07. Concerto in d minor RV514 - 1. Allegro non molto

这张专辑是指挥家沃尔夫率领巴黎音乐学院管弦乐团，演奏马斯耐、夏旁迪埃的管弦乐作品。沃尔夫指挥的风格除了硬朗之外，还善于将乐团的色彩感发挥到极致，他和巴黎音乐学院管弦乐团合作的一系列录音，都可以视为典范。比如在马斯耐《第四管弦乐组曲》第一乐章进行曲中，很多指挥家都倾向于营造稀薄透亮的感觉，但是沃尔夫一出手厚重滋润的音色，使人感受到大师风范。这张专辑是模拟录音时代重磅发烧名盘，以发烧级器材重刻，效果出众。

这张专辑是钢琴大师巴克豪斯演奏肖邦的钢琴作品。 巴克豪斯以演奏贝多芬、勃拉姆斯和舒伯特等德奥作曲家钢琴作品而闻名于世，但肖邦的作品只在他中年时期以机械方式留下少量录音。这个1950年代版本则是巴克豪斯最完整的肖邦作品录音室录音，其中以力拔千钧的《第二钢琴奏鸣曲》最为后人称道。其他如练习曲和马祖卡都展示钢琴大师沉稳深厚的博大技巧，高清晰数字转制，大幅滤去背景噪音，凸现大师琴音的最完美瞬间。 《降b小调第二钢琴奏鸣曲》作品35，舒曼称之为“神秘莫测的，好像脸带嘲弄的笑容的狮身人面像”。这自然不是像海顿或莫扎特奏鸣曲那样“从前好世道”的音乐，这是肖邦独具一格、真正革新的作品。

这张专辑是指挥大师安塞美率领瑞士罗曼德管弦乐团、巴黎音乐学院管弦乐团，演奏几部优美的著名芭蕾音乐，效果发烧，展现全音域录音最高水准，其中《葛蓓莉亚》和《睡美人》绝版多年。

这套合辑收录了卡尔·伯姆指挥柏林爱乐乐团，演奏舒伯特八部交响曲的录音。 舒伯特一生写了九部交响曲 (以及一部所谓真正未完成的第十交响曲，暂且不算在内)，其中第七部的原稿早就遗失了，仅有八部传世。舒伯特的交响曲有个很显著的特点，即前六首交响曲形式是古典的，受海顿、莫扎特、贝多芬等人的影响很大，在配器上也多有仿效；到了第八、第九号交响曲时却有了较明显的浪漫情韵，独特的配器风格突然成熟，配器温暖而多彩。 舒伯特的交响曲，在伯姆和柏林爱乐乐团这对黄金组合的演绎下，散发出了非常美好的芬芳气味和温润的色彩，即使它其中多多少少总有那么一丝丝忧郁。 在面世的各种舒伯特交响曲辑中，伯姆指挥的这套综合水平是很高的，风格也是最适合的。 伯姆这套录音完成于大师60-70岁之间，这对于指挥家来说确实是黄金时期。封面上的写法值得我们注意，那就是《舒伯特八部交响曲》而并非《舒伯特交响曲全集》，这样写是最为严谨的方式，因为现存的这几部舒伯特交响曲，加上手稿遗失的《第七交响曲》是否是舒伯特的全部交响乐作品还存有疑问。伯姆和柏林爱乐乐团有着良好的合作关系，柏林爱乐乐团的纪律性被大师津津乐道。伯姆处理舒伯特交响曲时十分注重乐曲结构的均衡，因为这可能是舒伯特交响乐作品的硬伤，只有体现出更完整和清晰的结构，才不至于使作品显得过于分散。对于早期作品，大师处理的很生动和优雅，旋律流畅自然，木管的演奏生动可爱，弦乐表情细腻，全奏富有能量，快乐章的演奏拥有滚滚向前的动力，生机勃勃。第八和第九交响曲似乎一下子跳到浪漫主义滚滚洪流之中了(也许遗失的第七交响曲是舒伯特的转型作品）。《第八交响曲》大师选择的速度偏慢，但也并没有使音乐流于悲伤，首乐章神秘而略带压抑的气氛烘托的十分到位，每次聆听舒伯特的第八交响曲总觉得这是一部“神秘主义”的作品，这部作品中有着马勒式的迷茫和彷徨，但并没有恐慌和不安，忧伤中透着一种静谧和安详，这部作品似乎在整个交响乐的历史中始终有着一种独特和难以言说的气质。《第九交响曲》是一部史诗般宏大的作品，伯姆把握宏大作品的能力在这里一览无余，除了对于铜管乐处理显得有些谨慎以外，大师对于“伟大”交响曲的诠释着眼大局，并没有过分强调音乐的外在效果，柏林爱乐乐团的演奏似乎也比较克制，但音乐表达到位即可，过于极端有时候会适得其反。

这张专辑收录了王羽佳演奏的肖邦、李斯特和斯克里亚宾的奏鸣曲，并穿插两首利盖蒂的练习曲。 专辑中都是兼有难度和深度的有份量的曲目，王羽佳就是想把第一张专辑当作一个宣言：“我不是一个弱小的亚洲小女孩！”她在专辑中展现了三首奏鸣曲之间的对比和联系：肖邦和李斯特都是19世纪浪漫主义钢琴音乐天才，但二人对奏鸣曲这一产生于欧洲古典主义时期的音乐体裁的理解却迥乎不同。相形之下，20世纪作曲家斯克里亚宾的第二奏鸣曲在精神和气质上却更接近肖邦，显然受到了肖邦的极大影响。聆听这张专辑时，自始至终都能感受到令人热血沸腾的情感张力，音乐一直吸引着听者的注意力直到曲终。 有人认为王羽佳这几首奏鸣曲的演奏速度过快，为此我特意对比了这些奏鸣曲的其他经典演奏版本，发现王羽佳的演奏时间并不比其他版本短。我认为是王羽佳演奏中喷薄而出的朝气、流畅率真的音乐表现，使音乐结构显得极为紧凑、充满动感，所以使听者心理上的速度感要快于实际的演奏速度。专辑中的两首利盖蒂练习曲是令许多演奏家望而生畏、难度极大的现代音乐作品，王羽佳的演奏体现了她对键盘近乎完美的控制能力，信手拈来，毫无负担。

这张专辑是莱博维茨指挥巴黎音乐协会管弦乐团，演奏多部脍炙人口的歌剧序曲、间奏曲。由著名录音师韦尔金森在1960年录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。 专辑中莱博维茨指挥巴黎音乐协会管弦乐团的演奏十分到位、够味，从中激荡出那种原乐曲里特有的精髓——恬静与忧伤的情调以及强烈原始风格的韵味。专辑不但演绎令人过足音乐欣赏之瘾,其录音制作的水准之高也是少见的。聆听这个录音对音响器材的品质考验很是重要，因为它不但是韦尔金森亲自录制的，还经过另一位录音奇才波伯·卡塔兹的后期处理。唱片中音质通透度非比寻常，乐队中每件乐器的摆位与演奏非常清晰，极为发烧。所以绝不会在聆听时产生拖泥带水、一团团混乱化不开的现象。发烧友在聆听时(当然重播的音响器材一定要够档次)将会感受到许多乐队在现场演奏时细微的“杂声”，如翻乐谱和乐器无意间的碰击声（当然你的耳朵也必须“好”）。所有这些都是唱片在制作时有意保留下来的，以便在音乐重播时给聆听者带来身临其境的鲜活感觉。 歌剧院一览无遗的现场辉煌氛围，是这张专辑给我们带来的最大特点。你听那弦乐如丝般圆润顺滑的音质，管乐亮而不刺的通透明华，打击乐时而极具动态弹性的干净演奏，以及为整个乐队演奏铺垫时那隆隆低频音色，是井井有条分毫不乱恰到好处。其中尤其是铜质小碰铃叮叮噹噹的清脆之声如水晶般剔透晶莹，真令人陶醉其中美不贻言。所以这张专辑即好听又考音响器材，是表现音乐内涵与韵味及玩HiFi两不误的好唱片。因此假如你在重播聆听时感受不到上述这些特质，那是否就要考虑你的音响器材出问题了。

这张专辑是著名俄罗斯钢琴大师普列特涅夫录制的首张肖邦钢琴独奏作品集。从《F小调幻想曲》Op.49到著名华尔兹和前奏曲，从《埃科塞斯舞曲》到《降A大调即兴曲》，涵盖了肖邦不同时期多种风格的钢琴作品。 普列特涅夫演奏的钢琴音色特别宽阔而有力，富于色彩变化，音节分明并有着惊人的透明度。在《第三钢琴奏鸣曲》中，普列特涅夫的琴声似乎是在空气中飘动，自然而流畅，在那些耳语般轻柔的音符中他似乎在探索着什么。普列特涅夫弹奏起玛祖卡来，每个乐句都会有新的感觉。这就是普列特涅夫，一个能把肖邦那些“辉煌”的华尔兹中的悲剧色彩挖掘出来的天才。

这张专辑收录了安德烈·普列文的演奏录音，包括莫扎特、普朗克、肖斯塔科维奇、格什温的钢琴作品。其中普列文与维也纳爱乐乐团合作的莫扎特《第十七钢琴协奏曲》。这部协奏曲是莫扎特1784年作品，和《第十四钢琴协奏曲》都是为维也维钢琴家芭芭拉·普洛伊尔而写。本套专辑收录的另一部协奏曲风格与莫扎特完全不同。这是俄国作曲家肖斯塔科维奇在1933年完成的《第一钢琴协奏曲》。在肖斯塔科维奇这部协奏曲的终乐章里，小号与钢琴几乎扮演同等重要的地位，就像肖斯塔科维奇向俄罗斯传统协奏曲创作模式的挑战。在伯恩斯坦与纽约爱乐乐团的协奏下，普列文把这部协奏曲弹得极其光彩耀眼。另外两部协奏曲分别是格什温《F大调协奏曲》以及《蓝色狂想曲》，由普列文独奏并指挥匹兹堡交响乐团。《F大调协奏曲》是在《蓝色狂想曲》大获成功后，由指挥家达姆罗希指挥首演。多年来，以演奏传统严肃乐曲为主的钢琴家虽然个个技巧高超，但是都无法掌握到这两部协奏曲的精髓，因为他们不了解爵士乐。这对普列文来说当然不是问题，因为他能够完全的掌握《F大调协奏曲》与《蓝色狂想曲》里的爵士成分。 普列文也经常演奏普朗克的作品。普朗克和格什温都是非常优秀的钢琴家，但是普朗克不只写作器乐曲，他也创作管弦乐曲。虽然钢琴老师维纳一直鼓励他朝作曲发展，普朗克的作曲技巧几乎可以说是无师自通。《田园曲》、《触技曲》与《赞美诗》这三首小品看来简单，事实上却非常不容易演奏。其中如烈火般《触技曲》是最常演出的一首。即使音符如同地震般的涌出，音乐中仍不乏诗意的《急板》是霍洛维兹最喜欢的安可曲，也是普朗克在1934年题献给霍洛维兹的作品。

这套4CD合辑是小提琴家斯特恩与钢琴家布朗夫曼合作，演奏莫扎特的15部钢琴与小提琴奏鸣曲。作品中份量与小提琴相当的钢琴部分，演奏者布朗夫曼是斯特恩儿子辈的年轻人，可见大师对其赏识。正是在灵魂导师斯特恩的扶持下，布朗夫曼很快就成为一线当红的钢琴家，后一直走红至今。 布朗夫曼常说自己从斯特恩那里学到许多东西，“跟他一起演奏时，他用心听别人，令人钦佩”。与前辈的合作也激发起他日后对室内乐持久的热情，与那些志同道合的同行们一起演奏室内乐、分享音乐的美好，对他而言是最美妙的体验。

这张专辑是明希指挥波士顿交响乐团，演奏巴赫《勃兰登堡协奏曲》、《第一小提琴协奏曲》。 巴赫的六首勃兰登堡协奏曲中有四首是三乐章的套曲形式，基本遵循“快—慢—快”的结构（第一首和第三首例外）。与后来的交响曲不同的是，巴赫在乐章之内还没有使用主题和调性的对比，他在乐章内大多只采用一个独立主题的复调性发展，而通过不同乐章间的不同主题形象（包括调性）来展开对比，用以体现乐章间的联系，从而达到全曲的整体统一。 《a小调第一小提琴协奏曲》BWV1041，作于1720年，是巴赫写给他自己的。在当时，巴赫经历了丧妻之痛，这部作品似乎可以认为是巴赫对他自己的鼓舞之作。是巴赫作品比较少有的激情之作（特别是第三乐章）。此外，当时由于古典派的协奏曲形式尚未确立，合奏协奏曲正极盛一时，所以保留有浓厚的意大利作曲家的协奏曲风格，但比较接近于现代协奏曲；在形式上也都采用与维瓦尔第协奏曲完全相同的“快-慢-快”三乐章形式，伴奏方面采用的是弦乐合奏与低音乐器。全曲给予听众一种“意大利式甜美”的感觉，但从中仍可感受到巴赫复调音乐的精致巧妙的手法，显示出巴赫严肃的一面。