萨宾梅耶管乐合奏团《和谐音乐(7)》

萨宾梅耶管乐合奏团《和谐音乐(7)》

这张专辑是萨宾梅耶管乐合奏团1996年录制的,演奏贝多芬的三部室内乐作品。
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雅伯隆斯基《肖斯塔科维奇·芭蕾舞组曲》
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这张专辑是雅伯隆斯基指挥俄罗斯爱乐乐团,演奏肖斯塔科维奇的四套芭蕾舞组曲。这四套组曲并不是肖斯塔科维奇本人直接创作的完整芭蕾,是由他的好友列夫·阿托夫米扬(Lev Atovmyan),从肖斯塔科维奇的芭蕾舞、戏剧、电影配乐里挑选片段,重新编排、配器、汇编而成的管弦乐组曲,1949-1953年间陆续整理完成。 当时苏联电台需要一批轻松通俗的管弦“轻音乐”用于广播,阿托夫米扬便从作曲家大量舞台配乐素材中萃取乐章,目的是面向大众广播演出。很多原始母本的芭蕾原作,在当年苏联现实主义文艺政策下还曾遭到封禁,这套组曲把这些旋律重新包装,让它们得以公开传播。 德米特里·雅伯隆斯基(Dmitry Yablonsky)俄派肖斯塔科维奇专家,录过一整套肖氏通俗管弦作品(爵士组曲、《螺栓》芭蕾组曲等),非常擅长把握这种轻快、带讽刺幽默感的音乐,不把它演成厚重交响乐,突出舞蹈律动、明亮的铜管与俏皮木管色彩。俄罗斯爱乐乐团拥有本土俄式音色,弦乐温暖,铜管锐利,很贴合这套苏俄轻音乐气质。干净清晰的数字录音,动态充足,各声部层次分明。 整套音乐风格轻快、幽默、舞蹈性极强,和肖斯塔科维奇那些沉重悲剧性的交响曲、弦乐四重奏面貌截然不同,充满舞曲、圆舞曲、波尔卡,旋律通俗鲜活,很多人只熟悉他严肃作品,听到这套会感到十分惊喜。 《芭蕾组曲第一号》1950年,选自芭蕾《清澈的小溪》、戏剧配乐等;《芭蕾组曲第二号》1951年,素材取自电影、戏剧配乐;《芭蕾组曲第三号》1952年,大量来自《清澈的小溪》;《芭蕾组曲第四号》1953年,混合芭蕾与影视配乐片段。
格鲁米欧《福雷、弗兰克·小提琴奏鸣曲》
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这张专辑是小提琴大师格鲁米欧分别与钢琴家Paul Crossley、György Sebök合作,演奏福雷、弗兰克的《小提琴奏鸣曲》。格鲁米欧的演奏音色纯净高贵,线条歌唱性强,不追求夸张煽情。福雷作品细腻优雅,把早期浪漫到晚年沉静的风格转变表现到位;弗兰克的奏鸣曲克制,不过度戏剧化,属于“优雅派”弗兰克版本,区别于很多激情澎湃的演绎。1970年代模拟室内乐录音,声场自然,小提琴与钢琴平衡很好,没有过度渲染。 福雷的室内乐作品是非常精致的,给人的印象是好像它们的每一个音符都经过了再三的斟酌和推敲,没有什么地方是漫不经心,或者打打马虎眼儿就可以对付过去的。两首动听而完美的小提琴奏鸣曲很好地代表了福雷这种学 院派的室内乐风格,尤其是e小调的第二首,更为含蓄、凝练,功力深厚。 而A大调的前一首则更多些浪漫情怀,有春天里柳枝婀娜般的优美。福雷音乐很少有大风大浪的气象。也可以说他不是一个好的交响乐作曲家。然而以 室内乐的比较恬静、平和的形式去处理那些细腻而复杂的情绪变化,令乐思婉转而伸张,福雷还是很有一手的。这一点,你一旦拿它比较过德沃夏克或者柴科夫斯基的室内乐作品,就很容易显示出来了。 本世纪小提琴名家中的格鲁米欧也是个学院派。有些人把学院派理解为保守、呆板是片面的,我眼里“学院派”倒常常是个褒意的词哩,它意味着精深、典雅,而且动必有方。福雷明白他自己写下的每一个音符,格鲁米欧也明白他拉出的每一个音符。如此这般,小提琴的音色自然就漂亮起来了,而不需刻意的炫技。
卡洛斯·克莱伯《贝多芬·第六交响曲》
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这张专辑是卡洛斯·克莱伯指挥巴伐利亚国家管弦乐团,1983年11月7日在巴伐利亚国家歌剧院的演出实况录音。这是卡洛斯·克莱伯指挥贝多芬《第六交响曲》的唯一录音版本。 这个版本的原母带是巴伐利亚乐团所有现场录音档案中,唯一一张因尘封太久导致母带受损而迟迟无法面世的录音。所幸的是卡洛斯·克莱伯之子尚保留此受损母带之备份,经过录音工程师仔细地调校后才得以将此失落近20年的传奇版本重现。全曲的指挥风格独树一帜,充分展现了卡洛斯·克莱伯的指挥艺术。演出最后长达约四分钟的掌声中,可以感受到该传奇版本的魅力,仿佛将所有观众导引到田园般宁静致远的境界,而忘了置身于音乐厅内。 卡洛斯·克莱伯独树一帜的演绎,他不像当时绝大多数的大师那种不温不火的演奏,而是完全按照总谱上标注的速度演奏。贝多芬标注的速度明显的看得出他心目中的《田园》是欢快的。但由于太多指挥对贝多芬给的速度和“***的快板”标示有太多的异议,所以我们往往听到的贝多芬交响乐有很多不同的风格。这个录音同样不同于我们平常听到过的很多演奏。 听众完全被这种耳目一新的演绎所震撼了。她是那么的欢快、那么的朴实,以至于好像我们亲临了一场贝多芬亲自指挥的音乐会。演出后的第二天,《慕尼黑日报》有评论道:“……关于《田园》的整体风格以及细节演绎,看来已经没有争论的必要了。小克莱巴欢快,明亮,自然的诠释已经让我们不再有去怀疑贝多芬的节拍器是否出问题的必要了。” 德彪西曾经的一席话可以借来概括这场音乐会“我们仿佛从音乐厅来到了田园——树木不是打着白领结来迎接客人的……小溪清澈透亮……我们几乎闻到了马厩的味道。”当最后一音符中止的时候,听众已经被小克莱巴带入了田园,他们很不愿意看到如此精彩的旅行的结束。当一些人开始稀稀落落犹豫的鼓起掌来,更多的人还是安静的坐在位子上,直到小克莱巴转过身来,意犹未尽的人们才开始意识到他们回到了音乐厅。“Bravo”的欢呼萦绕在音乐厅每一个角落。听过小克莱巴诠释的《田园》人们应该会同意《慕尼黑日报》的一句话“令爱乐者最满意的一晚”。
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霍洛维兹在莫斯科
霍洛维兹在莫斯科
1986年,82岁高龄的霍洛维兹在戈尔巴乔夫的邀请下,返回生养他的俄罗斯,举行了一场音乐会。不过,他只演奏了一场。不知这是他个人的决定,还是当局的决定。 这是一场游子还乡的悲情演出,不论演奏者或听众,感受的不仅是钢琴演奏艺术,还共同演出了那场戏剧人生的最后一幕。多少场景、细节、伏笔、人物、矛盾、冲突……人生所有的不得已,都在那唯一一场演出中,在每一个音符的跳跃中一一交割。霍洛维兹的音乐,不可颠覆地从渺远的高处,悲悯地俯视着将他长久拒绝于国门之外的、生养他的俄罗斯,俯视着泪流满面、百感交集的听众。 霍洛维兹,他那特有的“左手低音”,总会不由分说地从听众的心坎上卷起热望和哀思。这场音乐会,他依然弹奏他最擅长的曲目。弹起斯卡拉第,一路掉落精致的珍珠;他手下的李斯特有种神秘的味道,前所未有地燃烧着天才的热情;他的拉赫玛尼诺夫和斯克里亚宾又华丽又悲凉,雄浑的意境里暗藏侠骨柔情。他有这么多让人疯魔的特质:大刀阔斧的阳刚气、浓厚而层次分明的色彩、卷舒自如的呼吸、几乎与生俱来的浪漫情怀、意兴所至的神来之笔…… 尽管,同一级别的大师里,数霍洛维兹招致的非议最多:他技巧很好,但喜欢炫技,个人色彩太重,太随意——无论弹谁的作品,听上去都象他自己。这些评论有道理,可是,对霍洛维兹来说没什么意义——他知道自己的天赋和使命,知道该怎么去表达自己的激情——他是为这个才弹琴的。霍洛维兹的琴声里不乏直接来自人性的朴素、犷野的冲动,闻者胸中自有热血,哪经得起这般呼唤!其他演奏大师常在让我惊佩的同时,隐约听到他们倾诉成功背后的艰辛,而霍洛维兹早已用更大的劳苦抹去了劳苦的痕迹,以更辛勤的雕饰超越了表面的繁华,打磨出了一个赤子充满情爱的世界。他在恣肆的琴声里朗声宣告弹琴是最大的快乐,音乐是人生的终极目标。 这场历史性的演出被记录了下来,直到今天一直都被认为是20世纪最杰出的现场音乐录音。霍洛维兹的唱片可以有选择地慢慢听,但这张不容错过。
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