勃拉姆斯《双重协奏曲》。 大提琴家玛丽亚·柯丽洁,先后师从斯塔克、罗斯特洛波维奇两位大提琴巨擘,却没有盲从盲信,时刻提醒自己不要与平庸为伍,这是她多年来恪守的信条。斯塔克教会了玛丽亚艺术的规范,而罗斯特洛波维奇则教会她如何打破规范,形成自己的理解和风格。她曾经扬言:“大部分当代大提琴家的演奏中没有灵魂,观众除了厌倦什么也得不到,连让人生气都不可能。如果一首乐曲的灵魂模糊不清我就拒绝演奏,不管它要表达什么高深的概念或者哲学。”玛丽亚·柯丽洁常有惊世骇俗之言,她曾经说过:“在这个被电脑和机器统治的时代,只有爱乐者才能拯救世界。” 舒曼《a小调大提琴协奏曲》作品129,作于1850年。当时舒曼就任杜塞道夫市音乐总监,精神也较为安定。舒曼对大提琴的音色甚感魅力,写出这首全曲充满浪漫的忧愁气氛的协奏曲。当时大提琴协奏曲并不很通俗,因此这首作品好像在舒曼生前不曾上演过。此曲有时与德沃夏克、海顿的大提琴协奏曲并称“3大大提琴协奏曲”,但在舞台上演奏的机会不很多。不过还是不失为大提琴的重要曲目。 勃拉姆斯《a小调双重协奏曲》作品102,作于1887年。由于它出色的创作和悦耳的旋律,成为了最著名的双重协奏曲之一。这是勃拉姆斯所创作的最后一部大部头的管弦乐作品,可以说是管弦乐创作最成熟阶段的作品。勃拉姆斯在这部作品中,充分展示了他的风格,那就是在浪漫主义的内容之中,求诸贝多芬等先贤,显现出典雅、深刻的古典主义气质。整部作品旋律优美,情绪跌宕起伏。
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