02. Mozart Piano Concerto No.9 - 2. Andantino

这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团，演奏贝多芬《第六、八交响曲》。由著名录音师韦尔金森（K.Wilkinson）1961年录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。 《F大调第六交响曲》作品68，大约完成于1808年，又名“田园”交响曲。此曲是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一，也是他九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪，这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情，是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演，由贝多芬亲自指挥，在首演节目单上，他写到：“乡村生活的回忆，写情多于写景”。整部作品细腻动人，朴实无华，宁静而安逸，与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。 《F大调第八交响曲》作品93，完成于1812年10月。此曲是贝多芬闻名于世的九部交响曲中最为短小的一部，有时受到忽视。但贝多芬自己对它十分喜爱，甚至称它比第七交响曲“强得多”。虽然写作时贝多芬生活并不顺利，但该作品依然有着轻松愉快的风格。其规模虽然短小，但精悍紧凑，充分体现了贝多芬的作曲技艺。与贝多芬的一些其它作品（如著名的《月光奏鸣曲》）类似，该交响曲的末乐章分量最重。值得注意的是，在第二乐章中，木管乐器演奏出固定的音型，被认为是模仿当时刚刚得到改进的节拍器的声音，并且在乐章最后还有一个玩笑般的“节拍器出故障”的乐段。除此之外，也有其它部分被认为是音乐玩笑。

这张专辑是小提琴家谢林与蒙都指挥的伦敦交响乐团合作，演奏勃拉姆斯的《小提琴协奏曲》。这个版本是由天碟录音师威尔金森1958年6月在伦敦金斯威音乐厅录制的，是一个演、录俱佳的天碟录音。 《D大调小提琴协奏曲》作品77，作于1877－1878年，是勃拉姆斯一生中创作的唯一的小提琴协奏曲。然而，这部小提琴协奏曲不但是勃拉姆斯最伟大的作品之一，而且此曲连同贝多芬（D大调）和门德尔松（e小调）、柴科夫斯基（D大调）等大师的小提琴协奏曲，并称为四大协奏曲。 乐曲具有浓厚的田园牧歌风味和匈牙利民歌情调，那种安详与厚重相得益彰的感觉，正是勃拉姆斯所独具的特色。在这部作品中，勃拉姆斯成功地将浪漫主义的激情与古典主义的严谨结合起来，并在曲式上有很多大胆创新。

这张专辑是享誉全球的正统德国学派小提琴大师沃尔夫冈·施奈德汉与钢琴家卡尔·西曼合作，演奏莫扎特三部《小提琴奏鸣曲》。施奈德汉和西曼各自都以对莫扎特的演绎见长，二人也合作了大量的室内乐作品，都有相当出色的表现。专辑的演奏是纯正的德奥风格，内敛、平和，不事炫耀，严谨优美。两名艺术家录制这张专辑正值壮年时期，无论技巧与艺术性都处于最高峰，具有五、六十年代注意音乐诗情的典型风格，以尽量客观的手法来诠释莫扎特，但是至今听来依旧有迷人的魅力。 《降B大调小提琴奏鸣曲》K.454，作于1784年。此曲是莫扎特为了他和年仅20岁的意大利女小提琴家瑞金娜·斯特里那隆奇的一次同台演出而作的。写作的时间非常仓促，在音乐会的前一天晚上，莫扎特才将奏鸣曲的小提琴部分的乐谱交给女小提琴家，钢琴部分没有时间写在乐谱上了，虽然这已经全部在莫扎特的脑中。在音乐会上，莫扎特没有钢琴谱，仅仅带着一份提示性的草稿，凭借记忆和即兴演奏的天赋弹奏钢琴部分。音乐会很成功，新的奏鸣曲受到了听众的喜爱。 《降E大调小提琴奏鸣曲》K.481，作于1785年。此曲被称为“莫扎特风格抒情的杰作”。 《A大调小提琴奏鸣曲》K.526，作于1787年。此曲既是莫扎特最后一部小提琴奏鸣曲，也是莫扎特小提琴奏鸣曲的集大成之作，其中丰富而强烈的感情远远超出宫廷艺术的典雅和朴实无华的青春精神这些范畴。

《茉莉芬芳》是贾鹏芳先生于2018年发布的全新专辑，也是他首次以中国为主导市场而面向全球发行的概念专辑。该专辑共有9首作品，其中不仅有《茉莉花》《橄榄树》《女人花》等经典曲目，还收录了贾鹏芳近年来全新创作的两首作品。专辑以《茉莉芬芳》为名，不仅是因为有特别改编版本的《茉莉花》做为主打曲目，还喻示着以中国作品为代表的东方流派音乐将会在世界舞台有着更好的未来，可谓茉莉花开，芬芳全球。本次专辑由其老搭档，日本著名音乐人，Newage 大师京田诚一亲自操刀制作，由久石让御用录音混音师泷田二朗担任录音制作，并邀请日本众多一流演奏家共同完成，是含金量极高的世界级轻音乐代表作品。

这张专辑是奥地利指挥家卡尔·伯姆的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆西德广播交响乐团、德累斯顿国家歌剧院乐团。 卡尔·伯姆（Karl Bohm，1894年8月24日-1981年8月14日）奥地利指挥家，二十世纪著名的指挥大师。卡尔·伯姆指挥音乐作品，给人以纯正、端庄、沉稳、深厚的感受，而不会给人们带来不安和浮躁的情绪。伯姆的音乐手法是简洁、清爽、有力，排斥了浪漫主义的过度伤感，也不沉溺于放纵的技巧表现，实现了平衡巧妙、音响柔和、节奏稳固的音乐效果。 在音乐内在意义的表现方面，伯姆的方法是不过份地注入感情，不牵强地借助理念和逻辑来表达作品，而是从作品固有的形式中去把握其内在的美；例如在指挥瓦格纳歌剧时，伯姆也不是突出、夸张瓦格纳的激情和虚华的浪漫情感，而是化泛滥为收敛，将纯粹的内在音乐精神凝聚起来，表现出紧张、庄重的美。 卡尔·伯姆是一位对艺术极其认真严肃的指挥家，亦是一位典型的继承维也纳传统的指挥家，他的指挥风格是严谨、端庄、自然、质朴和深邃。伯姆诠释作品时，总是抱着一种客观笃实的态度来研究作品的内容，并力争用一种明确朴素的手法来引导乐队表现出作曲家的意图，从这一点看来，他是一位富于理性的指挥家，而正是这种有着极强控制力的理性，才使他将古朴的维也纳风格保持得那样正统、完好和自然；伯姆的指挥有着异常高雅的意境和气质，人们可以从他指挥演奏的乐曲中感受到一种丰富的艺术修养和深邃的思想性，总是力求作到朴实、稳重和深厚。 伯姆在20世纪指挥艺术史上，是一位引人注目的德奥歌剧和交响乐指挥权威；在歌剧方面，他对莫扎特、贝多芬和理查·施特劳斯的作品有着权威的演释，而这其中又尤以莫扎特和理查·施特劳斯最为突出——对于理查·施特劳斯的作品来说，他的演释具有特殊的积极意义，这位大作曲家兼大指挥家，不但是伯姆在艺术上的一位恩师，同时也是他的一个志趣相投的朋友。 伯姆作为交响乐指挥家也有着极为光彩的业绩，他对于莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯和理查·施特劳斯等人的大量交响音乐作品，都有着很有特色的演释。伯姆虽然一生中指挥了大量的作品，然而他却不是一个指挥曲目丰富的指挥家，这种情况是与他本人的个性、气质和精神素质有着很大关系的；他一生基本只指挥德奥作品，对于其它国家的作曲家他几乎是从不过问的，在富于理性的德奥作品中，伯姆却真正找到了适合他个性发展的途径。

这张专辑是安吉尔·罗梅罗演奏的浪漫吉他名曲，录音不用多说，好的不得了，音色十分优美圆润。“浪漫”并不是指浪漫主义时期的音乐，而是表示带有浪漫主义情绪的作品。安吉尔的编曲的《爱的罗曼史》与传统版本、颤音版本和附加前奏、尾声甚至轮扫技巧的版本相比，其中的一个变奏由于充分发挥了吉他和声与音色变化的特点，显得意趣盎然，两声部旋律交替出现，上下行关系亦是形成非常有趣的对话。尚斯的《西班牙组曲》同阿尔贝尼兹的同名钢琴改编作品相比，前者情绪内敛，后者带有法国印象主义的色彩。作为巴洛克时期的作品，洋溢着哲学和理性的气息。专辑中还选取了巴利奥斯的三首作品：《思乡的肖罗曲》、《森林之梦》和《桑巴舞曲》；老罗梅罗的《安达露西亚组曲》和阿尔贝尼兹的《阿斯图里亚斯》，也都是充满浪漫风格的代表作品。

这张专辑是美国发烧独立名厂Klavier Records（发烧友通称老K、大K）的录音精选辑，由世界首席录音大师Bruce Leek制作，它的音乐及音色被音响界评为极品之作。专辑收录了肖邦、斯特拉文斯基、拉威尔、马斯奈、比才等多首经典名曲。 Klavier Records当年凭借着《马斯奈：领袖》(KCD 11007)、《圣桑：动物狂欢节》(KCD 11011)、《圣桑：管风琴交响曲》(KCD 11010)、《比才：C大调交响曲》(KCD11012)这四张专辑，横扫发烧音响唱片市场，也为自己打下一片江山，除获得TAS发烧榜单上的肯定外，只要是Louis Fremaux指挥Birmingham Symphony Orchestra（伯明翰市立交响乐团），肯定是发烧的保证，另外大家都知道Keith.O.Johnson，他为美国Reference Recordings唱片公司录下三十几张发烧片，也替美国Hi-End音响Spectral设计数字线路，后来也转至Klavier公司，录下许多顶级珍贵的录音，况且Klavier公司还有当家录音工程师Bruce Leek（老K的老板，帮Wilson Audio录制Center Stage 舞台正中的那一位），Bruce Leek向来对于录音总是抱持着一个坚持，也就是只使用两支高感度麦克风来收录所要的声音，然后以直刻方式灌录CD。因为 Bruce Leek认为只有这么做才能真实的还原声音真正的面貌，也才可以十足的彰显出音乐家的个人风格。

这张专辑是凯文·科恩2001年发行的，从音乐欣赏角度，可以说对于Kevin Kern的一贯浓重情感音乐更加的完善和成熟，可以说，是Kevin Kern5张作品中最好的一张。在音乐背景的衬托和调节下，有了些“轻”的感觉。很巧妙的配合了小提琴的音律，在清脆亮丽的琴声中添加了一份柔情，值得一听。 非常喜欢深夜喝咖啡，那是孤独者的调味伴侣，喜欢煮咖啡的啵啵声音，也难以抗拒这种神奇的褐色液体所带来的浓浓的香味。在灯光下，默默的凝视着浓稠的化不开的液体的飞速旋转，没有一丝的犹豫，不停的旋转，带着白色的泡沫，带着白色的热雾，搅拌着咖啡，搅拌着一样化不开的情感和思念。 不是孤独，欢笑和快乐的声息、甜言蜜语的喃呢，仿佛还凝固在脑海的思绪里。刹那间，只是有些寥落，留下的是思绪中的凝固，和空气中的寒冷温度和静静的氛围。或许此时只有咖啡陪伴着，一起旋转、一起搅拌。 无聊间，音乐已然响起，凝结静默的空间里传出清脆的钢琴敲击声，没有复杂的起止休符，只是简简单单的一键，一键又一键，音符犹如一颗颗的星星，闪烁着，炫目着，而背景衬托的电子键盘音乐如墨黑的天空的铺垫，宽广而无边，星星一颗颗地镶嵌着，黑色的天空衬托出星星的闪亮和美丽。忽然，小提琴打破了此时的宁固，音乐悠长却又长贯不息，附呵着钢琴的旋律的一并回转，小提琴的音乐犹如一条绵绵延延的细不可见的长丝，把每颗音符珍珠串了起来，排列着，然而由于丝线太长了，延伸中，细细薄薄的丝弦挡不住钢琴丰富而沉重的情感，不由得颤动起来，更随着风的吹动而旋转，缓缓小小的起伏着。齐头并进中，小提琴，钢琴始终配合得天衣无缝，小提琴串起的钢琴音符最终成为天空中最美丽的一道银河，或者说是一贯深夜的长虹！ 默默的聆听着，无言、无语，思绪也伴随着一并去串联了，最终，音乐、星星、沉默、宁静，浑然了起来。搅拌啊！搅拌啊！旋转哦！旋转哦！冲进了浓浓郁郁的感情咖啡。液体已经顺从的滑入咽喉，随着液体在体内的扩散，甜甜的、腻腻的，凯文·科恩那浓得化不开的钢琴感情再次的涌入心间。

这张专辑是钢琴大师李赫特与康德拉辛率领的伦敦交响乐团合作，演奏李斯特的第一、第二钢琴协奏曲。后面还附加了里赫特演奏的三部贝多芬钢琴奏鸣曲。 这是飞利普唱片目录上的最佳类比录音之一，于1961年的伦敦，由鬼才罗伯特·范恩(Robert Fine)用三咪式摆位，35mm胶片的录音。这同时也是李赫特最出色的演奏之一，音乐的力量，势若万马千军；无敌的指法，快如闪光、劲若电殛。听者肯定会震慑于大师之神威。指挥康德拉辛把乐谱视为最具艺术价值的巨作般处理，至今亦未听过第二位指挥家有如此认真细致、一丝不苟的李斯特钢琴协奏曲演出。伦敦交响乐团的演出亦是光采耀目，成果斐然。录音像近距离特写，毫无保留地呈现在听者眼前。堪称李斯特钢琴协奏曲中的皇牌唱片。 唱片公司对于这个录音是相当珍视的，并作为其“引以自豪的古典音乐大师艺术极品”而推出的徽章系列中的一张唱片。其录音制作之佳，自是无需多说，而伦敦交响乐团的演奏效果，也是意外的出色。以第一协奏曲而言，乐队部分直如海水碧波荡漾，就已神色逼人，叫人屏息而听。但真正叫绝的还是在钢琴进入以后，似乎竟有了阳光穿透大海深处般的效果，将所到之处装点得波光粼粼，搅出满眼的瑰丽奇景。这或许正是所谓里赫特的“刚阳之气”使然吧。李斯特的第一协奏曲，以李斯特那色彩鲜明对比所造成的强烈效果而言，里赫特和康德拉辛合作的这个录音中的表达无疑是最成功的，即使在更为精致而抒情的第二协奏曲中，他们也将这一特色发挥得淋漓尽致，简直无有出其右者。康德拉辛忘我投入中激发出来的炽热之情，与里赫特磐石般镇定自若而弹指幻化缤纷，形成绝妙相应，这里才能够说有李斯特本色再现。难怪1961年的录音，至今恐怕仍是李斯特这两首协奏曲的一个最佳诠释。

我们相遇于人海 终究没能踏上那座岛 没能把故事讲完 你是我无法到达的海平线 又散于人海 陌陌主播安宁带来了一首很新的情歌《灯火瞭望塔》。歌词一如以前的伤感情歌，字字句句都嵌着悲伤，但歌曲节奏偏快，旋律里藏着一丝爵士的元素，将整首歌的情绪渲染得仿佛在悲伤和无奈里又透着一丝洒脱。在相爱时，我将你当做人生的指路灯，你的方向便是我前进的方向；而今终究是路远途疏，该散的人还是会散，我也悲伤遗憾甚至怀念但我也果断不留恋……这是一种很新的恋爱，当Z时代人开始进修爱情这门必修课时，这样新的恋爱态度又让人觉得理所当然。 失恋是多少人难以越过的一片海，多少人在失去灯塔后一直在失恋这片海域原地打转。《灯火瞭望塔》从表面看也是难逃魔咒，在失恋里越陷越深，哀叹无人同赏月色，遗憾无人一起漂泊；然而这首歌的旋律从未表现出一丝悲伤的情绪，旋律是一首歌的灵魂，它最容易被听众感知，这首歌抑扬顿挫的节奏、干净有力的旋律不断地提醒着听众——我可以伤感遗憾但别太久，我可以暂时迷茫害怕，但我能走出来；在爱情里，我可以绕弯路，但我能找到终点。