【空灵之境】天鹅之美——宁静中的拔弦

茶姗姗，一个讲述白茶收藏故事的冻龄女神！

音乐的能量超乎你想象，感受澎湃激情，收听跳跃的旋律，融入到动听的音符中，获得心灵共鸣的精彩瞬间，一切都回到最初的状态，能量满满的，迎接新的日子。如果本专辑对你有帮助，记得打赏噢！

阳春 吴文光（古琴）/张维良（箫）/中国音乐家大系 中国非物质文化遗产项目：「古琴艺术 虞山琴派」 中国古琴大师吴文光 虞山吴门琴韵珍藏版 虞山派古琴宗师吴景略 古琴传谱 张维良 箫合奏 著名古琴演奏家、教育家，「虞山吴派」奠基人，一代宗师吴景略（1907-1987）， 在中国古琴音乐的继承和发展有着极其重要的贡献，论者曾以「飞腾绮丽」赞誉其演奏艺术，称其：「既清新淡雅又气韵生动，既健美豪放又意境深远，既细腻精致又通畅阔达，其得心应手炉火纯青的演奏艺术打开了古琴音乐中新的视野，不仅达到了历来琴人所追求的理想境界，也使『曲高和寡』的古琴音乐更容易为现代人所理解与接受。」 2008年中央公布的第二批中国非物质文化遗产名录中就列出了虞山派古琴艺术，将它入选为中国传统文化保存和保护的重点项目，肯定了吴氏父子毕生对这一门音乐艺术所做出的热诚贡献，并颁布吴文光大师为该项目传承人。 古琴世家出身的吴文光大师，自幼受父亲吴景略大师真传，积累数十年，不仅演奏技巧精湛，更深悟其艺术真谛，不愧为虞山吴派的代表传人。1985～1990年，他更负笈美国，发奋攻读民族音乐学理论，获得博士学位，具有广博学识及独到的理论建树。吴文光的古琴演奏与教学，足迹遍及欧洲、北美及全亚洲诸地，所到之处，无不获如潮佳评，同时也为他积累了丰富的教学与演奏经验。由于师承吴景略开创的以气韵见长的虞山吴派演奏艺术，以表现自然之趣和擅长心理描写为追求，在深厚的传统文化底蕴与专业音乐基础训练及长期的生活磨练中，以自已独特的创见形成了新时代的文人行吟风格，把古琴的表现技术和美学理论向前推进了一步，让听者可从而领会出中国流传数千年来的古琴音乐其深刻内涵与美的真谛！ 演奏家寄语 中国的古琴音乐孤高岑寂而与众不同，是由历史条件、社会环境和文化氛围所形成和决定的一种文人文化。然古琴音乐毕竟是音乐，也必具有音乐的某些共性，因此，琴乐不仅哲理性强，而且在演奏和审美方面也自成体系，这些特质是相辅相成的。希望透过这张激光唱盘的出版，能体现固有文化中的这种整合，并以此专辑奉献给听众们！

这套3CD合辑是钢琴家布伦德尔与拉特尔指挥的维也纳爱乐乐团合作，演奏贝多芬的五部《钢琴协奏曲》。这是布伦德尔录制的第四套贝多芬《钢琴协奏曲全集》，与以前的三套录音有着同样的品质、感性、理智的严密性以及在大钢琴上铸就的辉煌，这也使得早期的唱片愈发妙趣横生。 一直以来，布伦德尔弹奏的所有五个慢乐章都极为优异，如同圣餐桌上的神父，吸引着管弦乐队中不同的乐器组环绕在自己的身旁，这次录音甚至比之前更好了。在两部早期的协奏曲中，维也纳爱乐乐团的演奏甜美而魅惑；在宏大的后期作品中，指挥西蒙·拉特尔彰显出了自身的能量。布伦德尔在早期协奏曲中的演奏，使人回想起他那些早期奏鸣曲以及早、晚期钢琴小品的优秀唱片，但布伦德尔是一位非常私密的人，对传统习俗以及作为“公共”作品拘泥于形式的协奏曲缺乏容忍性。 在《第三钢琴协奏曲》中，人们进入了一个不同的世界。这是一场精彩绝伦的演出，主音c小调暗示着充满黑暗和恐吓的聆听体验，低音乐器在前部奏出、作为打击乐器的鼓则准备就绪可随时投入使用。尤其是慢乐章之后的终曲部分，是不祥的预兆（只有一根发出光泽的单簧管在独奏），全景色调然却有如此宁静，这样的演绎还很少听到。《c小调钢琴协奏曲》以英雄为模型；而降E大调的《第五钢琴协奏曲“皇帝”》第一乐章的速度比先前的要慢，但效果并不理想。也许现在的诠释者们，和他们那些具有贝多芬式英雄特质的前辈们相比，要少了些许快乐。回到《第四钢琴协奏曲》的私密世界里，独奏家、管弦乐团以及指挥，状态都非常好。布伦德尔那熠熠生辉钢琴独奏部分的背后，是真实的热情和敏感性作为支撑。从各个方面来说，这套合辑都堪称一流。

这张专辑是钢琴大师布伦德尔演奏莫扎特几部最受欢迎的钢琴作品。包括四部奏鸣曲、一部幻想曲、一部变奏曲以及柔板、回旋曲。 布伦德尔曾说：莫扎特的音乐有着完美的形式，同时作为一名“如歌”的作曲家，他音乐中最重要的一点就是美，感官上的美。莫扎特是最具美感的一名作曲家。他的音乐旋律给人带来无限的感官愉悦。我想起费鲁桥.布索尼说过的一句妙语，他对莫扎特有过很多精彩评论。他说，莫扎特以歌唱为出发点，由此滋生出贯穿于其全部作品中纯然的音乐美，宛如女人霓裳中透出的迷人胴体。如此美妙！在莫扎特的音乐中，你会发现极其丰富的表现形式。对此布索尼也不得不承认：莫扎特在很小的时候就根据自己的观察来刻画人物。他一直洞察着世间百态，用咏叹调的形式即兴创作，表现人们的情感关系；作为一个孩子，他以此为乐。莫扎特的音乐表现范围广泛，从滑稽可笑乃至恶魔――这也是我与布索尼意见相左的地方，他不承认莫扎特音乐在另一方面的表现――他认为，“如果说贝多芬的本性可比作雷雨般的宏伟壮观，那么莫扎特便是永恒的和煦阳光。”

这张专辑是指挥家库贝利克与巴伐利亚广播交响乐团合作，演奏莫扎特《第40、41交响曲》。这个1985年的录音有着引人入胜的魅力，巴伐利亚广播交响乐团在库贝利克的指挥下展现出非常出众的歌唱性，仿如一个婉转嘹亮的女高音。这也是库贝利克与巴伐利亚广播交响乐团最后的合作，库贝利克再一次证明了他是一位极具表现力的指挥家，他对莫扎特音乐中对比的范围有真正的理解，对形式和风格有绝对正确的感觉。 《g小调第四十交响曲》K550，完成于1788年。此曲热情洋溢，有着充满感情化的乐思，虽然仍能听出巴洛克音乐的痕迹，但还是促使当时的音乐向前迈进了一步，当它在十九世纪初于莱比锡演奏之际，曾受到“战栗”或“沉缓”等字眼的评语。这部作品可以说是一步步接近浪漫派的作品，从旋律与和声两方面来看，都达到了最高水平。整部作品不用小号和鼓，大概在这种带有强烈宿命色彩、几乎是厌世的作品中小号和鼓确实没有地位吧。尽管如此，音乐却丝毫不使人感到沮丧，四个乐章洋洋洒洒，旋律发人深思，每听一次都能得到新的体会。 《C大调第四十一交响曲“朱庇特”》K551，作于1788年。此曲是莫扎特三大交响曲的压轴之作，其规模宏大、壮丽灿烂，在他众多杰出的作品中，堪称为最优秀的器乐曲作品。也是莫扎特发挥其作曲特色的代表作品，表现了莫扎特晚年娴熟的作曲技巧。此曲还是均衡对照的典范。朱庇特是罗马神话中最高的创造神之名，把它作为此曲的别名是十分相称的，但这并非莫扎特本人订的名称，而是后人加上的。

作为古典乐界最具天份、声望最高的年轻小提琴家之一，张莎拉演奏的小品专辑，无疑是她大部分唱片中是最有吸引力的，而且其中的曲目包罗万象，音乐内容丰富多彩，张莎拉演奏中的很多优点在这其中更加显而易见。 很多老一代小提琴演奏大师所热爱的小品，如今已渐渐被年轻一代遗忘，很多演奏家总认为这些作品分量太轻，不能显示自己的实力。殊不知，演奏这些小品无论是对自己乐感的培养还是音乐素养的提升都有着很大的帮助，有时一首小品要演绎得生动也并不比演奏一首协奏曲或奏鸣曲容易。相比之下，张莎拉对这类可口的“甜点”倒是情有独衷。 这张专辑的演奏一如既往地可爱，音乐的流露就好比专辑的标题纯朴、真诚。开场的《精灵之舞》精神抖擞，光彩绚耀，让人眼花缭乱。帕格尼尼的《如歌》、门德尔松的《乘着歌声的翅膀》、格鲁克的《旋律》等作品由她奏来音色迷人、格调高雅，音乐处理细腻，很经得起推敲。而诸如《霍拉舞曲》、《木屐舞》、《引子与塔兰泰拉》等一些“琴王”海菲兹的拿手好戏，在这位年轻的后生手中同样举重若轻，游刃有余，精彩、紧凑，天份尽显，让人不禁佩服。

这套专辑收录了小提琴大师吉顿·克莱默演奏的小提琴奏鸣曲录音，包括：1、与钢琴家阿格丽奇合作的贝多芬《小提琴奏鸣曲全集》、舒曼《第一、二小提琴奏鸣曲》、普罗科菲耶夫《第一、二小提琴奏鸣曲》、《为小提琴和钢琴而作的五条旋律》、巴托克和杨纳切克《小提琴奏鸣曲》、梅西安《主题与变奏》；2、与钢琴家瓦列里·阿法纳西耶夫合作的勃拉姆斯《小提琴奏鸣曲全集》、布索尼《第二小提琴奏鸣曲》；3、与钢琴家奥列格·迈森伯格合作的理查·施特劳斯《小提琴奏鸣曲》。 克莱默与阿格丽奇于1984年开始了贝多芬《钢琴与小提琴奏鸣曲全集》的录制。由于种种原因，全集经过了十年时间才最终完成。经过十年的磨砺，他们之间的配合已经炉火纯青。小提琴的声音比较靠前，使得克莱默细腻多变的音色有清晰的表现；钢琴的音场有一定的宽度和纵深感，与小提琴形成两个清晰的层次，交相辉映。 克莱默和阿格里奇都是个性极强的演奏家，但在合作中，克莱默充分发挥了他那极其细腻优美的音色变化，在乐段之间的对比上有较大的起伏，在一些旋律段落中又尽力突出音乐的抒情性。阿格里奇则对钢琴的分量的把握非常准确，她并没有更多地突出钢琴，而把大部分表现空间留给了小提琴，但是在结构性和弦支撑上则给旋律以坚实的支持。这就使得作品整体的平衡感极佳，两人的合作在旋律流畅性和乐段交接点上的转换则真正显示出他们的默契。

这张专辑收录了克拉拉·哈丝姬尔的演奏录音，包括莫扎特、贝多芬、舒曼、舒伯特的钢琴独奏作品。 第一首莫扎特《C大调钢琴变奏曲》以简单、纯真的曲风展开，紧接是一个带有舞曲性质的2/4拍节奏以及全音和声，这段简朴的八小节乐段正是这首变奏曲的主题。一般人或许认定这只是一首童谣，因为在英国系国家，《小星星》就是根据这首德国童谣《妈妈听我说》填词而成（但是作曲者的姓名已经无从考证）。莫扎特以这段简单的旋律为基础，创作出这首纲琴十二段主题变奏做为教材（时间约在1781年到1782年间，地点是维也纳）。这里收录的是哈丝姬尔在1960年5月的录音，她的演奏无疑弹出这首作品的价值，低音声部清澈透明的声音似乎也成为简单主题的一部分。在接下来的变奏里，主题仍然一再出现，但是是以各种不同色彩的声音来表现。哈丝姬尔努力地让键盘唱歌以弥补钢琴天性的不足，重视手指圆滑弹奏的程度更甚于依赖踏板。 《九段主题与变奏》是莫扎特1789年4月29日在波茨坦完成的作品，主题选自迪波尔为大提琴所写的六首大提琴奏鸣曲中D大调小步舞曲。它对演奏者的要求比起《小星星变奏曲》更严苛。虽然每一段变奏都有不同的个性，哈丝姬尔却贴切地表达出这首乐曲的精髓，主题一直呈现优雅的美感。负责低音声部的左手（例如：第二段变奏的十六分音符、第三段变奏的琶音与第四段变奏的断奏）为主题的发展奠定基础，主题在小调的变奏乐段呈现出忧郁的色彩，抒情的慢板则有朴实率直的平静。最后一段变奏是以欢乐的2/4拍写成，哈丝姬尔的诠释恰如其份，忠实的呈现出乐曲的欢乐气氛，从中完全嗅不到她日常生活的悲哀。 接下来是两部钢琴奏鸣曲。《第二钢琴奏鸣曲》K.280是莫扎特十九岁的作品，《第十钢琴奏鸣曲》K.330约在1783年创作于萨尔兹堡。两部奏鸣曲中间的慢板乐章结构都比前后两个乐章紧密与精细。《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章“甚快板”是根据低音主题进行转位发展，以3/8拍写成的终乐章滑稽且快速；在《第十钢琴奏鸣曲》稍快板乐章里，哈丝姬尔恰当而果断的弹奏出音乐里的活力。两部奏鸣曲的中乐章就像歌剧里的咏叹调场景。《第二钢琴奏鸣曲》慢板乐章是以f小调写成，风格正好与《第十钢琴奏鸣曲》的行板乐章形成对比，但是哈丝姬尔都浪漫地“唱”出这两个乐章，并且强调这两个乐章沉思的风格。这两部奏鸣曲都以三段体或两段体写成，哈丝姬尔的演奏不失其透明度，是非常有说服力的莫扎特诠释版本。

芭蕾，起源于文艺复兴时期的意大利，形成于17世纪的法兰西，兴衰于17世纪-19世纪的法国，鼎盛于19世纪末的俄罗斯，并于20世纪从俄罗斯走向世界各地，形成意大利、法兰西、俄罗斯、丹麦、美国、英国共六大流派。芭蕾是一种尚礼尚雅的欧洲古典舞剧艺术，符合欧洲古典美学。其诞生与发展一直贯穿着“国际主义基因”。