02. Tchaikovsky Piano Concerto No.1 - 2. Andantino simplice

这张专辑收录了著名钢琴家范·克莱本演奏的两部协奏曲录音，见证了冷战时期古典音乐打破政治隔阂的力量，克莱本的成功演出成为美苏文化交流的重要事件。专辑同时收录了浪漫主义巅峰与现代主义经典作品，展现了克莱本作为钢琴家的全面性——既能驾驭拉赫玛尼诺夫的深情，也能诠释普罗科菲耶夫的冷峻。Living Stereo录音技术，无论是现场的空间感还是录音室的清晰度，都保留了克莱本钢琴音色的饱满质感，至今仍是发烧友追捧的版本。 1、拉赫玛尼诺夫《d小调第三钢琴协奏曲》这是克莱本在1958年莫斯科柴可夫斯基国际钢琴比赛夺冠后，回国在卡内基音乐厅的历史性演出录音，也是他职业生涯最具代表性的现场演绎之一。克莱本在莫斯科比赛中，以拉赫玛尼诺夫第三协奏曲征服了苏联评委与观众，成为冷战时期轰动美苏两国的文化事件。回国后这场卡内基音乐厅演出，是他“凯旋之旅”的巅峰时刻。现场录音自带的紧张感与激情，让克莱本的演奏既有磅礴的气势，又不乏细腻的抒情。他对作品中高难度技巧段落的处理流畅自然，同时深刻诠释了拉赫玛尼诺夫的浪漫主义内核。这个现场版本被公认为拉赫玛尼诺夫第三协奏曲的标杆性演绎之一，也是克莱本与苏联指挥家康德拉辛的经典合作。 2、普罗科菲耶夫《C大调第三钢琴协奏曲》这是克莱本为数不多的20世纪现代派作品录音，展现了他不同于浪漫主义作品的另一面。普罗科菲耶夫第三协奏曲的明快节奏、尖锐和声与克莱本的浪漫主义演奏风格形成了奇妙的碰撞。他在保持作品活力与棱角的同时，赋予了音乐温暖的质感，尤其是第二乐章变奏部分的演绎，兼具灵动与深度。与指挥沃尔特·亨德尔、芝加哥交响乐团的配合精准而富有张力，乐团的动态与克莱本的钢琴线条相得益彰，展现了他驾驭不同风格作品的能力。

这张专辑是哥德堡七重奏演奏巴赫《哥德堡变奏曲》，这是巴赫这部键盘杰作的世界首个七重奏版本录音。 《哥德堡变奏曲》BWV 988，巴赫著名的羽管键琴作品，大约作于1741-1742年间，其间巴赫在莱比锡，视力已开始减退。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡（Johan Theophil Goldberg）而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林（Hermann Karl Von Keyserlingk）伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。 这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一层与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止。

这张专辑收录了格伦·古尔德的演奏录音，包括斯卡拉蒂、莫扎特、海顿、比才等的钢琴作品。 这套专辑的曲目完全没有巴赫。没有代表性的巴赫，或许有人会认为这就像古尔德与同行竞争的同时却拿一件破武器在手上。从另一个角度来看，没有巴赫与贝多芬，也就没有办法全面的审视古尔德，但是现在只能就这些曲子来解说古尔德的诠释艺术。从古尔德独一无二的演出中，我们会发现天使与魔鬼同时并存在这些音乐里。 首先是伯德与吉本斯的作品。从这些作品可以发现以节奏主导乐曲的作法和他的巴赫一样，各声部情感丰富而又各自独立，并以细腻的小细节串连起整部作品。无论是伯德、吉本斯或巴赫，古尔德同样都以不间断向前行进的持续感为诠释基础，“迟缓”更是古尔德不会忘记的速度。 三首斯卡拉第奏鸣曲代表古尔德曾有很短的时间沉迷于他的作品。这里的诠释依然是平常的古尔德，出色的细节掌握是让音乐有持续感所不能缺少的要件。 从莫扎特《C大调幻想曲与赋格》可以听到古尔德最受争议性的一点：他把莫扎特弹得过份神圣庄严，而莫扎特的音乐内涵通常是和这样的风格相抵触，因此过去曾有个多伦多钢琴家把古尔德诠释的莫扎特形容为“下流”。古尔德自己则表示，他对早期的莫扎特非常着迷，对于成熟期的莫扎特完全没有共鸣。他认为，莫扎特是位剧作家、伟大的歌剧与协奏曲作曲家。顾尔德演奏的莫扎特还没有得到多数人的认同。美国乐评人哈金在同业中素以研究莫扎特闻名，他形容古尔德诠释的《c小调钢琴协奏曲》是“我所听过最出色的诠释之一”；另一位美国名乐评人格拉斯则说所有的《c小调钢琴协奏曲》版本中，只有古尔德的诠释会让他一次又一次的欣赏，因为这是最有活力与有趣的版本。两位乐评人的观点为“下流”的说法带来疑问，也暗示我们必须重新聆赏与思考古尔德的莫扎特。

这张专辑收录贝多芬的两部杰作：一是米凯兰杰利与斯梅塔切克指挥的布拉格交响乐团合作演奏的贝多芬《第五钢琴协奏曲》“皇帝”；二是穆拉文斯基指挥列宁格勒爱乐乐团演奏贝多芬《第四交响曲》。 这张唱片虽说比较罕见，但并不意味着专辑的录音也属于“罕见级别”的精彩。米凯兰杰利演奏的这个版本贝多芬《第五钢琴协奏曲》并不是他的最佳版本，不能和那个与切利比达奇合作的版本相比，但对不很熟悉米凯兰杰利的人来说，这张唱片足以体验他的风格手法和精湛技巧。反倒是穆拉文斯基指挥的贝多芬《第四交响曲》是非常出色的版本。如果淡化作品的“爱情”创作背景仅仅针对作品本身的话，你会发现录音色彩丰富、灵动异常，让人颇为惊喜。 《降E大调第五钢琴协奏曲》作品73，作于1809年。是贝多芬所有的钢琴协奏曲作品中，规模最为庞大的一部，故常被人称为“皇帝”协奏曲。而事实上，本曲也确实具有堂堂王者风范。但是“皇帝”这一标题并不是贝多芬自己命名的，也不可能和某一位特定的“皇帝”有关，公认的说法是由于本曲在当时被誉为无可争议的“协奏曲之王”，故此得名，并沿用至今。在本曲中，作曲技巧炉火纯青的贝多芬，又设计出众多崭新的思路，整部作品在工稳的结构中蕴含着壮阔的波澜、变化无穷的旋律，尤其以主奏钢琴的花奏开始的第一乐章，一开始便给听众以极端宏伟、华丽的印象。 《降B大调第四交响曲》作品60，完成于1806年的9、10月间。此曲以其优雅、活泼、轻松的气质引人注目，其中充满了微妙的力量平衡。

这张专辑是意大利独奏家合奏团演奏罗西尼的六部《弦乐奏鸣曲》、唐尼采蒂的《第三、第五弦乐四重奏》。罗西尼六部《弦乐奏鸣曲》音乐天才罗西尼少年时的天赐之作，被赞誉为“天鹅绒般”的柔美弦乐作品。罗西尼的这些作品所散发出来的浪漫气息恰如关不住的满园春色，以一种极其和谐的姿态契合着十九世纪的时代足迹。流畅华丽的旋律间依稀可见海顿和莫扎特的影子。他那鲜爽、细润、透明的风格，真正称得上美玉无瑕，真正美得让人全身心翩然舒展，甚而忘平所以。那弦乐听起来简直是带着仙气的，是凡人拙笔根本无法形容的，所以被推崇为古典音乐欣赏的最佳范本。

这套录音的内容很丰富，反映指挥家战后的现场演出风格十分全面，12CDs的内容完全是Furtwangler&BPO的组合。诚然无论在萨尔斯堡、拜罗依特、伦敦、罗马，还是在斯德哥尔摩，或者埃及，都留下富特文格勒战后录音的光辉；有些是与维也纳爱乐合作，有些是与水平不一的当地乐队合作。这些录音都是不能忽视的，然而富特文格勒与柏林爱乐在他们大本营的演出对于指挥家的战后年代而言，还是有着坐标原点般的分量。这套录音囊括了太多名演，十二张唱片从1947年5月25日大师重返舞台，指挥贝多芬第五、第六交响曲的首场演出开始，到1954年5月23日，富特文格勒最后一次在柏林登台，指挥相同作品的音乐会结束。指挥家战后在柏林的演出也有些不是RIAS的，譬如1952年勃拉姆斯“第一”的现场，但本套唱片内容之丰富，品质之超凡，仍每每给我荡漾于珍宝馆中的感觉。

这张专辑是莱纳指挥芝加哥交响乐团，演奏贝多芬《第七交响曲》、《费德里奥序曲》。莱纳以极致精准、刚劲有力、结构严谨的演绎，与这部交响曲“狂欢、律动、充满力量”的精神高度契合。这是Living Stereo系列的典范录音，采用三麦克风现场拾音，最大程度保留音乐厅的空间感与乐器定位。音色温暖饱满，动态范围极大，弦乐的细腻与铜管的爆发力并存，被发烧友誉为“胆味十足”的立体声范本。录音师Lewis Layton与制作人Richard Mohr的黄金组合，让这张唱片成为音响测试的经典参考。

这张专辑是意大利钢琴大师米凯兰杰利与指挥家朱里尼、维也纳交响乐团合作的现场录音，被公认为贝多芬“皇帝”协奏曲史上最具个性与艺术张力的版本之一。专辑封面采用伦勃朗风格的风暴风景画，与“皇帝”协奏曲的史诗感相得益彰。在古典唱片收藏圈中，它是米凯兰杰利与朱里尼的代表作，也是贝多芬协奏曲版本中无法绕过的“必听名盘”。 米凯兰杰利一生录音极少，且对演奏近乎苛刻，这张1979年的现场是他最广为人知的贝多芬协奏曲录音之一。现场的即兴张力、演奏者的临场状态，让这版演绎比录音棚录音更具“活的生命力”，被形容为“最富于刺激性和娱乐性的佳作”。朱里尼的指挥克制而富有歌唱性，维也纳交响乐团的音色温暖厚重，与米凯兰杰利清冷、精准、极具控制力的钢琴音色形成奇妙的平衡。乐团既不喧宾夺主，又能在需要时撑起恢弘的交响骨架，完美衬托钢琴的王者姿态。米凯兰杰利的钢琴音色极具辨识度：高音区清澈如水晶，低音区沉稳而不浑浊，弱音控制更是一绝。尤其是第二乐章，他的触键轻而不虚，营造出一种近乎神圣的宁静感，成为后世乐迷津津乐道的名场面。 《CD天书》评价：米凯兰杰利的演绎真实十分狂放。这位乐坛怪杰，不喜欢在录音室里演奏；但在现场氛围启示之下就创意焕然，光芒四射。不过，他的即兴演奏却不适宜作为经典供奉。同是《皇帝协奏曲》的录音，塞尔金（Serkin）演来是位庄严有钱人情味的乔治第五，而米凯兰杰里却是位洒脱的温莎公爵。故此，当你怀着现场演奏的形象去赏识时，本碟就不失为最富于刺激性和娱乐性的佳作。单听大师神乎其技的指法，已令人心悦诚服了。录音极饱满动听，间中有些超越平衡的木管乐器排众而出，但不足以垢病。 贝多芬《降E大调第五钢琴协奏曲》作品73，作于1809-1811年，是他最后一部钢琴协奏曲，也是古典主义时期最伟大的钢琴协奏曲之一，“皇帝”的昵称并非贝多芬本人所取，而是后世因作品的恢弘气势赋予的美誉。米凯兰杰利以“洁癖式”的演奏风格闻名，他的录音大多是现场或后期剪辑的现场版本，这张专辑完整保留了他演奏中最鲜活、最具张力的一面。朱里尼的指挥以细腻的线条和丰富的情感著称，他与米凯兰杰利的合作被认为是“两种极致克制的艺术碰撞”，乐团的配合精准度在现场录音中堪称典范。

这张专辑包含莫扎特的四部交响曲。《企鹅唱片指南》给予三星带花级高度评价，称这套莫扎特中期交响“温暖、富有人文气息，是传统浪漫派莫扎特演绎的范本”；区别于现代本真演奏的轻盈短促，使用现代交响编制，弦乐声部饱满、音色温润，速度偏舒展，线条歌唱性极强，传承19世纪德奥对莫扎特的温情解读；不夸张炫技、不刻意制造戏剧张力，注重乐团声部平衡，木管、铜管、弦乐层次清晰，情感内敛含蓄；精准把控莫扎特奏鸣曲式、回旋曲式的逻辑，乐章衔接自然流畅，整体一气呵成。

这张专辑收录的19段乐曲的原作者分别是斯卡拉蒂、巴赫、亨德尔，有趣的是，这三位伟大的作曲家都出生于1685年。这些乐曲原本是为键盘、弦乐器或人声创作的，村治佳织仅仅通过吉他，就将巴洛克音乐中繁复严谨的结构和端庄典雅的风格表现得如此完美，可见她深厚的功力和独到的艺术品位，也让人们对吉他这一看似简单的乐器有了新的认识。同时，她的演奏更赋予了这些作品浪漫的气质和清新的活力。