这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏肖斯塔科维奇的两部室内乐作品。
《A大调第二弦乐四重奏》作品68，作于1944年。全曲气势恢宏博大，与《第一弦乐四重奏》那种轻巧诙谐且略带嘲讽式的风格完全不同。日本音乐学家井上赖丰就曾对这两部作品风格上的巨大差异进行过十分精到的比喻：“如果说第一号是水彩画，那么第二号就可以说是在交响形式的画布上强力描绘的油画巨作了”。“淡雅”与“浓重”正是这两部作品最大的不同。这种不同同时在音响层面与意义层面存在。可以这样说，作为一名典型的交响音乐作曲家， 肖斯塔科维奇在《第二弦乐四重奏》的创作完成之后， 终于找到了自己的四重奏体裁的创作风格，一种以浓重交响曲音响为核心的室内乐写法，即在室内乐写作过程中糅入交响性的风格特色。这是肖斯塔科维奇之后四重奏创作的重要特色之一。
《降D大调第十二弦乐四重奏》作品133，作于1968年。此曲标志着他创作的新开端。由于使用了十二音技巧，进而旋律与和声的写作亦更趋自由。但此曲的处理与真正的无调性尚不可相提并论。
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小喵陪你听古典
聆听美妙旋律、感受艺术真谛
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这张专辑是作曲家史志有创作的中国音画，取材于故宫博物院典藏的传世国宝《清明上河图》。此曲是以胡琴为主奏的协奏组曲，海内外享有“胡琴皇后”美誉的演奏家宋飞演奏了二胡、坠胡、高胡、中胡、板胡、二弦、京胡、低音胡等.多种民族乐器，交相辉映，形成鲜明的风格对比。描述着汴城两岸的劳动人民生活的百态写意。
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这张专辑是世界三大吉他天皇（帕科·德卢西亚、阿尔·迪·梅奥拉、约翰·麦克劳克林）合作的演奏录音，是他们的第三次合作，无论是合奏或独奏，无论从音乐内容还是音响效果来说，都是无与伦比的天籁之音。专辑录音中巨星相撞、火花四溅、激情丛生，浓浓的音乐味和发烧的音效令人经历了难得的心灵震荡。聆听音乐时不禁想起白居易《琵琶行》中的诗句：嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘。Real World工作室的录音，尼龙吉他的琴体共鸣、手指触弦细节、泛音都捕捉非常清晰，被很多音响发烧友作为原声吉他试音碟。
与1980年代两张相比，1996年的这张专辑褪去年轻时狂飙炫技，演奏更内敛成熟，音色温暖通透，录音品质极高，是HiFi 发烧友知名试音碟。整张专辑没有任何外部伴奏，全部依靠三把尼龙弦吉他的交织对话，有三重奏，也有两两二重奏曲目。三位大师各自特质，帕科·德卢西亚的弗拉门戈律动、轮指、西班牙乡土色彩；阿尔·迪·梅奥拉有华丽旋律、精致和声、拉丁、地中海色彩；约翰·麦克劳克林那印度音乐、爵士和声、深邃的即兴思维。
佛拉门戈吉他大师帕科·德卢西亚用一把Hermanos Conde吉他，弹奏出来的音色丰满，低音非常有力；阿尔·迪·梅奥拉用一把Ovantion吉他奏出清脆响亮的高音，在合奏中往往使用电子合成器和手拍打吉他来掌控节奏，约翰·麦克劳克林参与了包括《Bitches Brew》在内共五张迈尔斯·戴维斯唱片的演出，为乐队加入了英国摇滚乐的风格。三星相聚交织出的音乐火花我们乐迷又岂容错过？
这张专辑的录音效果令人雀跃。在充分感受出色音效的同时，敞开心扉，能更多的感受音乐的韵味和乐手合作的默契与激情。这确实是一张音乐爱好者不容错过的经典唱片。
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这张专辑是黑人蓝调歌后泰玛·休斯顿与十八人大阵容的“压力锅乐团”演出的录音，是喇叭花最成功的唱片之一。专辑发行后立即销售一空，长期供不应求。专辑融合灵魂乐Soul、Funk爵士放克、雷鬼Reggae、R&B，人声曲目与器乐曲目交替编排，既有充满力量的主唱，也有铜管大乐队精彩的器乐段落，热烈奔放、现场感极强。
这是非常具有个性的一张女声流行录音，女声强而有力、音域宽广，对系统都是严酷考验。 专辑中的演唱充满人性光辉，人声空间感辽阔、热情奔放。而精准的钢琴触键，以及冲击力强烈的低音旋律线，都形成绝佳的对比。泰玛·休斯顿充满真情的歌声，在乐团与合唱的陪衬下，散发出纤细感性的动态，真是令人难以忘怀。
整张专辑采用喇叭花标志性的Direct-to-Disc直接刻片技术，乐队与人声全部现场同期录音，录音信号直接刻到母盘，没有多轨录音、没有后期剪辑、没有叠加重录，一次完整录完一面，一旦出错整面作废，对乐手、歌手要求极高，是1970年代发烧录音的巅峰代表。录音在两天内完成，压力锅乐团并不是固定乐团，是临时集结的18位好莱坞顶级录音室乐手，包括Michael Omartian、Mike Melvoin等顶尖编曲键盘手，阵容豪华。歌手泰玛·休斯顿当时隶属于摩城唱片，借调过来完成这张录音，她浑厚爆发力十足的灵魂女声是专辑灵魂。
直刻录音带来极强现场感、宽阔声场，乐器定位清晰，动态范围巨大。泰玛·休斯顿的人声从低声区到高亢呐喊跨度极大，非常考验音响系统的解析力与承受功率，是很多发烧友用来测试音箱的标杆唱片。原版黑胶当年发行就迅速售罄，后来多次复刻；Sheffield的录音捕捉现场合奏的协同感，定制电子线路，获奖级工程录制。
大家都在听
麦克·慕瑞《巴赫·管风琴作品》
这张专辑是美国首屈一指的管风琴大师麦克·慕瑞在梅休因纪念音乐厅，演奏巴赫的管风琴作品。
在波士顿北部的小城市梅休因，有一座1909年建造的“梅休因纪念音乐厅”，安放着曾经风靡一时的德国瓦尔克公司打造的一架管风琴。这组庞然大物，有6088根音管及84支音栓，既是美国第一台专业演奏级管风琴，也是当时全美最大的管风琴。
在录音中，梅休因纪念音乐厅的丰富堂音晶莹剔透、温润醇厚；管风琴的澎湃低频，好似汹涌的海潮，一阵阵席卷而来，让听者连连赞叹，直呼过瘾。
在巴赫时代，使用“幻想曲”一词，是指想象的自由飞翔，在这样的一首作品里，作曲家将幻想曲与赋格曲结合在一起，在最自由的形式和最严格的形式之间，激起戏剧性的对比。最初，幻想曲是和管风琴与羽管键琴这两种在音乐史上起了非常重要作用的即兴演奏艺术联系在一起的，因此，巴赫的幻想曲，能使我们获得到一些巴罗克时期有关即兴演奏风格的感受，巴赫在世时，就曾以他所特有的即兴风格使所有的听众感到惊奇，这种风格中含有奇异，突然的情绪变化，意味深长的抒情，令人眼花缭乱的演奏技巧和丰富的，真正巴罗克式的创造。巴赫本人就是一位出色的演奏大师，对探索键盘上的所有技巧很有兴趣，而作为一个伟大的艺术家，他在运用这些技巧时，仅仅把它们当作表现思想和情感的手段。
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5期
齐默尔曼《肖邦·叙事曲、幻想曲、船歌》
这张专辑是钢琴家齐默尔曼演奏肖邦四首《叙事曲》、《幻想曲》、《船歌》。他的演奏，正好与肖邦《叙事曲》的“高贵”契合得滴水不漏，就是这个录音最精妙之处。
这张肖邦《叙事曲》专辑，刚发行的时候风评并不是最优秀的，企鹅评定为三星，当时的三星带花版本，是佩莱希亚的版本。然而经过那么多年，齐默尔曼这个版本的影响力越来越大，不得不说这是经得起时代考验的版本。而这一切不得不说是受影视作品影响，有点儿歪打正着。
在肖邦众多的钢琴作品中，《叙事曲》从来就不是影响力最大的，从youtube的点击率也可以看出，叙事曲不过是肖邦比较小众的作品。其根本原因在于，肖邦《叙事曲》被公认为肖邦最具爱国精神的作品，若非设身处地，无法理解和感受其情怀。单单是弹出肖邦的音符，甚至肖邦标示的“表情记号”是远远不够的。你是真的了解波兰的骄傲吗？你真的能够理解波兰在世界民族之林的不可或缺和美丽吗？你如果不理解，你就不会理解肖邦《叙事曲》。更何况肖邦《叙事曲》有着波兰文化的深厚印记，如果不对波兰的民族语言有所了解，很难得其精髓。
齐默尔曼丰富的感情，是通过沉着平静的、循序渐进的形式来表达。很多人都说他的琴声感情丰富，但是感情丰富是必须建立在内心端正、姿态优雅的基础上，不然非常容易流于泛滥，令人不明所以。齐默尔曼对肖邦作品的公开演奏，各个时期也是有所不同。从他演奏会的曲目表可见，肖邦四首《叙事曲》作品，都集中在1980-90年代演奏，此后他就很少将叙事曲放到自己的演奏会曲目中。
肖邦在他的一生中共写过四首《叙事曲》，大约完成于1831年至1842年之间。这四首《叙事曲》均可列为肖邦的杰作。肖邦在这四首作品中创造了一种非常自由的新形式与新内容，超越了传统叙事曲那种较为固定的曲式。肖邦自己表示，这四首《叙事曲》的内容来源于同乡诗人密契维兹的诗。
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6期
奥伊斯特拉赫父子《莫扎特、布鲁赫作品》
这张专辑是是大卫·奥伊斯特拉赫与儿子伊戈尔·奥伊斯特拉赫合作，演奏莫扎特《交响协奏曲》、《小提琴与中提琴二重奏》。由康德拉辛指挥莫斯科爱乐乐团担任协奏；大卫·奥伊斯特拉赫与雅沙·霍伦斯坦指挥的伦敦交响乐团合作，演奏布鲁赫《苏格兰幻想曲》；与保罗·欣德米特指挥的伦敦交响乐团合作，演奏欣德米特《小提琴协奏曲》。这张著名古典发烧天碟的母带，采用最新的96kHz、24位超级数码转换。声音比老版本更加细腻、温暖，更接近模拟LP的播放效果。
很少有人可以在听见大卫·奥伊斯特拉赫的小提琴演奏之后而不动容。作品K364的创作背景相当感人，莫扎特在1779年，遭逢恋情不顺的挫败与母亲辞世两大人生变故后，内心的转变已从少不更事的少年，转为大人般的成熟。在第二乐章中，莫扎特以小提琴象征自己、中提琴象征父亲，展开一段犹如父子间的音乐对话。莫扎特的音乐大部分都是令人轻松愉悦浪漫的，但这张作品反映了他悲伤和失去心爱的人。小提琴巨匠大卫·奥伊斯特拉赫与儿子伊戈尔·奥伊斯特拉赫之间的音乐对话，更是将哀伤的小提琴独白与父亲中提琴的安慰，诠释的令人动容。
录音中小提琴的细腻琴音柔密而丝丝入扣，而中提琴的温润光泽音色更是让两种情绪之间的调性演绎得出色异常。著名指挥家康德拉辛棒下的莫斯科爱乐乐团，整体共鸣比例正确，没有丝毫不足的默契，弦乐器录得既真实又饱满，堪称弦乐器的绝佳示范片。
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13期
哈恰图良芭蕾舞剧全本《加雅涅》
这套专辑是杨颂格·卡奇泽指挥苏联广播电视交响乐团，演奏哈恰图良的芭蕾舞剧全本《加雅涅》（1957年版）。
阿拉姆·伊利奇·哈恰图良 (Aram Ilyich Khachaturian，1903-1978），出生于格鲁吉亚第比利斯，前苏联作曲家、指挥家。他的创作汲取了故乡亚美尼亚的民间营养以及高加索地区的多民族传统音乐精华，音乐语言具有鲜明的民族色彩，富有浓郁的亚美尼亚情调，因而在二十世纪苏联乐坛独树一帜。另外，哈恰图良还受法国印象主义的影响，他的作品以热情、乐观、富于色彩、旋律丰富和高度的技巧性见长。
人们非常熟悉的那首热烈、狂放的《马刀舞曲》，便选自《加雅涅》。由于在很多年里欧洲音乐爱好者对哈恰图良的了解几乎仅限于此曲，很多人称他为“马刀舞曲先生”。
芭蕾舞剧《加雅涅》是1939年哈恰图良根据米高扬的建议，为亚美尼亚艺术节而创作的，原名为《幸福》。1942年，哈恰图良把剧情改写成描写在亚美尼亚边境集体农庄工作的年轻姑娘加雅涅的故事发表。同年12月9日此剧由苏联著名的舞蹈家阿妮西莫娃（Nina Anisimova）主演、由列宁格勒基洛夫模范歌舞剧院于彼尔姆首演。作曲家哈恰图良也因该剧的公演而获得当年的斯大林奖。
《加雅涅》这部舞剧的灵魂与活力集中体现在哈恰图良的音乐中。音乐最突出的一点是鲜明的民族特征，贯穿在全部作品中的民族民间音乐的音调、旋律、节奏，比哈恰图良以往的音乐作品更直接、更丰富、更生动。《加雅涅》舞剧音乐是民族音乐大聚会，令人耳目一新。其中库尔德人、格鲁吉亚人、乌克兰人、俄罗斯人等不同民族的民间歌舞，获得了广泛的展现，丰富的民族民间音乐的源流荟萃，使舞剧的音乐色彩绚丽浓烈，充满了活力。哈恰图良运用了七首亚美尼亚的民歌、两首俄罗斯舞曲、一首乌克兰的戈帕克以及一首格鲁吉亚舞曲作为素材进行创作。
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51期
鲍罗丁四重奏《施尼特凯室内乐作品》
这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏施尼特凯的三部室内乐作品。
施尼特凯《第三弦乐四重奏》作于1983年。此曲将来自拉索、贝多芬和肖斯塔科维奇的三个迥异的材料融汇成象征自己的核心主题，这三个材料尽管风格相异，却在音乐要素上有着很多相通之处，在施尼特凯的“有机拼贴”下已然融为一体，如果是“不顾原来的风格所蕴含的文化”，是不会有这种统一效果的。另外，这三个材料派生出了代表施尼特凯自身的主题，并作为全曲中心贯穿始终。此曲反映了施尼特凯对待音乐历史遗产的一种观念，即过去的音乐已然逝去，我们只能通过融合过去的音乐来发展新的风格。所以他没有像新古典主义者那样大量地以古老的风格语汇写作，而是以过去的风格为材料衍生出自己的东西。
马勒《a小调钢琴四重奏》（由施尼特凯整理改编），这原本是马勒少年时的习作，据说1876年他只完成了一个乐章，便把后面未完成的部分撂一边了。直到他去世后半个世纪，才被重新发现，施尼特凯整理改编了这部作品。这部作品虽然是马勒早期的未完成习作，聆听可以感觉得出马勒的“生命和死亡”主线条。阴晦、忧郁、沉重的旋律和音乐色彩营造了阴森压抑的气氛。偶尔闪烁出生命的希望，如同闪电一般。
施尼特凯《钢琴五重奏》作于1972-1976年。此曲是为纪念他的母亲而作，也是他唯一的钢琴五重奏。这部作品可以看成是施尼特凯创作风格突变的作品，这种从来都不做表面文章而影射的阴霾营造出了历史重现的压抑感，然而这种压抑的气氛几乎将他所有音乐作品风格模式统治了整整十五年之久。
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10期
卡萨尔斯《巴赫·无伴奏大提琴组曲》
这张专辑是大提琴家卡萨尔斯1936-1939年演奏巴赫的6部《无伴奏大提琴组曲》录音。演奏巴赫这六部《无伴奏组曲》，最富于启示性的也是最早的权威版本，当然是卡萨尔斯1930年代后期的这个录音。这些组曲曾被相当多的音乐家演绎，卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。卡萨尔斯的录于1930年代（1936年至1939年）大师刚过了60岁之后。我一向怀疑四十年代和之前的所谓历史录音，认为无论上一代大师们的演奏如何精彩，但毕竟录音技术有限，很难保留真实的演奏的音响。如果把罗斯特罗波维奇的演奏看作一幅色彩斑谰的油画。卡萨尔斯就是早先古朴的铜版画，线条坚实挺劲，具有难以想象的力度，像是凸现于整个画面之上的线条，一旦在你面前显出须眉皆动而欲飞舞之状时，真是要令人心魄俱醉。巴赫的精神，在这里始终是回荡在音乐的空间之中，而不是从中沁出来。
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36期
柯曾《舒曼幻想曲、舒伯特奏鸣曲》
这张专辑收录了钢琴家柯曾1974年8月24日在萨尔茨堡音乐节演出的现场录音。曲目包括舒曼《幻想曲》、舒伯特《奏鸣曲》。柯曾的演奏，善于把刚健的节奏与内心庄严宁静的情感完美地结合起来，对结构把握能力强，触键中充溢着英国绅士那种优雅。柯曾有非常出色的技巧和高贵的风格，能把自己对音乐的创见以细腻的方式去表现在音乐中，从这个录音中可以明显感受到音乐与精神的深度。
舒曼《C大调幻想曲》作品17，1836年动笔，两年后完成。乐曲采用了多乐章奏鸣曲形式，在本质上带有舒曼固有的幻想性和诗意因素。舒曼独特的创作才华与人格魅力在这首作品中凝聚交织，滚滚乐思化为炽烈的情感喷薄而出。这首倾注了心血和激情的作品被后人奉为浪漫主义音乐的经典之作。
舒伯特《降B大调第21钢琴奏鸣曲》D960，作于1828年。此曲是舒伯特最后一部器乐作品，也是最杰出的钢琴奏鸣曲。在经历过生活潦倒、贫病交加之后，舒伯特也用优雅欢乐的旋律，唱出最后的、最优美的“天鹅之歌”。此曲不仅是舒伯特钢琴奏鸣曲的总结，更是他一生的总结。舒伯特用这部作品为自己的一生写了一部自传，同时又用他认为最好的音乐来安慰世间、安慰后人、安慰自己。
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7期
卡梅莱·托马斯《肖邦计划三部曲》
在肖邦的每一部作品中，你都能听见钢琴。然而，法裔比利时大提琴家卡梅莱·托马斯独辟蹊径，将大提琴带到肖邦作品的舞台中央，制作了由三张专辑组成的《肖邦计划》。这张专辑中的大部分作品最初都是钢琴曲，但在完美的改编和精致的演奏之下，音乐的风采丝毫不逊于原作。卡梅莱·托马斯与法国钢琴家朱利安·布罗科充满启发性的演奏，显然也是音乐品质的保证。专辑中收录的作品改编版本，部分出自十九世纪作曲家、大提琴家弗朗肖姆，他也被卡梅莱·托马斯视为灵感来源之一，而她演奏的那把斯特拉迪瓦里大提琴之前也属于弗朗肖姆。《前奏曲“雨滴”》在被改编为四把大提琴演奏后显得熠熠生辉，几首夜曲则在移植到弦乐器上之后，获得了一种新的抒情效果。此外，专辑还收录了一首由英国歌手简·柏金演唱的安可曲。
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44期
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