舒里希特《1949-1956年演奏录音》

舒里希特《1949-1956年演奏录音》

这套合辑收录了指挥家卡尔·舒里希特与维也纳爱乐乐团、巴黎音乐学院管弦乐团合作,1949-1956年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第一、二、五交响曲》、门德尔松四部序曲、勃拉姆斯《第二交响曲》、《第二钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、舒曼《第二、三交响曲》、舒伯特《第八交响曲“未完成”》、柴科夫斯基《意大利随想曲》。门德尔松的序曲中有一种清新的活力和细腻。舒里希特对舒伯特《“未完成”交响曲》第一乐章指挥了十一次后,约翰·库尔肖才终于完成了录音。这里舒里希特没有表现出怪异的速度,相反他和维也纳爱乐乐团的合作表达出了一种优雅的抒情风格。维也纳爱乐乐团的声响非常饱满,没有损害音乐和谐的构架,的确值得珍藏。 卡尔·舒里希特(Carl Schuricht,1880.7.3-1967.1.7)德国指挥家。舒里希特之所以被人们看作是具有重要意义的指挥大师,其艺术风格的独特性是最有说服力的筹码。在众多德奥指挥家中,他是个性突出的代表人物,其指挥风格尊重和继承传统,但却不死板地拘泥于传统。人们欣赏他的指挥,既能感觉到风格质朴,格调高雅的意境,又能体会到温暖亲切,自由流畅的特点。他能够赋予管弦乐团以庄重、神圣般的魄力,同时又能够带给它活泼、诙谐的情调。 舒里希特是一位沉稳、雅致的指挥大师,他在舞台上从不以大动作取胜,更没有音乐之外的嘘头。然而他指挥的音乐的内在张力却十分饱满,把握音乐层次变化的分寸感更是无懈可击。他本人富有贵族式的绅士气质,故在演释作品时,常常能够利用自己独特的优势和特点,给音乐带来富有韵味的情调。 舒里希特为人低调,总是避开那些以他的才华应得的声誉。这些都反映在他的音乐中。他是那种以服务于指挥台前的音乐为宗旨,强调忠实于原作的完整性。这意味着没有任何的夸张,没有追求表面的光辉,最重要的是不会在音乐中加入任何个人的色彩。这种做法远远不是毫无趣味的音乐表达方式 舒里希特是德国指挥学派中真正的元老指挥家,同时也是20世纪世界指挥艺术中的光荣前辈。他一生功名卓著、德高望重,是指挥艺术中伟大人物的杰出代表。
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雅伯隆斯基《肖斯塔科维奇·芭蕾舞组曲》
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这张专辑是雅伯隆斯基指挥俄罗斯爱乐乐团,演奏肖斯塔科维奇的四套芭蕾舞组曲。这四套组曲并不是肖斯塔科维奇本人直接创作的完整芭蕾,是由他的好友列夫·阿托夫米扬(Lev Atovmyan),从肖斯塔科维奇的芭蕾舞、戏剧、电影配乐里挑选片段,重新编排、配器、汇编而成的管弦乐组曲,1949-1953年间陆续整理完成。 当时苏联电台需要一批轻松通俗的管弦“轻音乐”用于广播,阿托夫米扬便从作曲家大量舞台配乐素材中萃取乐章,目的是面向大众广播演出。很多原始母本的芭蕾原作,在当年苏联现实主义文艺政策下还曾遭到封禁,这套组曲把这些旋律重新包装,让它们得以公开传播。 德米特里·雅伯隆斯基(Dmitry Yablonsky)俄派肖斯塔科维奇专家,录过一整套肖氏通俗管弦作品(爵士组曲、《螺栓》芭蕾组曲等),非常擅长把握这种轻快、带讽刺幽默感的音乐,不把它演成厚重交响乐,突出舞蹈律动、明亮的铜管与俏皮木管色彩。俄罗斯爱乐乐团拥有本土俄式音色,弦乐温暖,铜管锐利,很贴合这套苏俄轻音乐气质。干净清晰的数字录音,动态充足,各声部层次分明。 整套音乐风格轻快、幽默、舞蹈性极强,和肖斯塔科维奇那些沉重悲剧性的交响曲、弦乐四重奏面貌截然不同,充满舞曲、圆舞曲、波尔卡,旋律通俗鲜活,很多人只熟悉他严肃作品,听到这套会感到十分惊喜。 《芭蕾组曲第一号》1950年,选自芭蕾《清澈的小溪》、戏剧配乐等;《芭蕾组曲第二号》1951年,素材取自电影、戏剧配乐;《芭蕾组曲第三号》1952年,大量来自《清澈的小溪》;《芭蕾组曲第四号》1953年,混合芭蕾与影视配乐片段。
格鲁米欧《福雷、弗兰克·小提琴奏鸣曲》
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这张专辑是小提琴大师格鲁米欧分别与钢琴家Paul Crossley、György Sebök合作,演奏福雷、弗兰克的《小提琴奏鸣曲》。格鲁米欧的演奏音色纯净高贵,线条歌唱性强,不追求夸张煽情。福雷作品细腻优雅,把早期浪漫到晚年沉静的风格转变表现到位;弗兰克的奏鸣曲克制,不过度戏剧化,属于“优雅派”弗兰克版本,区别于很多激情澎湃的演绎。1970年代模拟室内乐录音,声场自然,小提琴与钢琴平衡很好,没有过度渲染。 福雷的室内乐作品是非常精致的,给人的印象是好像它们的每一个音符都经过了再三的斟酌和推敲,没有什么地方是漫不经心,或者打打马虎眼儿就可以对付过去的。两首动听而完美的小提琴奏鸣曲很好地代表了福雷这种学 院派的室内乐风格,尤其是e小调的第二首,更为含蓄、凝练,功力深厚。 而A大调的前一首则更多些浪漫情怀,有春天里柳枝婀娜般的优美。福雷音乐很少有大风大浪的气象。也可以说他不是一个好的交响乐作曲家。然而以 室内乐的比较恬静、平和的形式去处理那些细腻而复杂的情绪变化,令乐思婉转而伸张,福雷还是很有一手的。这一点,你一旦拿它比较过德沃夏克或者柴科夫斯基的室内乐作品,就很容易显示出来了。 本世纪小提琴名家中的格鲁米欧也是个学院派。有些人把学院派理解为保守、呆板是片面的,我眼里“学院派”倒常常是个褒意的词哩,它意味着精深、典雅,而且动必有方。福雷明白他自己写下的每一个音符,格鲁米欧也明白他拉出的每一个音符。如此这般,小提琴的音色自然就漂亮起来了,而不需刻意的炫技。
卡洛斯·克莱伯《贝多芬·第六交响曲》
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这张专辑是卡洛斯·克莱伯指挥巴伐利亚国家管弦乐团,1983年11月7日在巴伐利亚国家歌剧院的演出实况录音。这是卡洛斯·克莱伯指挥贝多芬《第六交响曲》的唯一录音版本。 这个版本的原母带是巴伐利亚乐团所有现场录音档案中,唯一一张因尘封太久导致母带受损而迟迟无法面世的录音。所幸的是卡洛斯·克莱伯之子尚保留此受损母带之备份,经过录音工程师仔细地调校后才得以将此失落近20年的传奇版本重现。全曲的指挥风格独树一帜,充分展现了卡洛斯·克莱伯的指挥艺术。演出最后长达约四分钟的掌声中,可以感受到该传奇版本的魅力,仿佛将所有观众导引到田园般宁静致远的境界,而忘了置身于音乐厅内。 卡洛斯·克莱伯独树一帜的演绎,他不像当时绝大多数的大师那种不温不火的演奏,而是完全按照总谱上标注的速度演奏。贝多芬标注的速度明显的看得出他心目中的《田园》是欢快的。但由于太多指挥对贝多芬给的速度和“***的快板”标示有太多的异议,所以我们往往听到的贝多芬交响乐有很多不同的风格。这个录音同样不同于我们平常听到过的很多演奏。 听众完全被这种耳目一新的演绎所震撼了。她是那么的欢快、那么的朴实,以至于好像我们亲临了一场贝多芬亲自指挥的音乐会。演出后的第二天,《慕尼黑日报》有评论道:“……关于《田园》的整体风格以及细节演绎,看来已经没有争论的必要了。小克莱巴欢快,明亮,自然的诠释已经让我们不再有去怀疑贝多芬的节拍器是否出问题的必要了。” 德彪西曾经的一席话可以借来概括这场音乐会“我们仿佛从音乐厅来到了田园——树木不是打着白领结来迎接客人的……小溪清澈透亮……我们几乎闻到了马厩的味道。”当最后一音符中止的时候,听众已经被小克莱巴带入了田园,他们很不愿意看到如此精彩的旅行的结束。当一些人开始稀稀落落犹豫的鼓起掌来,更多的人还是安静的坐在位子上,直到小克莱巴转过身来,意犹未尽的人们才开始意识到他们回到了音乐厅。“Bravo”的欢呼萦绕在音乐厅每一个角落。听过小克莱巴诠释的《田园》人们应该会同意《慕尼黑日报》的一句话“令爱乐者最满意的一晚”。
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20世纪伟大指挥家《查尔斯·明希》
20世纪伟大指挥家《查尔斯·明希》
这张专辑是法国指挥家查尔斯·明希的录音精选辑。参与演奏的乐团:波士顿交响乐团、新英格兰音乐学校合唱团、巴黎音乐学院管弦乐团、法国国家广播乐团。 查尔斯·明希(Charles Munch,1891-1968)法国指挥家,20世纪世界重要的指挥大师之一。明希是一位风格异常鲜明的指挥家,他的指挥风格是明快热情而又自然舒展,一般来说,他喜欢运用较快的速度和鲜明的力度对比,在指挥法国作品时,他十分善于把握乐曲的特色和尺度。 在指挥柏辽兹的作品时,明希能够表现出惊人的宏大气势和绚丽的音响色彩,而在指挥拉威尔的作品时, 他又能够赋予作品一种质朴的情调及清新的气息,在处理德彪西的作品时,他也能够极好地控制乐曲织体层次的变化,使其达到一种雅致的、耐人寻味的意境。 明希不但善于指挥法国作品,对德奥体系作曲家的作品,他也有着十分出色的演释能力,但他与纯德奥体系的指挥家之间仍有着许多不同,与他们相比,明希在德奥作品所特有的庄重稳健的基础上,增加了更多的热情及活力,因此,在德奥体系作曲家的作品中,他更加适合于演释像门德尔松这一类作曲家的作品。 明希是一个最善于挖掘和发挥管弦乐色彩的指挥大师,他对于管弦乐队的音色调配和力度控制,有着极其特殊的天赋和能力。小泽征尔在听完他所指挥演奏的柏辽兹的《罗马狂欢节序曲》之后,曾经被他那出神入化的管弦乐色彩控制能力感动得激动不已,他曾回忆到:“我真不知这位老先生是从什么地方拨弄出来的那样水粼粼的声音,这种将柏辽兹的音乐色彩精雕细磨得闪闪发光的技艺,使我的浑身都激动了起来,我实在没有想到,一首乐曲在经过一个高明的指挥家处理以后,竟会达到如此惊人的地步。”
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西贝柳斯、柴科夫斯基《小提琴协奏曲》
西贝柳斯、柴科夫斯基《小提琴协奏曲》
这张专辑包含郑京和的两个现场演奏录音,一是1973年5月16日在巴黎香榭丽舍剧院与兹德涅克·马察尔指挥的法国国家广播交响乐团合作,演奏西贝柳斯《小提琴协奏曲》;二是1978年10月18日在巴黎香榭丽舍剧院与查尔斯·迪图瓦指挥的法国国家交响乐团合作,演奏柴科夫斯基《小提琴协奏曲》。 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》完成于1903年,是西贝柳斯的早期作品,也在世界最伟大的小提琴音乐之列。作者十分热爱芬兰的自然景色和古代诗人荷马的文学史诗,在这部协奏曲中,也自然而然地表露了这种感情。音乐主题热情奔放,富有浓厚的芬兰气息。乐曲充分发挥了独奏小提琴的演奏技巧和表现力,在乐队部分的写作上也发挥了交响特色。整个作品如一幅音画,栩栩如生。 柴科夫斯基《D大调小提琴协奏曲》作于1878年3月,是柴科夫斯基最著名的作品之一,与贝多芬、门德尔松、勃拉姆斯的小提琴协奏曲并称为世界四大小提琴协奏曲。这部作品中融入了俄罗斯民族积极向上、活泼进取的风格,也加进了作曲家本人多愁善感、浪漫多情的性格。作品完成于作曲家创作的晚期,是作曲家成熟时期的颠峰之作,被视为浪漫主义时期音乐的代表作。这部小提琴协奏曲是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品,它歌唱青春,歌唱生命,表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。这首乐曲当初相当不受世人欢迎,然而历史最终证明这是一首绝无仅有的音乐杰作!在音乐舞台上久演不衰,成为许多著名小提琴家的保留曲目。
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塞戈维亚《肖像》
塞戈维亚《肖像》
塞戈维亚是20世纪最具影响力的吉他大师。此前,吉他被认为是一种不登大雅之堂的民间乐器,充其量只能用作沙龙伴奏。塞戈维亚通过不懈努力,大大提升了吉他的地位,成为古典音乐大家庭中一个不可或缺的角色。塞戈维亚生于安达鲁西亚的哈因州,自幼被吉他美妙的音色所动,他不顾家人的反对,开始自学吉他。一开始他就显现出极高的艺术天分,以至于西班牙一位著名的小提琴大师力劝他改学小提琴,并保证他能一举成名。但是塞戈维亚说,小提琴在历史上也曾经为人漠视,正是通过一些小提琴大师的不懈努力小提琴才有了今天的地位,而我也要努力使吉他获得应有的地位。 这套录音共4张,既有小巧精致的舞曲、练习曲、小品,也有大部头的协奏曲,可以说覆盖了塞戈维亚演奏的大部分作品风格,正如专辑的标题《肖像》,听过这套专辑,你可以大体看到塞戈维亚的艺术面貌。1935-1958年的单声道录音,采用High-End级的混音,音质非常出色,琴箱的共鸣、手指擦弦的细微声音都纤毫毕现。演奏的位置离得不远不近,很合适;三频很均衡,声音柔美耐听。其实许多晚期的单声道录音,音质非常好,特别是对钢琴、吉他这些独奏乐器,对音场要求不高,而对于音质的细节,单声道录音反而能表现得更好。
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海菲兹《重见天日》
海菲兹《重见天日》
这张专辑是小提琴大师海菲兹在上世纪二三十年代从未被发表过的“新”录音。其中包括有一些大师未同意出版的音乐会实况的几个曲目,例如他在青春期拉奏的五首短曲、20年代和钢琴家Isidor Achron联合演奏的西班牙乐曲《Valencia》、格里格的《c小调第三奏鸣曲》和勃拉姆斯的《G大调第一奏鸣曲》等都是市面中非常少见的海菲兹演奏录音。这张专辑的母带虽然是留声机时期的单声道录音,但经过录音师精心制作,小提琴中蕴含的深刻感情也尽释眼前,令人更加怀念这位一代小提琴宗师。专辑的录音质量一流,是小提琴爱好者的必备参考。 亚莎·海菲兹(Jascha Heifetz,1901年2月2日-1987年12月10日),犹太血统的美籍俄国(立陶宛)小提琴家,二十世纪最伟大的小提琴演奏家之一。海菲兹的演奏技巧准确而辉煌,音色纯净而优美、圆润而饱满,富有激情 ,具有动人心弦的特殊魅力。他的力度和色彩变化非常丰富,那绝妙的韵味常常使人陶醉其中。 海菲茨的运弓,充满弹性和力度,他对弓子的压力很大,发出极宏亮的声音;与此对应的是左手有力揉弦带来的辉煌音色。他的演奏表情深刻,强弱对比出神入化,速度相应都比较快。海菲茨的演奏曲目极广,1925-1948年,在他的艺术巅峰期,对各种类型的作曲家他几乎都留有录音,其中最为出色者还是民族乐派的作品,这类作品最能适合于他表现其激情的需要。
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阿班·盖哈特《浪漫的大提琴协奏曲(2)》
阿班·盖哈特《浪漫的大提琴协奏曲(2)》
这张专辑是大提琴家阿班·盖哈特与汉努·林图指挥的东德柏林广播交响乐团,演奏罗伯特·福尔克曼、阿尔伯特·迪特里希、弗雷德里希·格恩希姆、罗伯特·舒曼等四位作曲家创作的浪漫主义大提琴协奏曲。 阿班·盖哈特(Alban Gerhardt)1969年生于柏林的一个音乐家庭。父亲是柏林爱乐乐团的小提琴手,母亲则是声乐家。身为音乐家的母亲教导他如何在诠释音乐时,透过乐器来呼吸。小时候母亲带她去参观卡拉扬录制瓦格纳《尼伯龙根的指环》,因而开始对站在舞台上演唱伟大的咏叹调产生幻想。而父亲则让他更有机会接触到各种音乐细节的热情。直到二十岁,盖哈特才真正决定以大提琴演奏做为终生职业。 罗伯特·福尔克曼《a小调大提琴协奏曲》作品33,作于1853-1855年间,是他唯一的大提琴协奏曲。这部协奏曲在音乐史上并不像其他一些著名的大提琴协奏曲那样广为人知,但它仍然具有一定的历史和艺术价值。此曲在结构上与同期的其他浪漫主义协奏曲有所不同,体现了当时德国音乐的风格特点。 阿尔伯特·迪特里希《g小调小提琴协奏曲》作品32,作于1874年。这是一部充满浪漫主义色彩的大提琴协奏曲,展现了迪特里希对大提琴音色的独特理解和表现力。这部作品不仅在技术上具有挑战性,也在情感上富有深度,是大提琴文献中的重要作品之一。 弗雷德里希·格恩希姆《e小调大提琴协奏曲》作品78,作于1907年。此曲是格恩希姆的代表作之一,展现了他在大提琴音乐领域的才华和对音乐形式的深刻理解。这部协奏曲在演奏中需要大提琴家具备高超的技术和丰富的表现力,同时也需要指挥和乐团的默契配合,以充分展现作品的艺术魅力。 舒曼《a小调大提琴协奏曲》作品129,作于1850年。此曲是浪漫主义时期的重要作品之一,展现了舒曼作为浪漫主义作曲家的独特风格和对大提琴的深刻理解。这部作品的创作灵感部分源于舒曼对大提琴这一乐器的喜爱,以及他对浪漫主义音乐的追求。舒曼曾表示,这部协奏曲是他对早期钢琴独奏作品的一种回忆,尤其是他与克拉拉的爱情故事。
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安达《肖邦·前奏曲、练习曲全集》
安达《肖邦·前奏曲、练习曲全集》
这张专辑是钢琴家安达1965年7月27日在萨尔兹堡音乐节的现场录音。曲目包括肖邦的24首《前奏曲》、24首《练习曲》。比较起来,音乐会前半部分的肖邦《前奏曲》,发挥稍逊于《练习曲》,安达演奏的肖邦《练习曲》独具生动的气韵,而演奏《前奏曲》时尚未达到最佳状态,相比之下,显得平实了一些。 肖邦一共创作了26首前奏曲,包括作品28的24首、作品45以及无编号的《降A大调前奏曲》。肖邦的每一首前奏曲都是一幅完整的图画或印象。肖邦自幼体弱多病,27岁时,由于肺病缠身,朋友们陪伴他去地中海的梅杰凯岛上去疗养。在那里,肖邦获得灵感,创作了作品28的24首前奏曲。这些是前奏曲按十二平均律的律制方法,从C大调开始到b小调,以不同的24个调写成的,其排列方法为五度循环,即第一首为C大调,第二首为它的关系小调a小调,第三首为C大调的上方五度的G大调,第四首为其关系小调e小调……依此类推,最后有24首乐曲。有人认为由于这24首前奏曲关系紧密,应看作是一部音乐作品,做连续演奏。这24首前奏曲一般以一个短小的乐思为中心而构成,但是乐思并不是只做单纯的反复,也不做技巧的展开,而是按肖邦的感情做惊人的发展,其中有些曲子有着超凡的演奏技巧,绝不是容易演奏的作品。 《练习曲》作品10,作于1832-1836年间。献给李斯特的夫人阿古尔特伯爵夫人,后来他们的女儿科西玛嫁给理查特·华格纳。虽然作品10和作品25是在同一时间写成的,但是作品25相比起来更像音乐作品,而不是一些技术难题的攻破。 《练习曲》作品25,也是由12首曲子组成,除第12首写于1831年冬天外,其余都写于1836—1837年间。
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Heaven Vol. 1
Heaven Vol. 1
长期以来MONO从生活的光明和黑暗中汲取同样的音乐灵感。诞生出来20多年的音乐动荡和旋律上的超越。Heaven Vol. 1 LP 标志着乐队的新年传统:每年圣诞节发布一张新EP。在我们最需要的时候——被爱的人包围,日历的轮转时可能会给我们带来希望。 Heaven Vol. 1由Takaakira ‘Taka’ Goto 在他位于日本的家庭工作室录制(鼓由 Amak Golden 在布拉格的 Golden Hive Studio 录制)——由 Rafael Anton Irisarri 和 Jeremy deVine 在纽约的 Black Knoll Studio 混音——Heaven Vol. 1 三首歌充满了希望非常具有电影感。对于 Heaven Vol. 1这三首歌,MONO 乐队的想说: 《Lucia》 “这首歌是在我们挚爱的长期合作伙伴 Jeremy(我们美国厂牌 Temporary Residence Ltd. 的所有者)迎接他的第二个孩子时创作的。这首歌由两部分组成;第一部分庆祝新生命的诞生,第二部分走向梦想和希望。我们写这首歌的感觉,就是圣诞老人驾着雪橇穿越暴风雪,面带微笑,跳进纯白光的漩涡,承载着许多梦想。” 《Smile》 “我们借鉴了小时候经历过的圣诞节的雪景。你呼出的气是白色的。你的心在一望无际的银白世界里翩翩起舞,当你手抓雪准备转身时,父母笑眯眯地回头看着你。我们在回忆这样的时刻的同时写下了这首歌。” 《Silent Embrace》 “时间过去了,我们都长大成人了。人生就像翻山越岭,但我们还能继续走下去,是因为我们所爱的人、同事、朋友和家人默默地站在我们身边,给我们勇气和力量。我们想用这首歌来表达我们的感激之情。”
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