A05. Schumann Cello Concerto Op.129 - 2. Langsam

这张专辑是“指挥皇帝”卡拉扬与柏林爱乐乐团合作，演奏12首著名的慢板乐章。分别选自1961到1986年的录音，体现了指挥与乐团之间的合作无间。 卡拉扬以深厚的音乐素养向世人诠释过激昂和欢愉；以超群的指挥技艺带给世人无数多彩的旋律和浪漫的情怀。卡拉扬与世界首屈一指的最高水平乐团--柏林爱乐乐团合作长达30年，达到了水乳交融的境地。 卡拉扬的指挥艺术、严正、完美，充分表现作品的思想实质和艺术境界，他指挥的作品既有开阔时的豪放、又有细腻时的维妙维肖、引人入胜，从而塑造出鲜明动人的音乐形像。卡拉扬的指挥气势宏伟、强调理性，技术精炼，热情洋溢，对乐曲处理细腻精致，与乐队配合得可谓水乳交融。将超级指挥大师卡拉扬最精湛的指挥艺术、最精美和辉煌的音乐录音完全收录，永恒的精致完美音乐，值得一生珍藏。

这套合辑收录了指挥大师富特文格勒1942-1954年间指挥演奏勃拉姆斯作品的录音，包括：四部交响曲、第二钢琴协奏曲、海顿主题变奏曲。合作乐团是北德广播交响乐团、柏林爱乐乐团、维也纳爱乐乐团。 喜欢富特文格勒的爱乐者，通常会比较心仪他二战时期的作品。确实，因德国的没落产生的忧愤意念成为了大师的潜在表现力，他战时的几乎所有作品都激情四溢、光芒四射。据说二战时期富特文格勒指挥的勃拉姆斯《第一交响曲》表现极佳，但令人痛惜的是没有留下任何一场完整的现场演出录音。1945年1月23日柏林爱乐演出勃拉姆斯《第一交响曲》的末乐章录音，是这部交响曲战时留下的唯一的纪念品。这个录音被收录于第一张唱片的最后。 尽管只有一个乐章，但这段录音却非同寻常：不仅因为这是富特文格勒最佳的勃拉姆斯《第一交响曲》演出，留下了音质绝佳的录音，还因为这段录音录自二战时期富特文格勒在德国的最后一场音乐会，他再度回归柏林将是两年半以后的事情。这是高度激情、幻想、控制力的稀有结合；乐曲、乐团和指挥高度结合的难忘例证。这是德国战败前的最后时刻，富特文格勒所喜爱和熟悉的一切都在他眼前瓦解了，大师的痛苦，激愤和无奈之情直接铸就了这个不朽的乐章。时至今日，这段录音听起来仍然是那么令人激动异常，这是无与伦比的绝唱。这段录音标志着一个时代、一种风格的终结。战后的富特文格勒虽然为世人留下了众多的音乐遗产，但二战时期作品中那些璀璨夺目的光芒，却已经永久地熄灭了。 这个录音是阿杜安先生在他的著作中着墨最多的，他用了几乎整整两个页面（中文版）来细细阐述这一录音，而且即使是阅读翻译得不甚精确到位的中文版，也能明显地察觉出这位乐评家对这个录音心怀无比敬畏之情。从他的具体用词和使用篇幅来判断，这十几分钟的音乐，应该是阿杜安先生所认为的，富特文格勒的艺术遗产中最重要和最精华的部分。

这套专辑收录了小提琴家海飞兹演奏的几部小提琴协奏曲：1、与明希指挥的波士顿交响乐团合作，演奏贝多芬、门德尔松《小提琴协奏曲》；2、与莱纳指挥的芝加哥交响乐团合作，演奏勃拉姆斯、柴科夫斯基《小提琴协奏曲》；3、与亨德尔指挥的芝加哥交响乐团合作，演奏西贝柳斯《小提琴协奏曲》；4、与明希指挥的波士顿交响乐团合作，演奏普罗科菲耶夫《第二小提琴协奏曲》；5、与亨德尔指挥的RCA胜利交响乐团合作，演奏格拉祖诺夫《小提琴协奏曲》；6、与萨金特指挥的伦敦新交响乐团合作，演奏布鲁赫《第一小提琴协奏曲》、《苏格兰幻想曲》、维厄当《第五小提琴协奏曲》、巴赫《双小提琴协奏曲》（弗雷德曼演奏第二小提琴）；7、与华伦斯坦指挥的RCA胜利交响乐团合作，演奏勃拉姆斯《双重协奏曲》（皮亚蒂戈尔斯基演奏大提琴）；8、与索罗门指挥的RCA胜利交响乐团合作，演奏莫扎特《交响协奏曲》（普利姆罗斯演奏中提琴）。

这张专辑是小提琴家凡格洛夫与钢琴家布朗合作，演奏克莱斯勒、萨拉萨蒂、帕格尼尼等作曲家的作品，还包括约翰·威廉姆斯的电影音乐《辛德勒名单》的主题改编曲。在专辑中，凡格洛夫、布朗两位音乐家选择了12首最受欢迎的、而且是他们自己最心爱的小品，有辉煌的炫技、甜美的旋律，还有小提琴与钢琴的美妙对话。 凡格洛夫展示出令人难以置信的演奏技术、无可比拟的美丽音色和灿烂的音响效果，他与生俱来的魅力以及瞬间改变情绪和性格的能力才是他真正与众不同的地方。凡格洛夫甚至使克莱斯勒《爱的悲伤》、《爱的喜悦》这样的俗套作品听起来清新自然，并散发出内在的真诚，没有一点廉价的多愁善感。凡格洛夫在演奏这些作品时明显是非常享受的，所以他的演绎是具有感染力，而钢琴家伊恩·布朗也是同样的享受着，他与凡格洛夫一样的真心喜爱这些看似“无足轻重”的小作品，这使他的钢琴发出可爱的、微妙的美妙声音。

这张专辑是伯恩斯坦指挥维也纳爱乐乐团，演奏马勒《第五交响曲》。获得日本《唱片艺术》推荐。 一般将马勒的第五、六、七交响曲这三部看成同一组，终乐章的回旋曲式是马勒第一次在交响曲中使用，乐曲内涵表达了哀痛、忧郁、豁达、释怀、憧憬等情绪。也许很多人会对卡拉扬抱不平，但是只要听过伯恩斯坦的诠释就会发觉，卡拉扬棒下的马勒第五，美则美矣，却缺乏一份深刻的精神表现。伯恩斯坦与维也纳爱乐乐团的合奏完成度并不输卡拉扬与柏林爱乐，而且不论是第一、二乐章的激情，或是第四乐章的抒情，都能将他的马勒精神注入。 《升c小调第五交响曲》作于1901至1902年。同马勒此前所作的四部交响曲相比，第五交响曲重新确立了纯器乐创作的道路，作品中没有运用任何声乐因素。同时各个乐章间的联系更多地依靠音乐自身逻辑的发展，而不是音乐之外的标题因素。不过正如马勒所有的交响曲一样，内在的标题性内容还是存在的，只不过更加趋向于抽象化。马勒本人曾说：“我的音乐永远都是大自然的声音。”马勒是从浪漫主义的、诗意的角度来理解“自然”的，萦绕于他脑际的是生命与死亡、大地与宇宙这些宏大而深沉的概念。

这张专辑是伯恩斯坦指挥维也纳爱乐乐团，演奏贝多芬《科里奥兰序曲》、《第三交响曲》。 《科里奥兰序曲》作品62，作于1807年，根据德国作家科林的同名悲剧所作的管弦乐曲。同年3月在罗布科维茨的客厅首演。呈献给科林。此曲采用c小调，充满活力的快板，4/4拍子，奏鸣曲式。第一主题激动不安，表现科里奥兰的悲剧性格。第二主题悠缓舒展，象征着科里奥兰母亲的仁慈和妻子的温顺。 《降E大调第三交响曲“英雄”》作品55，作于1803-1804年，它的标题是“英雄交响曲——为纪念一位伟人而作”，原稿上的标题是“拿破仑·波拿巴大交响曲”，是应法国驻维也纳大使的邀请为拿破仑写的。当初拿破仑对于贝多芬来说，是一个革命的理想，是现代普罗米修斯。但当贝多芬听到拿破仑称帝的消息时，他愤然撕掉了本来准备献给拿破仑的扉页，改成了现在的曲名。这首交响曲的篇幅大大超越了前两部，是仅次于《第九交响曲》的超长作品，而在艺术成就上也是一个里程碑式的作品，从内容到形式都富于革新精神，感情奔放，篇幅巨大，和声与节奏新颖自由。他在曲式结构上作了革新，如用一首庄严的葬礼进行曲作为第二乐章，用一首谐谑曲作为第三乐章，都是前所未有的。这部作品1805年4月7日在维也纳剧院首次公开演出，指挥是贝多芬自己。

这套合辑是为了纪念女高音歌唱家安娜·莫芙逝世十周年而特别发行的限量版本，收录了她1960-1974年间的演唱录音，其中包含了四张首度发行CD的专辑。所有模拟母带均以24位/96kHz的技术加以数字化重新处理，效果更胜以往，是回味当代名演的最好选择。 在这套合辑中，安娜·莫芙与多位歌手合作，包含上个世代的男高音代表人物史帝法诺、贝冈吉与克劳斯。参与的指挥更包括莱布维兹、塞拉芬、史托科夫斯基、马格等。 安娜·莫芙（Anna Moffo，1932年6月27日-2006年3月11日）美国歌唱家，出生于宾夕法尼亚州，有意大利血统。1950-60年代活跃于乐坛，因其歌声与美貌而受欢迎。好莱坞曾有意请她拍电影，但因母亲有意让她当修女而拒绝。1955年获得奖学金，进入罗马的圣奇西利亚音乐院求学。二十三岁挑战《蝴蝶夫人》一角，让她一夕成名。之后她饰唱《法斯塔夫》与《梦游女》的女主角，结果吸引卡拉扬，邀请她到萨尔兹堡音乐节合作《法斯塔夫》以及此剧的唱片录音。而卡拉丝演唱的《波西米亚人》，也指定由她唱对手角色穆赛塔。当时的她可说集千万宠爱于一身。 1957年莫芙与制作人马里欧·兰夫蓝基结婚。1959年她在大都会歌剧院首演《茶花女》之薇奥丽塔一角大获成功，并因此与剧团展开长期合作，而当1976年她退休时，也是选择此角色告别舞台。1960-1973年之间，在意大利当地的电视台担任主播，被选为意大利最美丽的10位女性之一。除了歌剧，她也演唱清歌剧与艺术歌曲，曾拍过四部电影。 莫芙的歌声柔和恬淡、用情真挚、细腻而温柔，对于乐曲中的抒情性控制得宜，由内而外散发出典雅高贵的气息。与戏剧性的作品相比，她更适合演唱抒情的作品。莫芙的嗓音低沉丰满、优雅，线条明晰匀称。虽然音量不大，但音色温暖而丰富，有着柔和的色彩和天鹅绒般舒适的低音区。她敏捷的花腔技术使她能胜任露契亚这样的高难度唱段。她与男高图克和男中音梅里尔合作演出的《茶花女》以她赋予主人公细腻感伤的演绎至今仍为人们称道。莫芙演唱的音质纯净清脆，线条明晰匀称，音量不大，却充盈着极强的艺术感染力。

这张专辑是大提琴家卡萨尔斯1936-1939年演奏巴赫的6部《无伴奏大提琴组曲》录音。演奏巴赫这六部《无伴奏组曲》，最富于启示性的也是最早的权威版本，当然是卡萨尔斯1930年代后期的这个录音。这些组曲曾被相当多的音乐家演绎，卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。卡萨尔斯的录于1930年代（1936年至1939年）大师刚过了60岁之后。我一向怀疑四十年代和之前的所谓历史录音，认为无论上一代大师们的演奏如何精彩，但毕竟录音技术有限，很难保留真实的演奏的音响。如果把罗斯特罗波维奇的演奏看作一幅色彩斑谰的油画。卡萨尔斯就是早先古朴的铜版画，线条坚实挺劲，具有难以想象的力度，像是凸现于整个画面之上的线条，一旦在你面前显出须眉皆动而欲飞舞之状时，真是要令人心魄俱醉。巴赫的精神，在这里始终是回荡在音乐的空间之中，而不是从中沁出来。

这套合辑是德国管风琴家赫尔姆特·瓦尔哈，为了纪念巴赫（1685-1750）离世200周年而录制的。在那个年代，要完成这样一个令人惊讶、雄心勃勃的计划需要很大的魄力。这一计划由于日新月异的录音技术发展而多次中断和延期（从早期的胶盘到寿命更长的单声道录音，以及立体声录音）。瓦尔哈对于传统乐器演奏方面具有很强的实力，完全胜任这个录音计划。 其实，瓦尔哈的第一批录音早在1947年8月份就已完成。那是在刚刚结束的世界大战之后以及货币政策改革之前那段非常艰难的时期进行的，所用的乐器是吕贝克城一架小小的圣－雅克比教堂的管风琴。别看雅克比那里的管风琴教堂建筑虽小，但却是早期德国最为著名的场所之一。这一批录音的成功使大家产生了录制巴赫管风琴作品全集的决定。当然，这并不是试图在吕贝克完成全部的录音，虽然吕贝克管风琴的原始音色非常优美，但年久月深的管风琴踏板会产生很不合谐的声音、短八度音节的表现大打折扣，况且越来越嘈杂的交通噪音干扰使在那里的录音变得更加困难。 后来，在德国北部寻找另外的早期乐器，期间瓦尔哈发现要演奏巴赫键盘练习曲第三部分“较小”的圣咏前奏曲，需要借助跨八度音阶与升C大调所有的半音，而这个任务似乎只有不来梅附近，卡佩尔市的Arp Schnitger管风琴可以胜任。这架管风琴本来是为汉堡的圣－约翰尼斯教堂所造，拿破仑时代（大约1816年）从汉堡调配到这里。经过保罗歌剧院的戈廷根工匠修复，管风琴终于调配到可以演奏的状态。后来，瓦尔哈的录音面世后，这架饱经风霜的管风琴又成为世界闻名的乐器，因此，在1950年6月和1952年9月陆续用卡佩尔的这架管风琴录制和完成了一系列巴赫管风琴作品，而且，原先用鲁贝克管风琴所录制的作品又重新在此录制。 瓦尔哈对巴赫作品的诠释始终如一。无容置疑，瓦尔哈拥有着非常人所能把握的超常音乐感知力，在炫技乐章，年轻的瓦尔哈时而演绎得无拘无束，时而又突出器乐过渡间的人声演绎。这些录音融合了巴赫作品所终生贯穿的艺术与精神精华。与此同时，它们也翻开了录音历史上新的一页，这些始终会与瓦尔哈的名字相连，即使是模拟录音，也无法掩盖瓦尔哈对巴赫的完美演绎。

这张专辑是小提琴家斯特恩与奥曼迪指挥的费城管弦乐团合作，演奏柴科夫斯基、门德尔松的《小提琴协奏曲》。1958年3月的录音，被日本《唱片艺术》评为最佳名曲。 柴科夫斯基《D大调小提琴协奏曲》作于1878年3月，是柴科夫斯基最著名的作品之一，与贝多芬、门德尔松、勃拉姆斯的小提琴协奏曲并称为世界四大小提琴协奏曲。这部作品中融入了俄罗斯民族积极向上、活泼进取的风格，也加进了作曲家本人多愁善感、浪漫多情的性格。作品完成于作曲家创作的晚期，是作曲家成熟时期的颠峰之作，被视为浪漫主义时期音乐的代表作。这部小提琴协奏曲是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品，它歌唱青春，歌唱生命，表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。这首乐曲当初相当不受世人欢迎，然而历史最终证明这是一首绝无仅有的音乐杰作！在音乐舞台上久演不衰，成为许多著名小提琴家的保留曲目。 门德尔松《e小调小提琴协奏曲》作品64，完成于1844年。